Hvilket bilde av musen vises i Nekrasovs tekster. Originaliteten til løsningen på temaet dikteren og poesien. Bildet av musen i tekstene til N. A. Nekrasov. Temaer og problemstillinger

Introduksjon

I løpet av det kvart århundre av utviklingen (1892-1917) fremførte ikke-realistiske litterære bevegelser en rekke store talenter, hvis arbeid uttrykte de vesentlige trekkene ved tidens kunstneriske bevissthet og ga et unikt bidrag til russisk og verdens poesi og prosa. I likhet med hele det åndelige livet i Russland under epoken med tre revolusjoner, var disse bevegelsene preget av anspent, konfliktfylt dynamikk. Det ble bestemt av motsetningen mellom estetisk individualisme og sosiale oppdrag. Samtidig veide den russiske forfatterens lenge kjære tanker om sosial harmoni og et fritt menneske opp, uansett hvilke utopiske former denne tanken noen ganger tok.

Blant russiske ikke-realistiske bevegelser - symbolikk, akmeisme, futurisme - var symbolikken den første i tid og den mest betydningsfulle i kunstneriske resultater. Den oppsto ved vendepunktet fra 80-tallets tidløshet til 90-tallets sosiopolitiske fremvekst. I 1892 ba D. Merezhkovsky, i et foredrag "Om årsakene til tilbakegang og nye trender i moderne russisk litteratur", til å berike innholdet med en mystisk idé og oppdatere poetikken ved hjelp av symbolske former og impresjonisme. Samtidig ble Merezhkovskys diktbok "Symboler" utgitt; for henne innledet han Goethes ord om det forbigående som et symbol på det evige. I 1894-1895 Tre utgaver av Bryusovs oppsiktsvekkende samlinger "Russiske symbolister" dukket opp, og demonstrerte teorien om nye tekster og prøvene.

Bildet av musen i tekstene til A. Akhmatova

I 1940, mens han snakket med L. Chukovskaya, bemerket A. Akhmatova: "... For å komme til essensen, må man studere reirene til stadig gjentatte bilder i dikterens dikt - i dem ligger forfatterens personlighet og ånden til hans poesi." Stadig tilbakevendende i A. Akhmatovas tekster er bildet av Muse - "søster", "dobbel", "utlending", "bøddel"; «rart», «slank», «mørk», «iført et hullet skjerf», «hånende». Han avslører for oss de etiske og estetiske holdningene til poeten i forskjellige år: søket etter "sin" stemme og følge tradisjonen til den unge A. Akhmatova, senere - bevisstheten om viktigheten av det sivile temaet og, når man oppsummerer resultatene av hans arbeid, forfatterens forståelse av det faktum at hans eget bilde og skjebne blir fanget i kunstens speil. I poesien til A. Akhmatova er dobbeltmotivet viktig, knyttet til temaet kreativitet og skaper tragisk patos.

Den lyriske heltinnen i diktet "Muse" (1911) kontrasterer seg selv med alle "jenter, kvinner, enker" som får muligheten til å oppleve vanlig kvinnelig lykke. Heltinnens tilstand av ufrihet ("ikke disse lenkene") oppstår fra behovet for å velge mellom kjærlighet og kreativitet. Muse-søsteren tar fra seg ringen ("den første vårgaven", "Guds gave"), som er et symbol på velsignet jordisk kjærlighet. Den himmelske budbringeren gir kreativ kraft til kunstneren, men fratar ham til gjengjeld muligheten til å konsentrere seg om selve livets fylde, forvandlet til den primære kilden til poetisk fantasi.

I morgen vil speilene fortelle meg og ler:

"Blikket ditt er ikke klart, ikke lyst ..."

Jeg vil stille svare: «Hun tok bort

Guds gave."

