Jaki obraz muzy pojawia się w tekstach Niekrasowa. Oryginalność rozwiązania tematu poety i poezji. Wizerunek muzy w tekstach N. A. Niekrasowa. Tematy i problemy

Wstęp

W ciągu ćwierćwiecza swojego rozwoju (1892–1917) nierealistyczne ruchy literackie zaprezentowały szereg głównych talentów, których twórczość wyrażała istotne cechy ówczesnej świadomości artystycznej i wniosła wyjątkowy wkład do poezji rosyjskiej i światowej oraz proza. Podobnie jak całe życie duchowe Rosji w epoce trzech rewolucji, ruchy te charakteryzowała się napiętą, konfliktową dynamiką. Zadecydowała o tym sprzeczność pomiędzy estetycznym indywidualizmem a poszukiwaniami społecznymi. Jednocześnie przeważyła od dawna pielęgnowana myśl rosyjskiego pisarza o harmonii społecznej i wolnej osobie, bez względu na to, jakie utopijne formy czasami przybierała ta myśl.

Wśród rosyjskich ruchów nierealistycznych - symboliki, acmeizmu, futuryzmu - pierwszą na czas i najważniejszą pod względem wyników artystycznych była symbolika. Powstał w punkcie zwrotnym od ponadczasowości lat 80. do społeczno-politycznego rozkwitu lat 90. W 1892 r. D. Mereżkowski w wykładzie „O przyczynach upadku i nowych tendencjach we współczesnej literaturze rosyjskiej” wezwał do wzbogacenia jej treści o ideę mistyczną i aktualizacji poetyki za pomocą form symbolicznych i impresjonizmu. W tym samym czasie ukazał się tomik wierszy Mereżkowskiego „Symbole”; poprzedził jej słowa Goethego o przemijaniu jako symbolu wieczności. W latach 1894-1895 Ukazały się trzy edycje rewelacyjnych zbiorów Bryusowa „Russian Symbolists”, demonstrujące teorię nowych tekstów i ich próbki.

Wizerunek Muzy w tekstach A. Achmatowej

W 1940 r. W rozmowie z L. Czukowską A. Achmatowa zauważyła: „... Aby dotrzeć do sedna, należy przestudiować gniazda stale powtarzających się obrazów w wierszach poety - w nich kryje się osobowość autora i duch jego poezję”. W tekstach A. Achmatowej stale powraca obraz Muzy - „siostry”, „sobowtóra”, „cudzoziemca”, „kata”; „dziwny”, „smukły”, „ciemny”, „w dziurawym szaliku”, „prześmiewczy”. Odsłania nam postawy etyczne i estetyczne poety w różnych latach: poszukiwanie „swojego” głosu i podążanie za tradycją młodej A. Achmatowej, później - świadomość wagi tematu obywatelskiego i, podsumowując rezultaty swojej pracy, zrozumienie przez autora faktu uchwycenia własnego obrazu i losu w zwierciadłach sztuki. W poezji A. Achmatowej ważny jest motyw sobowtóra, związany z tematem twórczości i tworzenia tragicznego patosu.

Liryczna bohaterka wiersza „Muza” (1911) kontrastuje ze wszystkimi „dziewczynami, kobietami, wdowami”, którym daje się możliwość doświadczenia zwykłego kobiecego szczęścia. Stan zniewolenia bohaterki („nie te kajdany”) wynika z konieczności dokonania wyboru pomiędzy miłością a kreatywnością. Muza-siostra zabiera swój pierścionek („pierwszy wiosenny dar”, „dar Boży”), będący symbolem błogosławionej ziemskiej miłości. Niebiański posłaniec daje artyście moc twórczą, ale w zamian pozbawia go możliwości skupienia się na pełni samego życia, przekształconego w pierwotne źródło fantazji poetyckiej.

Jutro lustra powiedzą mi ze śmiechem:

„Twoje spojrzenie nie jest jasne, ani jasne…”

Odpowiem spokojnie: „Zabrała

Boży dar."

Wiersz „Trzy razy przyszedłem na tortury…” (1911) w szkicu autografu nosił tytuł „Podwójny”. Ta, która przyszła na tortury, nie nazywa się Muzą, ale to z nią motyw sobowtóra kojarzy się we wczesnych wierszach Achmatowa. Dla lirycznej bohaterki ziemska radość jest niemożliwa, ale jeszcze straszniejsze jest to, że jej miłość przynosi śmierć ukochanemu. Wina moralna rodzi się w duszy poetki bez obiektywnej przyczyny, w wierszu pojawia się jedynie cień przeczucia, że ​​za grzeszne rzemiosło nastąpi kara.

Och, nie śmiałeś się na próżno,

Moje niewybaczalne kłamstwo! .

Z wczesnej twórczości A. Achmatowej szczególnie wyróżniła wiersz „Przyszedłem, żeby cię zastąpić, siostro…” (1912), stwierdzając, że ona sama nie do końca go zrozumiała, choć „okazał się proroczy”. Utwór składa się z dwóch monologów, oznaczonych cudzysłowem i małego „posłowia”. Muza przychodzi do bohaterki, by odebrać jej ziemskie szczęście, dostępne każdemu z wyjątkiem artysty. Poezja kojarzy się z uczuciem „wysokiego ognia”: aby narodził się wiersz, poeta musi wypaść z miłości, cierpieć i spłonąć. A. Achmatowa napisała o związku między tym, co osobiste, a tym, co uniwersalne w twórczości: „Nadziei jest o jedną mniej, / Będzie jeszcze jedna piosenka”. Dla poezji miłość nie jest już „ogniskiem” strzeżonym przez jedną osobę, ale „białym sztandarem”, „latarnią morską”, która płonie dla wszystkich, wskazując ludziom drogę. Artysta postrzega narodziny pieśni jako rytuał pochówku siebie i swoich uczuć. Siostra-muza zajmuje miejsce cierpiącej kobiety, staje się jej sobowtórem, żyje jej życiem:

Załóż moje ubranie

Zapomnij o moich zmartwieniach

Pozwól wiatrowi bawić się twoimi lokami.

Bohaterka bez skargi oddaje swoje „ognisko” Muzie, bo rozumie: najgorsze jest dla niej „milczenie”. W ostatniej zwrotce obrazy subtelnie łączą się ze sobą; droga jest tylko jedna – los artysty, który wyrzeka się osobistego szczęścia, aby oświetlić drogę innym:

I wszystko wydawało jej się płomieniem

Zamknij... ręka trzyma tamburyn.

A ona jest jak biały sztandar

A ona jest jak światło latarni.