Diktet «Tre ganger kom jeg til tortur...» (1911) ble kalt «Dobbelt» i autografutkastet. Den som kom til tortur kalles ikke musen, men det er med henne at motivet til dobbelen er knyttet til Akhmatovs tidlige dikt. For den lyriske heltinnen er jordisk glede umulig, men det som er enda mer forferdelig er at hennes kjærlighet bringer døden til hennes elskede. Moralsk skyld oppstår i sjelen til en kvinnelig dikter uten noen objektiv grunn, i diktet er det bare et snev av en forutanelse om at straff vil følge for et syndig håndverk.

Å, du lo ikke forgjeves,

Min uforgitte løgn! .

Fra A. Akhmatovas tidlige arbeid trakk hun spesielt fram diktet «Jeg kom for å erstatte deg, søster...» (1912), og sa at hun selv ikke helt forsto det, selv om «det viste seg å være profetisk». Verket består av to monologer, angitt med anførselstegn, og et lite «etterord». Musen kommer til heltinnen for å ta bort fra hennes jordiske lykke, tilgjengelig for alle unntatt kunstneren. Poesi er assosiert med følelsen av en "høy brann": For at et dikt skal bli født, må dikteren falle ut av kjærlighet, lide og brenne. A. Akhmatova skrev om forbindelsen mellom det personlige og det universelle i kreativiteten: "Det er ett håp mindre, / Det kommer en sang til." For poesi er kjærlighet ikke lenger et "bål" voktet av én person, men et "hvitt banner", et "fyrlys" som brenner for alle, og viser folk veien. Artisten oppfatter fødselen av en sang som en begravelsesritual for seg selv og sine følelser. Muse-søsteren tar plassen til den lidende kvinnen, blir hennes dobbeltgjenger, lever livet sitt:

Kle på meg

Glem bekymringene mine

La vinden leke med krøllene dine.

Heltinnen gir "bålet" sitt til musen uten å klage, fordi hun forstår: det verste for henne er "stillhet." I siste strofe smelter bildene subtilt sammen; det er bare én vei - skjebnen til kunstneren, som gir avkall på personlig lykke for å belyse veien for andre:

Og alt virket for henne som en flamme

Lukk... hånden holder tamburinen.

Og hun er som et hvitt banner

Og hun er som lyset fra et fyrtårn.

Bildet av musen i A. Akhmatovas poesi endret seg. I diktene fra andre halvdel av 1910-årene blir en «knapt hørbar» stemme en karakteristisk detalj i portrettet hennes; synger "uttrukket" og "trist", hullet lommetørkle; «utmattet», bøyd «i en mørk krans»-hode. N. Gumilevs anmeldelse av diktet «Tross alt, et sted er det enkelt liv og lys...» er bemerkelsesverdig: «... Men den siste strofen er storslått; bare [er ikke dette] en skrivefeil? - «Stemmen til Muse er knapt hørbar...» Selvfølgelig burde «klart eller tydelig hørbar» vært sagt. Eller enda bedre, "hørt så langt." Musen som dikterte Dantes Inferno, streng, fåmælt og sterk, vil dukke opp i A. Akhmatovas tekster senere, først på midten av 1920-tallet. Bildet av en dobbel tapende kraft, som etterlater den lyriske heltinnen ("Hvorfor later du som ...", 1915; "Musen forlot langs veien ...", 1915; "Alt er tatt bort: både styrke og kjærlighet ..." , 1916), gir dikteren muligheten til å formidle nesten "håndgripelig" menneskelig lidelse, og samtidig en forutanelse om enda mer forferdelige historiske endringer. Tidens "hensynsløse" vind har allerede begynt å kutte livets stemmer.

Og vi lever høytidelig og vanskelig

Og vi respekterer ritualene til våre bitre møter,

Når vinden er hensynsløs

Talen som nettopp hadde begynt blir avbrutt...

("Tross alt, et sted er det enkelt liv og lys ...", 1915)

Evnen til å oppleve skyldfølelse for ubegåtte forbrytelser, viljen til å sone for andres synder karakteriserer den lyriske heltinnen til A. Akhmatova som en "heltalls" personlighet, disponert for å spille en tragisk rolle. Etter første verdenskrig og revolusjonen, døden til N. Nedobrovo, A. Blok, N. Gumilyov, vil situasjonen for en elskers død motta sosial motivasjon og vil bli assosiert i dikterens arbeid med: temaet for skjebnen til en generasjon; den lyriske heltinnen vil mer enn en gang oppleve skyldfølelse for forbrytelsene i hennes alder ("I called upon my dear ones to die ...", 1921; "New Year's Ballad", 1922).

I øyeblikket når "verdener kollapser", tildeler A. Akhmatova en spesiell rolle til kunstneren. Han må oppdage "overpersonlige forbindelser av eksistens" (Vyach. Ivanov), beseire kaos med form - livsformen og kreativiteten hans. A. Akhmatova, som trodde at poesi ville spille rollen som "en stor trøster i et hav av sorg" i folks liv på 1900-tallet, trodde på nødvendigheten av dikterens personlige bragd, på "idealiteten" til hans skjebne. Hennes konstante bekymring for kunstnerens biografi kalles i dag konstruksjonen av en myte - om seg selv, om Modigliani, om Mandelstam, etc. Arbeidet til A. Akhmatova gjenoppretter troen på den moralske støtten til verden, kunstneren forplikter seg til å rekonstruere historien. Visse ting og steder assosiert med lyse hendelser, udødelige navn, forbinder tid med evighet, der fortiden er i samme "rom" med nåværende og kommende. På 1920-tallet ble deres funksjon i Akhmatovas liv og poesi mer kompleks: de tjente ikke bare som tegn på tidenes sammenheng, men rettferdiggjorde og fylte verden med mening. Ting begynner å si når ordene når taushetens grenser, når tragedien blir ødelagt av redsel. "Peters hellige by" blir et "ufrivillig monument" for alle som led i hjemlandet under resolusjoner, kriger og undertrykkelser, og Tsarskoye Selo blir oppfattet som en "krans" til døde diktere.

Forskere anser "Muse" (1924) for å være et veiledende, landemerkedikt som avslører essensen av utviklingen av temaet til poeten og poesien i det postrevolusjonære arbeidet til A. Akhmatova. Forbindelsen mellom Akhmatovas verk og "stemmen" til Dante har blitt notert mer enn en gang, men etter vår mening er hentydningen til Pushkins "profet" i teksten ikke mindre viktig. A. Akhmatova prøver også å understreke kulturens kontinuitet og transtemporalitet. Musa er et vesen av guddommelig opprinnelse, hun kom fra evigheten, som ikke kjenner slike jordiske konvensjoner som fortid, nåtid og fremtid; hun er som en seksvinget seraf. Det er vanskelig å være enig i at "i de første linjene av den åtte-linjers "Muse" fra 1924 er utseendet til "en søt gjest med en pipe i hånden" fortsatt idyllisk villedende, og i den siste "åpner det seg en avgrunn" ” (V. Vilenkin), fordi hovedbildet av diktet ikke er “gjest”, og den lyriske heltinnen som venter på Muse, som raskt “forvandler seg” i den andre strofen. Verket er "plottbasert", og alle de viktigste strukturelle komponentene i både den kanonisk bibelske og Pushkin-situasjonen er til stede: åndelig lengsel - utseendet til en budbringer - oppdagelsen av sannhet. Poeten opplever et øyeblikk med åndelig innsikt, sjokk.

I første halvdel av diktet så det ut til at A. Akhmatova oppsummerte hennes tidlige arbeid, der hun kalte musen sin søster, dobbeltspiller, rivaliserende og karakteriserte henne som en søt, mørkhudet gjest. En mystisk skapning kom for å torturere heltinnen, fratok henne lykken ved å elske og bli elsket, og ga henne muligheten til å skape. Musen tok fra seg friheten, men mangelen på frihet hun forlot virket søtest av alt. Vi kan si at det er etablert et "personlig" forhold mellom den lyriske heltinnen og hennes dobbeltgjenger. Dette er den typen gjest dikteren forventer:

Når jeg venter på at hun skal komme om natten,

Livet ser ut til å henge i en tråd.