Zmienił się obraz Muzy w poezji A. Achmatowej. W wierszach drugiej połowy lat 10. charakterystycznym szczegółem jej portretu staje się „ledwie słyszalny” głos; śpiewająca „przeciągnięta” i „smutna”, dziurawa chusteczka; „wyczerpana”, pochylona „w ciemnym wieńcu” głowa. Na uwagę zasługuje recenzja wiersza N. Gumilowa „Przecież gdzieś jest proste życie i światło…”: „...Ale ostatnia zwrotka jest wspaniała; tylko [czy to nie jest] literówka? - „Głos Muzy jest ledwo słyszalny…”. Oczywiście należało powiedzieć „wyraźnie lub wyraźnie słyszalny”. Albo jeszcze lepiej: „słyszałem do tej pory”. Muza, która dyktowała Piekło Dantego, surowa, milcząca i silna, pojawi się w tekstach A. Achmatowej później, bo dopiero w połowie lat dwudziestych XX wieku. Obraz podwójnej utraty mocy, opuszczającej liryczną bohaterkę („Dlaczego udajesz…”, 1915; „Muza odeszła w drodze…”, 1915; „Odebrano wszystko: siłę i miłość…” , 1916), daje poecie możliwość przekazania niemal „namacalnego” ludzkiego cierpienia, a jednocześnie zapowiedź jeszcze straszniejszych zmian historycznych. „Bezmyślny” wiatr czasu zaczął już odcinać głosy życia.

A my żyjemy uroczyście i ciężko

I honorujemy rytuały naszych gorzkich spotkań,

Kiedy wiatr jest lekkomyślny

Rozpoczęte przemówienie zostaje przerwane...

(„Przecież gdzieś jest proste życie i światło...”, 1915)

Zdolność do odczuwania winy za niepopełnione zbrodnie, chęć odpokutowania za grzechy innych charakteryzują liryczną bohaterkę A. Achmatowej jako osobowość „całkowitą”, skłonną do odgrywania tragicznej roli. Po I wojnie światowej i rewolucji, śmierci N. Niedobrowa, A. Bloka, N. Gumilowa, sytuacja śmierci kochanka otrzyma motywację społeczną i będzie kojarzona w twórczości poety z: tematem los pokolenia; liryczna bohaterka nie raz doświadczy winy za zbrodnie swojej epoki („Wzywałam moich bliskich na śmierć…”, 1921; „Ballada noworoczna”, 1922).

W chwili „upadku światów” A. Achmatowa przypisuje artystce szczególną rolę. Musi odkryć „nadosobowe powiązania istnienia” (Wiacz. Iwanow), pokonać chaos formą - formą jego życia i twórczości. A. Achmatowa, wierząc, że poezja odegra rolę „wielkiego pocieszyciela w morzu smutku” w życiu ludzi XX wieku, wierzyła w konieczność osobistego wyczynu poety, w „idealność” jego los. Jej ciągłą troskę o biografię artystki nazywa się dziś konstruowaniem mitu – o niej samej, o Modiglianim, o Mandelstamie itp. Twórczość A. Achmatowej przywraca wiarę w moralne wsparcie świata, artysta podejmuje się rekonstrukcji historii. Pewne rzeczy i miejsca kojarzone z jasnymi wydarzeniami, nieśmiertelnymi imionami, łączą czas z wiecznością, w której przeszłość znajduje się w tej samej „przestrzeni” z teraźniejszością i przyszłością. W latach dwudziestych XX wieku ich funkcja w życiu i poezji Achmatowej stała się bardziej złożona: służyły nie tylko jako znaki związku czasów, ale także uzasadniały i napełniały znaczeniem świata. Rzeczy zaczynają mówić, gdy słowa docierają do granicy ciszy, gdy tragedia zostaje zniszczona przez horror. „Święte miasto Piotr” staje się „mimowolnym pomnikiem” wszystkich, którzy cierpieli w swojej ojczyźnie podczas uchwał, wojen i represji, a Carskie Sioło postrzegane jest jako „wieniec” zmarłych poetów.

Badacze uważają „Muzę” (1924) za orientacyjny, przełomowy wiersz, który odsłania istotę ewolucji tematu poety i poezji w porewolucyjnej twórczości A. Achmatowej. Związek między dziełem Achmatowej a „głosem” Dantego zauważono nie raz, jednak naszym zdaniem nie mniej istotna jest w tekście aluzja do „Proroka” Puszkina. A. Achmatowa stara się także podkreślać ciągłość i transczasowość kultury. Muza jest istotą boskiego pochodzenia, przybyła z wieczności, która nie zna takich ziemskich konwencji, jak przeszłość, teraźniejszość i przyszłość; jest jak sześcioskrzydły serafin. Trudno się zgodzić, że „w pierwszych wersach ośmiowierszowej „Muzy” z 1924 roku pojawienie się „słodkiego gościa z fajką w dłoni” jest wciąż idyllicznie zwodnicze”, a w ostatnim „otwiera się przepaść ” (V. Vilenkin), ponieważ głównym obrazem wiersza nie jest „gość”, ale liryczna bohaterka czekająca na Muzę, która w drugiej zwrotce gwałtownie „przemienia się”. Utwór ma charakter „fabuły”, w którym obecne są wszystkie najważniejsze elementy strukturalne zarówno sytuacji kanonicznie biblijnej, jak i sytuacji Puszkina: tęsknota duchowa – pojawienie się posłańca – odkrycie prawdy. Poeta przeżywa moment duchowego wglądu, szoku.

W pierwszej połowie wiersza A. Achmatowa zdawała się podsumowywać swoją wczesną twórczość, w której nazwała Muzę swoją siostrą, podwójną, rywalką i scharakteryzowała ją jako słodkiego, ciemnoskórego gościa. Tajemnicza istota przyszła torturować bohaterkę, pozbawiła ją szczęścia kochania i bycia kochaną, dając jej zdolność tworzenia. Muza odebrała wolność, ale brak wolności, który pozostawiła, wydawał się najsłodszy ze wszystkich. Można powiedzieć, że pomiędzy liryczną bohaterką a jej sobowtórem nawiązała się „osobista” relacja. Takiego gościa oczekuje poeta:

Kiedy czekam, aż przyjdzie w nocy,

Życie zdaje się wisieć na włosku.

Co za zaszczyty, co za młodość, co za wolność

Przed drogim gościem z fajką w dłoni.

I pojawia się Muza, nie równa, nie słodka, nie gadatliwa. Nie objawia poecie nawet prawdy słowem, jak to czyni serafinom w „Proroku” A. Puszkina („powstań”, „zobacz”, „słuchaj”, „wypełnij się”, „płoną”), ale gestem („I wtedy weszła. Odrzucając koc, / Przyjrzała mi się uważnie”). Mz”za pojawia się pod zasłoną, jak Beatrice w Boskiej Komedii Dantego. Cisza oznacza, że ​​jest Muzą tragedii, że tam, skąd przyszła, wszyscy milczą od żalu, że między nią a liryczną bohaterką nie może już być walki. Muza jest teraz - czymś superosobistym, nie przyjmie od artysty słów „nie mogę”, ale zażąda jednego - „muszę”. ona: „Czy dyktowałeś Dantemu / Strony piekła?” Odpowiedzi: „Ja”).

Na początku lat dwudziestych stało się jasne, że bohaterka Achmatowej nie wyobrażała sobie siebie poza historycznym układem współrzędnych. Teksty poety niemal zawsze mają charakter sytuacyjny i autobiograficzny, jednak w historii współczesnej i życiu osobistym widać pewien „wyższy” plan, wskazujący bohaterce „wyjście” z chaosu tego, co się dzieje. Artystka przeciwstawia „pustkę” i nieświadomość „wiecznym” obrazom i podmiotom. Stopniowo motywy chrześcijańskie i „obce głosy” z bliższej i dalszej przeszłości zabrzmią w twórczości A. Achmatowej jeszcze głośniej, pojawią się „mocne portrety”. Dialog lirycznej bohaterki z Muzą ustępuje miejsca odwołaniu się do Dantego, Szekspira, Puszkina („Dante”, 1936; „W czterdziestym roku”, 1940; „Puszkin”, 1943). Od lat dwudziestych XX wieku A. Achmatowa uważnie i profesjonalnie studiuje ich życie i twórczość, tłumaczy i komentuje teksty.