Hvilken ære, hvilken ungdom, hvilken frihet

Foran en kjær gjest med en pipe i hånden.

Og en muse dukker opp, ikke likeverdig, ikke søt, ikke ordrik. Hun avslører ikke engang sannheten for poeten i ord, slik hun gjør til serafene i A. Pushkins "Prophet" ("reise seg", "se", "høre", "bli oppfylt", "brenne"), men med en gest ("Og så gikk hun inn. Kaster tilbake teppet, / så nøye på meg"). Mz "za dukker opp under et slør, som Beatrice i Dantes guddommelige komedie. Stillhet betyr at Hun er tragediens muse, at der hun kom fra er alle stille av sorg, at det ikke kan bli mer kamp mellom henne og den lyriske heltinnen. Musen er nå - noe superpersonlig, hun vil ikke akseptere ordene "Jeg kan ikke" fra kunstneren, men vil kreve en ting - "Jeg må." Heltinnen gjenkjenner henne, forstår alt uten ondskap ("Jeg forteller henne: "Har du diktert til Dante / The Pages of Hell?" Svar: "Jeg").

På begynnelsen av 1920-tallet ble det klart at Akhmatovas heltinne ikke forestilte seg utenfor det historiske koordinatsystemet. Poetens tekster er nesten alltid situasjonsbetingede og selvbiografiske, men gjennom moderne historie og personlig liv er en viss "høyere" plan synlig, som viser heltinnen en "vei ut" av kaoset av det som skjer. Kunstneren kontrasterer «tomhet» og bevisstløshet med «evige» bilder og motiver. Etter hvert vil kristne motiver og «fremmede stemmer» fra nær og fjern fortid høres enda høyere ut i A. Akhmatovas arbeid, og «sterke portretter» vil dukke opp. Dialogen mellom den lyriske heltinnen og musen gir plass til en appell til Dante, Shakespeare, Pushkin ("Dante", 1936; "In the Fortieth Year", 1940; "Pushkin", 1943). Siden 1920-tallet har A. Akhmatova nøye og profesjonelt studert deres liv og verk, oversatt og kommentert tekstene.

Siden midten av 1950-tallet begynte en "fruktbar høst" av Akhmatovs tekster. Poeten ser nøye på logikken i skjebnen til sin heltinne, som i et halvt århundre opplevde historiske hendelser som fakta i sin egen biografi. Poeten fungerer som en kompetent "Akhmatov-lærd", og skaper en kunstnerisk versjon av å forstå sin livsbane og utviklingen av kreativitet. Bildet av musen, på den ene siden, vitner om forbindelsen mellom forfatterens liv og verk med de tragiske hendelsene på 1900-tallet; det er til en viss grad dokumentarisk og politisk ("Til hvem og når sa jeg... .”, 1958; “My Muse viste seg å være mel...”, 1960; “Som om datter av blind Ødipus...”, 1960). Imidlertid understrekes den ujordiske naturen til dikternes evige følgesvenn i de verkene der A. Akhmatova er fokusert på å studere kreativitetens psykologi og leseroppfatning, på å forstå resultatene av personlig og kollektiv (kulturell) hukommelse. Den lyriske heltinnen får en dobbel, uendelig bosatt i leserens sinn; nå er hun selv «stillhet», en sang eller kanskje. Muse of another poet ("Nesten i et album", 1961; "Alt i Moskva er gjennomsyret av poesi ...", 1963; "Midnight Poems", 1963-1965). Så bildet av musen i A. Akhmatovas sene tekster lar oss merke den gradvise vekslingen av forfatterens interesse fra emnet historie til å tenke på tid som en filosofisk kategori, om menneskelig hukommelse som den eneste muligheten for å overvinne den.