Od połowy lat pięćdziesiątych rozpoczęła się „owocna jesień” tekstów Achmatowa. Poeta przygląda się uważnie logice losów swojej bohaterki, która przez pół wieku wydarzenia historyczne postrzegała jako fakty z własnej biografii. Działając jako kompetentny „uczony Achmatowa”, poeta tworzy artystyczną wersję zrozumienia swojej ścieżki życiowej i ewolucji twórczości. Wizerunek Muzy z jednej strony świadczy o związku życia i twórczości autora z tragicznymi wydarzeniami XX wieku, jest w pewnym stopniu dokumentalny i polityczny („Komu i kiedy powiedziałem.. .”, 1958; „Moja Muza okazała się mąką…”, 1960; „Jakby córka ślepego Edypa…”, 1960). Jednak nieziemski charakter wiecznego towarzysza poetów podkreślają te dzieła, w których A. Achmatowa koncentruje się na badaniu psychologii twórczości i percepcji czytelnika, na zrozumieniu skutków pamięci osobistej i zbiorowej (kulturowej). Bohaterka liryczna zyskuje sobowtóra, zamieszkującego bez końca w umyśle czytelnika; teraz ona sama jest „milczeniem”, a może Pieśnią. Muza innego poety („Prawie w albumie”, 1961; „Wszystko w Moskwie przesiąknięte jest poezją…”, 1963; „Wiersze o północy”, 1963-1965). Zatem obraz Muzy w późnych tekstach A. Achmatowej pozwala zauważyć stopniowe przechodzenie zainteresowań autora z tematu historii na myślenie o czasie jako kategorii filozoficznej, o ludzkiej pamięci jako jedynej możliwości jego przezwyciężenia.

Wizerunek Muzy w tekstach A. Bloka

Teksty bloku Muse Achmatowej

Niewielu rosyjskich poetów pielęgnowało swoje życie i ideały artystyczne tak starannie, jak Aleksander Blok. Nawet inny wielki poeta, Aleksander Puszkin, być może nie może się z nim równać pod tym względem. Blok bardzo wcześnie ukształtował swój ideał, wypełnił go głęboką treścią i był mu wierny przez bardzo długi czas. I choć estetyczny wygląd tego ideału zmieniał się na przestrzeni lat, jego istota pozostała niezmieniona.

Bohater liryczny staje się także stałym wielbicielem i wielbicielem „Pani Wszechświata”. Ucieka z realnego świata okrucieństwa, niesprawiedliwości, przemocy do nieziemskiego „ogrodu słowika”, do świata Pięknej Pani, który jest mistyczny, nierealny, pełen tajemnic i zagadek.

Cykl wierszy otwiera „Wprowadzenie”, w którym przedstawiony jest podróżnik, nieprzerwanie maszerujący tam, gdzie znajduje się bohaterka. Co ciekawe, tutaj poeta umieścił ją także w rosyjskiej drewnianej wieży, ozdobionej rzeźbami, kalenicą i wysoką kopułą. Wydaje mi się, że Blok opiera się tutaj na źródle folklorystycznym, na piosence: „Moja radość mieszka w wysokiej wieży…” Dopiero poeta z tej pieśni „Radość” robi bajkową Księżniczkę, zaczyna pisać to słowo wielką literą, a on sam przenika przez bramy niedostępnej wieży przez płomienie żarzącego się ognia.

Ta pani jest bardzo niewyraźna, eteryczna, trudno dostrzec jej twarz, sylwetkę, strój, chód. Ale ona jest piękna. Nie bez powodu słowo Pani poprzedza odpowiedni epitet. Światło od niej wydobywające się jest piękne, szelest jej kroków tajemniczy, odgłosy jej pojawienia się cudowne, sygnały jej zbliżania się obiecujące, towarzyszące jej głosy muzykalne. W ogóle wszystko co z tym związane jest przepełnione duchem muzyki.

Ten obraz nie jest przypadkowy. Przecież Blok tworzył w tym czasie jako symbolista. Nie posługuje się realistycznymi obrazami, lecz symbolami. W każdym symbolu jest coś z obrazu przedmiotowego, ale coś ze znaku identyfikującego, znaku, wskazania znaczenia zjawiska. Jeśli to zrozumiesz, możesz zobaczyć w obrazie Pięknej Pani obraz Wiecznej Kobiecości. Ten symbol jest pozbawiony ciała, ale nie ma w nim nic z naturalizmu, wulgarności, ziemistości, jest w nim wiele tajemniczości i wzniosłości. Dlatego jest tu tyle alegorii, konwencji i przeoczeń. Zastanówmy się, jak zmienia się stosunek do tego obrazu, wizerunku Pięknej Damy, lirycznej bohaterki wierszy Bloka. Będąc w „raju”, nie zdaje sobie sprawy z całego uroku Pani, jego uczucia do niej są wciąż niejasne, płomień przyszłych namiętności dopiero pojawia się w duszy młodego romantyka. Chce rozjaśnić obraz fantastycznej Dziewicy, „rzuca na nią czary”:

Dni pełne szczęścia

Cenię sobie lata - nie dzwoń...

Czy wkrótce zgasną światła?

Zaczarowana mroczna miłość?

Ale wkrótce „objawienie” przychodzi samo. Bohater liryczny już podziwia urodę Pięknej Damy i ubóstwia ją. Obraz ten jest jednak niejasny, gdyż jest owocem nieustannych fantazji bohatera. Tworzy „Dziewicę Tęczowej Bramy” tylko dla siebie, a często w zmitologizowanym obrazie widoczne są cechy ziemskie:

Twoja twarz jest mi tak znajoma

To tak jakbyś mieszkał ze mną...

...Widzę twój chudy profil.

Młody człowiek jest do niej skierowany całym swoim jestestwem, szczęśliwy jedynie z samej świadomości jej istnienia, to wszystko daje mu nadzmysłowe postrzeganie świata. Relacja Pięknej Pani i bohatera „Ja” – istoty ziemskiej, której dusza aspiruje na wyżyny nieba, do Tego, który „płynie w szeregu innych luminarzy”, jest złożona. Księżniczka jest dla młodego mężczyzny nie tylko przedmiotem czci, szacunku, ona urzekła go swoją niezwykłą urodą, nieziemskim urokiem, a on jest w niej szaleńczo zakochany, tak bardzo, że staje się niewolnikiem własnych uczuć:

Jestem pokonany przez twoje namiętności,

Słaby pod jarzmem.

Czasami - sługa; czasami - uroczy;

I na zawsze - niewolnik.

Wzniosła miłość lirycznego bohatera to miłość-podziw, przez który prześwieca jedynie nieśmiała nadzieja na przyszłe szczęście:

Wierzę w Słońce Przymierza,

W oddali widzę świt.