Bildet av musen i tekstene til A. Blok

Muse Akhmatova blokk tekster

Få russiske diktere pleiet sitt liv og kunstneriske ideal så nøye som Alexander Blok. Selv en annen stor poet, Alexander Pushkin, kan kanskje ikke måle seg med ham i dette. Blok dannet sitt ideal veldig tidlig, fylte det med dypt innhold og var trofast mot det i veldig lang tid. Og selv om det estetiske utseendet til dette idealet endret seg gjennom årene, forble dens essens uendret.

Den lyriske helten blir også en konstant beundrer og beundrer av "Universets elskerinne". Han rømmer fra den virkelige verden av grusomhet, urettferdighet, vold og inn i den overjordiske «nattergalhagen», inn i den vakre damens verden, som er mystisk, uvirkelig, full av hemmeligheter og mysterier.

Diktsyklusen åpner med "Introduksjonen", der en reisende er avbildet, som ustoppelig marsjerer dit heltinnen er. Det er interessant at her plasserer poeten henne også i et russisk tretårn, dekorert med utskjæringer, en ås og en høy kuppel. Det ser ut til at Blok her stoler på en folklorekilde, på sangen: «Min glede bor i et høyt tårn...» Bare poeten gjør denne sangen «glede» til en eventyrprinsesse, han begynner å skrive dette ordet med stor bokstav, og selv trenger han gjennom portene til et utilgjengelig tårn gjennom flammene fra en glødende ild.

Denne damen er veldig vag, eterisk, det er vanskelig å se ansiktet, figuren, klærne, gangarten hennes. Men hun er vakker. Det er ikke for ingenting at ordet Lady innledes med det tilsvarende epitetet. Lyset som kommer fra henne er vakkert, raslingen av skrittene hennes er mystisk, lydene av utseendet hennes er fantastiske, signalene fra hennes tilnærming er lovende, stemmene som følger henne er musikalske. Generelt er alt knyttet til det fylt med musikkens ånd.

Dette bildet er ikke tilfeldig. Tross alt skapte Blok på denne tiden som symbolist. Han bruker ikke realistiske bilder, men symboler. I hvert symbol er det noe fra et objektbilde, men noe fra et identifiserende tegn, et tegn, en indikasjon på betydningen av fenomenet. Hvis du forstår dette, kan du se bildet av den vakre damen bildet av evig femininitet. Dette symbolet er blottet for kjøtt, men det er ingenting i det fra naturalisme, fra vulgaritet, fra jordlighet; det er mye mystisk og sublimt i det. Det er derfor det er så mye allegori, konvensjoner og utelatelser her. La oss vurdere hvordan holdningen til dette bildet, bildet av den vakre damen, den lyriske helten i Bloks dikt, endrer seg. Etter å ha kommet til "paradiset", innser han ikke all sjarmen til damen, følelsene hans for henne er fortsatt vage, flammen av fremtidige lidenskaper dukker bare opp i sjelen til den unge romantikeren. Han ønsker å tydeliggjøre bildet av den fantastiske jomfruen, "kaster trolldom" på henne:

Dager med lykke

Jeg setter pris på årene - ikke ring...

Slukker lysene snart?

Fortryllet mørk kjærlighet?

Men snart kommer «åpenbaringen» av seg selv. Den lyriske helten beundrer allerede skjønnheten til den vakre damen og idoliserer henne. Men dette bildet er vagt, fordi det er frukten av heltens uopphørlige fantasier. Han skaper "Maiden of the Rainbow Gate" bare for seg selv, og ofte er jordiske trekk synlige i det mytologiserte bildet:

Ansiktet ditt er så kjent for meg

Det er som om du bodde hos meg...

...Jeg ser den tynne profilen din.

Den unge mannen er rettet mot henne med hele sitt vesen, lykkelig bare fra den blotte bevisstheten om at hun eksisterer, alt dette gir ham en oversanselig oppfatning av verden. Forholdet mellom den vakre damen og helten "jeg" - et jordisk vesen, hvis sjel streber mot himmelens høyder, til den som "flyter i rekken av andre lyskilder", er komplekst. Prinsessen er ikke bare et objekt for ære, respekt, for en ung mann, hun fengslet ham med sin ekstraordinære skjønnhet, overjordiske sjarm, og han er vanvittig forelsket i henne, så mye at han blir en slave av sine egne følelser:

Jeg er beseiret av dine lidenskaper,

Svak under åket.