Czekam na uniwersalne światło

Z wiosennej krainy.

Bohater liryczny jest błogi i cierpi w ekstazie miłości. Uczucia są tak silne, że go przytłaczają i przytłaczają, jest gotowy pokornie przyjąć nawet śmierć:

Za krótki sen, który teraz mam,

I nie ma jutra,

Gotowy poddać się śmierci

Młody poeta.

Życie bohatera – poety swojej Muzy – jest odwiecznym impulsem i pragnieniem Duszy Świata. I w tym impulsie następuje jego duchowy wzrost i oczyszczenie.

Ale jednocześnie idea Spotkania z Ideałem nie jest już tak promienna. Wydawać by się mogło, że powinno ono przemienić świat i samego bohatera, zniszczyć moc czasu i stworzyć królestwo Boże na Ziemi. Jednak z biegiem czasu liryczny bohater zaczyna się obawiać, że ich ponowne spotkanie, czyli pojawienie się Pięknej Pani w prawdziwym życiu, rzeczywistości, może przerodzić się w dla niego duchową katastrofę. Boi się, że w momencie wcielenia Dziewica może przemienić się w ziemskie, grzeszne stworzenie, a Jej „zejście” na świat będzie upadkiem:

Mam do ciebie przeczucie. Lata mijają -

Wszystko w jednej formie, jak przewiduję...

Jak jasny jest horyzont i blask jest blisko.

Ale boję się: zmienisz swój wygląd.

A upragniona przemiana, i świata, i „ja” lirycznego bohatera nie następuje. Po wcieleniu Piękna Pani okazuje się „inna” - pozbawiona twarzy, a nie niebiańska. Zstępując z nieba, ze świata snów i fantazji, bohater liryczny nie przekreśla przeszłości, w jego duszy wciąż śpiewają melodie „przeszłości”:

Kiedy rozpacz i złość ucichną,

Zapada sen. I oboje śpimy spokojnie

Na różnych biegunach ziemi...

I widzę twój obraz w snach, twój piękny,

Jaki był zły i namiętny przed nocą,

Jaki był dla mnie. Patrzeć:

Nadal jesteś taki sam, jak kiedyś rozkwitłeś.

Konsekwencją pobytu lirycznego bohatera w świecie Pięknej Pani jest zarówno tragiczne zwątpienie w realność ideału, jak i wierność jasnym młodzieńczym nadziejom na przyszłą pełnię miłości i szczęścia, na przyszłą odnowę świata. Obecność bohatera w świecie Pięknej Pani, jego zanurzenie się w jej miłości zmusiło młodego rycerza do porzucenia egoistycznych dążeń, przezwyciężenia izolacji i oddzielenia od świata oraz zaszczepiło w nim chęć czynienia dobra i niesienia dobra ludziom .

Temat sztuki w poezji epoki symboliki był jednym z wiodących. Wczesny Blok nie jest obcy temu tematowi:

Muza w stroju wiosny zapukała do drzwi poety,

Okryci ciemnością nocy, szepczący niejasne przemówienia...

W tym wierszu z 1898 roku znajduje się bardzo ciekawy obraz, który niczym lustro odzwierciedla filozoficzną koncepcję symboliki:

Niech ciało zostanie zniszczone - dusza poleci nad pustynią.

Dusza i duch są tutaj absolutne i wieczne, tak jak wieczna jest sztuka. Wiersz ten jest bardzo charakterystyczny dla młodego Bloka: poeta jest przekonany, że sztuka jest absolutna i tylko ona jest w stanie ulepszyć świat. Z biegiem lat punkt widzenia Aleksandra Bloka na sztukę ulegnie poważnej zmianie, a ważną rolę odegra tu rewolucja rosyjska 1905 r., „straszny świat”, który wdarł się do jasnego i harmonijnego świata poety. W 1913 roku Blok stworzył wiersz „Artysta”, który odzwierciedlał jego nową koncepcję sztuki. „Lekki, niespotykany dotąd dźwięk” to początek twórczej inspiracji, głos przestrzeni, czasu i Muzy. Ale artysta słowa nie doświadcza już radości, bo zmuszony jest „zrozumieć, utrwalić i zabić” obraz, który powstał w jego fantazji. Poeta staje się kolekcjonerem obrazów, zamieniającym słowa w eksponaty poetyckiego panoptykonu. Ta gorzka praca jest beznadziejna:

Skrzydła są podcięte, piosenki zapamiętane.

Czy lubisz stać pod oknem?

Lubisz te piosenki. Jestem zmęczony

Czekam na coś nowego - i znowu za tym tęsknię.

Historia ziemskiej, bardzo realnej miłości rozwija się u Bloka w romantyczno-symboliczny mit mistyczno-filozoficzny. Ma własną fabułę i własną fabułę. Podstawą fabuły jest to, że „ziemskie” (bohater liryczny) i niebiańskie (Piękna Pani) przeciwstawiają się sobie, a jednocześnie dążą do jedności, „spotkania”, które będzie oznaczać przemianę świata, pełna harmonia. Fabuła liryczna komplikuje i dramatyzuje fabułę. Z wiersza na wiersz następuje zmiana nastroju bohatera: jasne nadzieje ustępują wątpliwościom, oczekiwanie na miłość - strach przed jej upadkiem, wiara w niezmienność pojawienia się Dziewicy - strach przed jej utratą („Ale ja” obawiam się, że zmienisz swój wygląd”). Mijają lata, a Pani Bloku, zmieniając swój wygląd, wystawiona na dziwne działanie straszliwej rzeczywistości, przejdzie cykle „Miasto”, „Maska śnieżna”, „Faina”, „Carmen”, „Yamba”. Ale za każdym razem będzie Piękna na swój sposób, ponieważ zawsze będzie nosić w sobie wielkie światło ideału Bloka.

Wniosek

Srebrny wiek rozpoczął się od rosyjskiej symboliki na przełomie wieków i został natychmiast odebrany jako dekadencja, czyli upadek. Od pierwszych kroków rozpoczęła się walka z dekadencją, przezwyciężanie dekadencji, zaprzeczanie dekadencji. Podobnie postrzegano symbolikę na Zachodzie. Spadek – w związku z czym? W nawiązaniu do tradycji klasycznej i społecznych zadań sztuki. Dyskusje były bardzo gorące i naturalne z punktu widzenia rozwoju idei artystycznych. Później jednak termin ten nabrał negatywnego znaczenia ideologicznego jako synonim sztuki reakcyjnej (burżuazyjnej). ;niszczenie itp.). Argumentacja artystyczna straciła sens, jest jednak absolutnie konieczna do zrozumienia samego procesu.

Kultura synkretyczna początku XX wieku, oparta na symbolice literackiej, naznaczona była nowymi trendami w rozwoju sztuki, objawiającymi się pojawieniem się syntetycznych form twórczości artystycznej. Pomimo wszystkich kontrowersyjnych teoretycznych podstaw symboliki, stworzona przez niego nowa kultura wciąż miała aspiracje reformistyczne. Chęć znalezienia nowych praw dla formy wyrażającej nową estetykę zjednoczyła symbolistów w poszukiwaniu możliwości syntezy poezji i innych sztuk. W określaniu właściwości i wzorców interakcji pomiędzy różnymi rodzajami sztuk dominującą rolę przypisywano muzyce. Nawiązując do doświadczeń symboliki francuskiej, poeci „próbują” poezję liryczną, sprowadzając ją do muzyki w strukturze rytmiczno-intonacyjnej – w tym, co stanowi muzyczny element mowy. „Muzyczność” staje się najważniejszą kategorią estetyczną w poetyce symboliki, a muzyka staje się podstawą rytmiczno-intonacyjną i figuratywno-tematyczną dzieł poetyckich. Często nazywane są po prostu utworami muzycznymi – preludiami, menuetami, pieśniami, sonatami, symfoniami

Wykaz używanej literatury

1.Achmatowa A.A. Op. w dwóch tomach / cd. art., komp., uwaga. MM. Kralina. T. 2. - M.: Cytadela, 1997.

2.Achmatowa A. Dzieła zebrane: w 6 tomach / Opracowano, opracowano, tekst, komentarz. oraz artykuł N.V. Królowa. - M.: Ellis Luck, 1998-2002

.Beketova M. Alexander Blok, wyd. 2. L., „Akademia”, 1930, 236 s.

.Blok Aleksander. Dzieła zebrane w ośmiu tomach. T. 3. M.-L., Goslitizdat, 1960-1963, 589 s.

.Vilenkin V.Ya. W stu pierwszym lustrze (Anna Achmatowa). - M.: Sow. pisarz, 1990. wyd. 2., uzupełnione.

.Gumilew N.S. Kolekcja op.: W 3 tomach / Wstęp. art., komp., uwaga. NA. Bogomołow. T. 3. - M.: Chudoż. lit., 1991.

.Majakowski V. Dzieła kompletne, t. 1. M., GIHL, 1955, 670 s.

.Piast V. Wspomnienia Bloku. P., „Ateneusz”, 1923, 297 s.

.Razmakhnina V.K. Srebrny wiek. Eseje do nauki. Krasnojarsk, 1993. - 190 s.

.Toporow V. O echach poezji zachodnioeuropejskiej w Achmatowej // Poetyka słowiańska. Eseje na cześć Kirila Taranowskiego. - Mouton (Haga-Paryż), 1973. - s. 467-475.

Korepetycje

Potrzebujesz pomocy w studiowaniu jakiegoś tematu?

Nasi specjaliści doradzą lub zapewnią korepetycje z interesujących Cię tematów.
Prześlij swoją aplikację wskazując temat już teraz, aby dowiedzieć się o możliwości uzyskania konsultacji.

Temat: „Muza w twórczości N. A. Niekrasowa”

Cele:

1. pokazać oryginalność i uwarunkowania społeczne muzy Niekrasowa, porównując ją z wizerunkiem muzy w twórczości innych poetów;
2. kształcić umiejętności analizy dzieł poetyckich;
3. porównuj, udowadniaj, w pełni i kompetentnie wyrażaj swoje myśli;
4. pielęgnować poczucie obywatelstwa i patriotyzmu.

Podczas zajęć:

I. Wystąpienie wprowadzające nauczyciela na temat współzależności epoki i twórczości poety. Nauczyciel zaprasza dziesiątych klas do przypomnienia charakterystycznych cech czasu, w którym N.A. Niekrasow wszedł do literatury:

Epoka, w której rozpoczęła się działalność literacka Niekrasowa, niemal całkowicie zdeterminowała charakter jego twórczości. Swobodna ekspresja osobista – sens i cel sztuki – zeszła na dalszy plan, a na pierwszy plan wysunęły się problemy społeczne. Wśród problemów, w jakie Rosja była wówczas „bogata”, najpilniejszym, od dawna oczekiwanym problemem, była potrzeba wyzwolenia narodu z pańszczyzny. Aspekty moralne, społeczne i ekonomiczne przeplatają się tutaj; Z każdym rokiem węzeł zacieśniał się coraz mocniej, ciężar nierozwiązanych problemów stawał się coraz większy – i spowalniał rozwój udręczonego kraju. Rząd nie odważył się przeprowadzić reform demokratycznych, a „nowi ludzie” widzieli sens swojego życia w przeprowadzeniu tych reform.

Sztuka w tej sytuacji nie staje się celem, ale środkiem. Jest zmobilizowana do służenia społeczeństwu. Twórczość poety wymaga korzyści społecznej, przystępności i prostoty.

Humanitarny cel, jakim jest walka na rzecz najuboższych, pozwala „nowym ludziom”, demokratom, poczuć swoje historyczne przeznaczenie. Ich młodość przyszła w czasie, gdy życie było ograniczone rejestrami i dogmatami. Dlatego śmierć Mikołaja I sama w sobie stała się dla nich wyzwoleniem i dała pewność, że zmiana jest tuż za rogiem. Byli nieskończenie szczęśliwi, że mogli zrobić coś dla swojego narodu: potrzebę pracy dla dobra narodu czuli jako szczęście. Ich zwany , a po mękach i refleksji nad bezsensowną egzystencją lat 40. poczuli swojepopyt.

Najważniejsza i jedyna rzecz staje się dla nich praca , która pochłania człowieka całkowicie, nie pozostawiając czasu na prywatne, zwyczajne ludzkie życie.

Niekrasow wybrał ten ideał. Był człowiekiem pełnym obsesji i pasji. Całe swoje życie poświęcił służbie idei humanistycznej, przyjął rolę obrońcy ludu – i stała się to jego „rolą na całe życie”.

Niekrasow, podobnie jak Puszkin swoich czasów, był innowatorem w dziedzinie treści i formy poetyckiej. Rozszerzał granice poezji, wierząc, że jej przedmiotem może być dowolny przedmiot, dowolny uczucie lub doznanie

Opowiadając historię, nauczyciel zwraca uwagę uczniów na pokazany na tablicy zarys jego wykładu. Uczniowie zapisują to w swoich zeszytach. Według tego schematu łatwo będzie im przywołać w pamięci wszystko, co powiedział nauczyciel:

(Swoboda ekspresji osobistej – cel i znaczenie sztuki – schodzi na dalszy plan.

Pierwszym z nich są problemy społeczne).

Dlatego: sztuka nie jest celem, ale

Materiał referencyjny:

Muza Kaliope. Zwracanie się do niej w starożytności było rytuałem. W okresie klasycyzmu, który we wszystkim naśladował starożytne wzorce, dzieje się to samo. Dla romantyków Muza jest eteryczna, jest istotą z innego świata, „czystym geniuszem”, „piękną dziewczyną”. W połowie XIX wieku odwoływanie się do Muzy straciło na popularności. Dopiero w drugiej połowie XIX wieku Muza zajęła szczególne miejsce. Jest to szczególnie wyraźnie widoczne w pracach N. A. Niekrasowa.

III. Co jest innowacyjne?Niekrasow na obrazie Muzy?

Odpowiadamy na to pytanie stopniowo, sporządzając tabelę porównawczą ze studentami:

IV. Wiersze, które można analizować na zajęciach, biorąc pod uwagę wizerunek Muzy Niekrasowa:

- „Och, Muzo, jestem u drzwi trumny…”;

- "Wczoraj...";

- „Muza”;

- „Wkrótce umrę…”

- „Wróg się raduje, wczorajszy przyjaciel milczy w zdumieniu…”;

- „Święto życia – lata młodości…”.

V. Nauczyciel podsumowuje lekcję.

VI. Praca domowa.

Analiza jednego z wybranych przez nauczyciela wierszy oraz wiersza „Wczoraj…” - na pamięć.

ERA

charakter twórczości NA Niekrasowa

sztuka jest środkiem

znaczy co?

Reformy demokratyczne

Rozwój ludzi

Walka na rzecz niepełnosprawnych

Niekrasow i Demokraci poczuli swoje historyczne przeznaczenie

motyw służenia, zatem:

I połowa XIX wieku.

Główny bohater to „cierpiący egoista”, „dodatkowa osoba”.

II połowa XIX wieku.

Główny bohater to człowiek czynu. Jego życie nie zależy od okoliczności historycznych, ale od niego samego, dlatego głównym motywem ich twórczości jest motyw odpowiedzialności.

innowacyjność formy i treści

1. Przedmiotem sztuki może być każdy przedmiot, każde uczucie.

2. Możesz postawić znak równości między zamożnymi i upokorzonymi.

3. Sztukę można podporządkować konieczności społecznej. (Wiersz N. A. Niekrasowa poświęcony Murawjowowi - kata.)

Niekrasow, przedstawiciel liryzmu obywatelskiego, miał trudną relację ze swoją muzą. W wielu wierszach ukazuje mu się jako przeżywająca swój odrębny los, wyczerpana, pocięta biczem, towarzyszka wszystkich biedaków i chłopów, śpiewająca o niesprawiedliwości i strasznym losie.

Muza Niekrasowa „nauczyła mnie odczuwać swoje cierpienie i pobłogosławiła mnie, abym ogłosił je światu…”

Niekrasow spędził dzieciństwo podróżując ze swoim ojcem-tyranem, który pracował jako policjant, ściągając długi od chłopów. Od dzieciństwa Mikołaj widział straszne obrazy głodu, biedy i śmierci. Dlatego jego poezja tak daleka jest od „czystej sztuki”, bo lirę poświęcił „swojemu ludowi”. Za to był bezlitośnie krytykowany przez współczesnych, którzy będąc ludźmi zamożnymi i uprzywilejowanymi, nie rozumieli i nie chcieli widzieć cierpień robotników i chłopów.

W wielu wierszach mówi o swojej muzie – nie śpiewającej i pięknej, ale „smutnej towarzyszce smutnych biedaków”. Wiersz napisany w 1852 roku wyraźnie śledzi okresy życia poety. Trudne dzieciństwo, trudna młodość, nędzna egzystencja (ojciec pozbawił syna zasiłku, bo odnalazł swoje pole w twórczości literackiej).

Gatunek, kierunek, rozmiar

Gatunek utworu: teksty o charakterze obywatelsko-filozoficznym. Autor opowiada o swoim celu – pomocy zwykłym ludziom, opowiedzeniu ich historii.

Kierunek: realizm. Poeta opowiada o tym, co naprawdę dzieje się wokół niego: o głodzie, biedzie, niesprawiedliwości i braku praw człowieka, na którego pracy opiera się kraj.

Metrum wiersza: jambiczny.

Obrazy i symbole

Muzą Niekrasowa nie jest efemeryczna młoda dama, ale młoda wieśniaczka. Taką definicję znajdziemy w wierszu „Wczoraj około szóstej…”. Wiersz ten pochodzi z 1848 roku i uważany jest za pierwszą wzmiankę Niekrasowa o jego muzie. „Tam pobili batem kobietę, młodą wieśniaczkę” – czytamy w tym wierszu. Bicz jest w Rosji symbolem autokracji, okazuje się, że ona, muza Niekrasowa, jest dręczona przez reżim rządzący w Rosji.

Ta Muza płacząca, smucąca się i cierpiąca,
Ciągle spragniony, pokornie proszący –

To właśnie ten obraz muzy z wiersza o tym samym tytule przewija się niczym motyw przewodni przez całą twórczość Niekrasowa. W jej twarzy widzimy rysy całej Matki Rosji, która cierpi z powodu biedy i upokorzenia, z powodu strasznych warunków pracy i samego życia. To jest osobliwość muzy chłopskiego poety.

Muza Niekrasowa przestaje być ucieleśnieniem wysokiej kreatywności, jest postacią całkowicie widoczną, jest całym bólem narodu rosyjskiego, jest muzą zemsty i smutku, to ona nauczyła Niekrasowa odczuwać cierpienie narodu rosyjskiego chłopów już we wczesnym dzieciństwie.

Tematy i problemy

Problematyka i tematyka utworu są typowe dla twórczości Niekrasowa: są to pytania społeczne i polityczne, które liberalna inteligencja skierowała do władzy: dlaczego chłopom jest tak trudno żyć? Jak długo powinien znosić ucisk i niesprawiedliwość?

• Tematem przewodnim jest cel poety. „Muza” poświęcona jest globalnemu tematowi pisarstwa rosyjskiego – poecie i poezji. Niekrasow dzieli się ze swoimi czytelnikami trudnościami w porozumieniu się z muzą, bardzo szczególną, która dręczy poetę, zamiast śpiewać „pieśni o słodkim głosie”.
• Problem niewolnictwa i tyranii. Jeśli utożsamiamy brzydką muzę z narodem rosyjskim, zobaczymy, że ona, podobnie jak naród, „milczy pod plagą” (wiersz z „Wczoraj o szóstej”). Ślepe posłuszeństwo jest tajemnicą narodu rosyjskiego. Dlaczego wezwania do zemsty („zemsta! i gwałtownym językiem//Wezwijcie grzmot Pana na głowy wrogów!”) wciąż zastępowane są pochyloną głową, akceptacją bezprawia i zniewolenia?

główny pomysł

Jak powiedzieliśmy wcześniej, Niekrasow daleki jest od „czystej sztuki” i nie uważa się za prawdziwego poetę, w wielu wierszach poświęconych muzie zdaje się „usprawiedliwiać” swoją twórczość, mówiąc o sprawcy swoich cierpień.

Muza Niekrasowa jest „niemiła i niekochana”, ma dość wszystkiego, co Mikołaj widział w dzieciństwie i młodości – biednych wiosek i slumsów w Petersburgu. Obrazy te pozbawiły poetę beztroskiej młodości, pogrążając go w całej rosyjskiej ciemności. Muza nauczyła go nienawidzić i mścić się za cały naród rosyjski. To przesłanie stanowi sens dzieła.

Jednym z kluczowych punktów wiersza jest wers: „Przebaczajcie swoim wrogom!” Muza to szepcze, ale w rzeczywistości szepczą wszyscy ludzie. Dlaczego?! Dlaczego chłopi są podporządkowani bandzie właścicieli ziemskich i urzędników? Ta tajemnica będzie dręczyć Niekrasowa aż do śmierci. A po długo oczekiwanym zniesieniu pańszczyzny poeta napisze: „Ludzie są wyzwoleni, ale czy ludzie są szczęśliwi?” Naród rosyjski jest bardzo złożony i różnorodny, czasami sami nie rozumieją, co będzie dla nich najlepsze. Taka jest muza Niekrasowa. Główną ideą poety jest ukazanie nie tylko bólu, ale także jasnego charakteru moralnego ludzi, którzy cierpią, ale mimo to przebaczają swoim sprawcom za niedawno wylane łzy. Na tym polega piękno i wielkość Rusi.

Środki wyrazu

Tekst jest niezwykle bogaty w epitety o negatywnych konotacjach - niemiły, niekochany, smutny, płaczący, zasmucony, obolały, ciągle spragniony, pokornie błagający, nieszczęsny, zgięty...

Aby podkreślić smutek obecnej sytuacji, autor wykorzystuje powtórzenie „smutnego towarzysza smutnych biednych”.

Częste inwersje „nagle płakała” tworzą dynamikę, wrażenie nieustannie cierpiącej muzy. W tym samym celu autor wykorzystuje pominięcie tematu „bawiąc się kołyską”, „nauczył mnie odczuwać swoje cierpienie”.

W wierszu występuje wiele gradacji: „rachunki drobnej i brudnej próżności<. .. >przekleństwa, skargi, bezsilne groźby.” Tworzą napiętą atmosferę wiersza.

Ścieżki Niekrasowa uzupełniają i zabarwiają jego myśli emocjami i choć on sam skromnie odmówił tytułu poety, widzimy, że jego twórczość cechuje urok eleganckiej literatury.

Temat poety i poezji jest w literaturze odwieczny. W pracach poświęconych roli i znaczeniu poety oraz poezji autor wyraża swoje poglądy, przekonania i cele twórcze.

W połowie XIX wieku w poezji rosyjskiej oryginalny wizerunek poety stworzył N. Niekrasow. Już w swoich wczesnych tekstach mówi o sobie jako o poecie nowego typu. Według niego nigdy nie był „ulubieńcem wolności” i „przyjacielem lenistwa”. W swoich wierszach uosabiał wrzący „ból serca”. Niekrasow był surowy wobec siebie i swojej Muzy. O swoich wierszach mówi:

Ale nie schlebia mi to w pamięci ludzi
Któryś z nich przeżył...
Nie ma w Tobie wolnej poezji,
Mój surowy, niezdarny wiersz!

Poeta twierdzi, że w jego wierszach jest „żywa krew”, „uczucia mściwe” i miłość.

Ta miłość, która wysławia dobro,
Co charakteryzuje złoczyńcę i głupca
I daje koronę cierniową
Bezbronny piosenkarz.

Niekrasow pisze o komponowaniu poezji jako ciężkiej pracy. Nie ma wzniosłych, poetyckich intonacji, jak na przykład Puszkin. Za życia Niekrasow musiał ciężko i boleśnie pracować, aby zarobić pieniądze, a własne wiersze pomogły mu przynajmniej na jakiś czas uciec od przymusowego poboru do wojska. Pozostawiony bez pomocy rodziny Niekrasow od młodości był „robotnikiem literackim”. Aby przetrwać w Petersburgu, musiał pisać recenzje, kuplety, felietony i wiele innych. Taka praca wyczerpuje poetę, odbiera mu siły i zdrowie. Wiersze Niekrasowa to „wiersze surowe”, zawierają w sobie siłę miłości i nienawiści do bogatych, którzy uciskają naród.

Po śmierci Gogola Niekrasow napisał wiersz „Błogosławiony łagodny poeta…”. Bohater-poeta jest w nim „oskarżycielem tłumu”, który podąża „ciernioną ścieżką”, jest niezrozumiany i przeklęty.

Na nowym etapie historii, w drugiej połowie XIX wieku, Niekrasow napisał wiersz „Prorok”. Jego poeta-prorok poświęca się dla dobra ludzi, ich szczęśliwego i sprawiedliwego życia w przyszłości. Wiersz napisany jest w formie dialogu proroka z człowiekiem z tłumu. Prorok Niekrasow jest gotowy do poświęceń:

Tylko w świecie można żyć dla siebie,
Ale śmierć jest możliwa dla innych.

Prorok ma pewność, że można służyć dobru, jeśli poświęci się jak Chrystus. Poeta został wysłany, aby przypominać ludziom o Bogu. Niekrasow samego Boga nazywa „Bogiem gniewu i smutku”.

W wierszu „Poeta i obywatel” pojawia się czysto niekrasowski obraz „miłości-nienawiści”, jakiego nie mieli ani Puszkin, ani Lermontow:

Przysięgam, że szczerze tego nienawidziłam!
Przysięgam, naprawdę kochałem!

W przeciwieństwie do swoich wielkich poprzedników Niekrasow nie ma powodu do niechęci i sprzeciwu wobec całego świata. Jego poeta nie jest tytanem ani istotą nieziemską wybraną przez Boga. Poetka Niekrasowa wypowiada „wrogie słowa zaprzeczenia” w imię miłości do ludzi. Niekrasow bronił prawa poezji obywatelskiej do demaskowania niepokojów w życiu publicznym:

Kto żyje bez smutku i złości,
Nie kocha swojej ojczyzny...

Innowacja Niekrasowa polega na tym, że na nowo przemyślał rolę poety i poezji. Jeśli wiersz Puszkina „Rozmowa księgarza z poetą” dotyczy wolności twórczej, to wiersz Niekrasowa dotyczy obowiązków poety wobec społeczeństwa i jego obywateli.

Wiersz „Poeta i obywatel” opowiada o upadku poezji, o czasach, gdy poeci są zagubieni i nie wiedzą, o czym pisać. Obywatel, który przychodzi do smutnego poety, żąda od niego poezji „w interesie i dla dobra”:

Być może nie jesteś poetą
Ale trzeba być obywatelem.

Możesz wybrać ścieżkę „nieszkodliwego” poety lub przynieść korzyść krajowi. Obywatel twierdzi, że wokół krążą „karczownicy i złodzieje pieniędzy”, „bierni mędrcy” i różni nieodpowiedzialni gadułowie. W tej chwili wersety oskarżycielskie mogą przynieść wiele korzyści i stać się prawdziwym „czynem”. Poeta szuka wymówek i cytuje wersety Puszkina: „Urodziliśmy się dla inspiracji, / Dla słodkich dźwięków i modlitw”. Ale obywatel odpowiada mu:

Nie, nie jesteś Puszkinem. Ale teraz
Słońca nie widać znikąd,
Szkoda spać ze swoim talentem...
Syn nie może patrzeć spokojnie
W smutku mojej drogiej matki...

W końcowej części wiersza Niekrasow opowiada o swoim talencie, o Muzie. Te słowa brzmią jak wyznanie. Dramat poety, który „stoi u drzwi trumny”, nie polega na zbliżającej się śmierci, ale na tym, że Muza go opuściła, stracił on natchnienie. Niekrasow wyobraża sobie swoje życie jako tragiczny „romans” z Muse. Muza opuściła poetę, ponieważ nie stał się bohaterem w walce z tyranią, jest „synem chorego stulecia” i jest jej niegodny. Poeta okazał się człowiekiem słabym i nie sprostał danemu mu talentowi.

Wizerunek cierpiącej Muzy ukazany jest w wierszu „Wczoraj około szóstej…”:

Wczoraj około szóstej rano,
Pojechałem do Sennayi;
Tam pobili kobietę batem,
Młoda wieśniaczka.
Ani dźwięku z jej piersi
Tylko bicz gwizdał podczas gry...
I powiedziałem Muzie: „Patrz!
Twoja kochana siostra!..”

Muza Niekrasowa nie jest starożytnym stworzeniem, ale prostą dziewczyną, która zostaje poddana haniebnej karze publicznej. Nosi go dumnie, wzywając do zemsty.

Samokrytyka Niekrasowa wobec siebie nie zawsze jest uzasadniona. Jego obywatelskie teksty rzeczywiście były bronią, nawoływały do ​​walki i wprowadzały zamęt w szeregach wrogów wolności.

Kontynuując tradycje A. S. Puszkina, N. A. Niekrasow poświęcił swoją pracę ludziom. Sam o sobie pisał: „Poświęciłem lirę mojemu ludowi”. Ale w przeciwieństwie do Puszkina i innych poetów tego okresu Niekrasow ma swoją własną, wyjątkową Muzę. Nie przypomina wyrafinowanych dam z towarzystwa, które inspirowały ówczesnych poetów. Pojawia się przed nami w postaci prostej wieśniaczki, kobiety.

W 1848 roku, na samym początku swojej twórczości, Niekrasow napisał wspaniały wiersz „Wczoraj o szóstej…”, który zadedykował chłopce, która została publicznie poddana okrutnej i haniebnej karze. To Muza biednych, upokorzonych, ale dumnych i pięknych.

Niekrasow oczywiście nie mógł opublikować tego wiersza o młodej wieśniaczce, która została ukarana na Placu Senackim w Petersburgu, ale która ze stoickim spokojem stawiała czoła bezlitosnemu represjom i przez poetę została nazwana Muzą. Napisany ołówkiem na kartce papieru, leżał na stole 25 lat, zanim Niekrasow wpisał go do albumu przyjaciela. A ukazała się 10 lat później, już po śmierci poety. Ale to obraz tej dziewczyny towarzyszył Niekrasowowi przez całą jego twórczość i stał się jego prawdziwą muzą.
Cała konstrukcja wiersza pozbawiona jest patosu. Pierwsza linijka „wczoraj o szóstej” podkreśla nowoczesność akcji. Wydarzenie właśnie miało miejsce i poeta jest pod jego wrażeniem. Drugi wers „poszedłem do Sennayi” wskazuje miejsce akcji, a czasownik „poszedł” podkreśla, że ​​bohater liryczny nie udał się tam celowo, ale znalazł się tam przez przypadek.
Sama egzekucja nie mogła jednak odbyć się na Placu Senackim w 1848 roku, gdyż tego typu rzeczy odbywały się najczęściej na Placu Świętej Trójcy lub Końskim, gdzie budowano dla nich specjalne rusztowanie. Ale egzekucje, w tym kobiet, faktycznie przeprowadzano w Petersburgu, choć nie przy użyciu bata. I z biczem. Dlaczego Niekrasow wybrał ten konkretny instrument tortur?

Akcja wiersza rozgrywa się nie tyle w konkretnej codzienności, ile w płaszczyźnie symbolicznej. Plac Sennaya nie został wybrany przypadkowo – było to najbardziej demokratyczne miejsce w stolicy. A bicz stał się symbolem haniebnej i poniżającej kary. Muza Chłopska staje się symbolem upokorzonej i zniewolonej Rosji.

Poeta również nieprzypadkowo wybrał na swoją Muzę wizerunek wieśniaczki. Niekrasow jest poetą narodowym, całą duszą kochał Rosję, a Rosja zawsze kojarzyła się z kobietą, z matką. Ponadto pozycja kobiet w Rosji, zwłaszcza chłopek, zawsze była pozbawiona praw. Niekrasow wysoko cenił cierpliwość i dumę kobiety. Upokorzona i wykorzystana chłopska Muza nie płacze, nie prosi o litość. Ze stoickim spokojem przeżywa ból i wstyd. Ale to właśnie ta stoicka cierpliwość brzmi jak potężny zarzut wobec społeczeństwa, w którym okrutne i haniebne traktowanie kobiet było normą.

Wizerunek wieśniaczki, upokorzonej, ale nie złamanej cierpieniem, niepokoił poetę przez całe jego dzieło. Wizerunek wieśniaczki przedstawiany jest w takich wierszach jak „Domokrążcy”, „Mróz, czerwony nos”. W każdym z tych wierszy czytelnikowi ukazuje się silna postać kobieca, zdolna przetrwać wszelkie przeciwności losu i wyjść z najbardziej upokarzającej sytuacji z podniesioną głową.

Najbardziej wyraziste refleksje na temat Rosjanki znajdują odzwierciedlenie w obrazie Matryony Timofiejewnej w wierszu „Kto dobrze żyje na Rusi?” Niekrasow widział w kobiecie nie tylko uciskane i bezsilne stworzenie. Nie złamać się pod jarzmem męża, teściowej i całego trudnego losu wieśniaczki było, zdaniem Niekrasowa, prawdziwym wyczynem. To nie przypadek, że o Matryonie napisał następujące zdanie: „Na rosyjskich wsiach są kobiety”. Matryona ucieleśnia wszystkie najlepsze cechy charakteru Rosjanki. Tworzy wizerunek „dostojnej Słowianki”, chłopki środkoworosyjskiej, obdarzonej powściągliwą i surową urodą, przepełnioną poczuciem własnej wartości. Opowieść o losach Matryony Timofeevny to opowieść nie tylko o jej losie. Głos Matryony jest głosem całego narodu, wszystkich chłopek Rosji. Dlatego w wierszu śpiewa częściej, niż opowiada, i śpiewa piosenki, które Niekrasow nie wymyślił specjalnie dla niej, ale zaczerpnął je z folkloru.

Ale nie tylko proste wieśniaczki mogły zostać Muzami Niekrasowa. W wierszach „Księżniczka Trubiecka” i „Księżniczka Wołkońska” poeta kontynuuje swoje przemyślenia na temat charakteru Rosjanki. Ale teraz kobiety z kręgu szlacheckiego są tu gloryfikowane i staje się jasne, że nie tylko wieśniaczki są zdolne do wysokich czynów. Każda Rosjanka jest gotowa zrobić wszystko dla ukochanej osoby, jest zdolna do własnego szczęścia i dobrego samopoczucia. Bohaterki obu wierszy wyruszają do ciężkiej pracy, aby odebrać mężów dekabrystów. Ich bohaterowie dojrzewają i wzmacniają się podczas spotkań i zderzeń z różnymi ludźmi podczas długiej podróży. Pojedynek psychologiczny księżniczki Trubeckiej z gubernatorem Irkucka jest pełen intensywnego dramatu. W drodze rośnie samoświadomość księżniczki Wołkońskiej.

Zastanawiając się nad losem Rosjanek, Niekrasow uczynił swoją Muzę kobietą silną duchem, zdolną znieść wiele trudów swego losu, która nigdy nie złamie się ani nie uklęknie przed prześladowcami.