Noen ganger - en tjener; noen ganger - søt;

Og for alltid - en slave.

Den høye kjærligheten til den lyriske helten er kjærlighetsbeundring, gjennom hvilken bare et fryktsomt håp om fremtidig lykke glimter:

Jeg tror på paktens sol,

Jeg ser daggry i det fjerne.

Jeg venter på det universelle lyset

Fra kildelandet.

Den lyriske helten er salig og lider i kjærlighetens ekstase. Følelsene er så sterke at de overvelder og overvelder ham, han er klar til å akseptere selv døden saktmodig:

For den korte drømmen jeg har nå,

Og det er ingen morgendag,

Klar til å underkaste seg døden

Ung poet.

Livet til en helt - en dikter av hans Muse - er en evig impuls og et ønske om verdenssjelen. Og i denne impulsen skjer hans åndelige vekst og renselse.

Men samtidig er ikke ideen om et møte med det ideelle så strålende. Det ser ut til at det skulle forvandle verden og helten selv, ødelegge tidens kraft og skape Guds rike på jorden. Men over tid begynner den lyriske helten å frykte at deres gjenforening, det vil si ankomsten til den vakre damen i det virkelige liv, virkeligheten, kan bli en åndelig katastrofe for ham selv. Han er redd for at jomfruen i inkarnasjonsøyeblikket kan bli til en jordisk, syndig skapning, og hennes "nedstigning" til verden vil være et fall:

Jeg har en følelse av deg. Årene går -

Alt i en form ser jeg deg...

Hvor klar er horisonten: og utstrålingen er nær.

Men jeg er redd: Du vil endre utseendet ditt.

Og den ønskede transformasjonen, og verden og "jeget" til den lyriske helten skjer ikke. Etter å ha inkarnert, viser den vakre damen seg å være "annen" - ansiktsløs og ikke himmelsk. Etter å ha kommet ned fra himmelen, fra drømmenes og fantasienes verden, krysser ikke den lyriske helten ut fortiden; i sjelen hans synger melodiene fra "fortiden" fremdeles:

Når fortvilelse og sinne dør,

Søvnen synker. Og vi sover godt begge to

På forskjellige poler på jorden...

Og jeg ser bildet ditt i drømmer, det vakre bildet ditt,

Hvor sint og lidenskapelig han var før natten,

Hvordan han var for meg. Se:

Du er fortsatt den samme som du en gang blomstret.

Resultatet av den lyriske heltens opphold i den vakre damens verden er både en tragisk tvil om idealets virkelighet, og lojalitet til de lyse ungdommelige håpene om fremtidens fylde av kjærlighet og lykke, for fremtidens fornyelse av verden. Heltens tilstedeværelse i den vakre damens verden, hans fordypning i hennes kjærlighet tvang den unge ridderen til å forlate egoistiske ambisjoner, overvinne sin isolasjon og separasjon fra verden, og innpodet ham et ønske om å gjøre godt og bringe godt til folk .

Temaet for kunst i poesien fra symbolismens epoke var et av de ledende. Den tidlige Blok er ikke fremmed for dette emnet:

Musen i vårens antrekk banket på døra til dikteren,

Dekket i nattens mørke, hvisker uklare taler...

Dette diktet fra 1898 inneholder et veldig interessant bilde, som, som et speil, gjenspeiler det filosofiske konseptet symbolikk:

La kroppen bli ødelagt - sjelen vil fly over ørkenen.

Sjelen og ånden her er absolutte og evige, akkurat som kunst er evig. Dette diktet er veldig karakteristisk for den unge Blok: poeten er overbevist om at kunst er absolutt, og bare den er i stand til å forbedre verden. I løpet av årene vil Alexander Bloks syn på kunst for alvor endre seg, og den russiske revolusjonen i 1905, den "forferdelige verden" som brast inn i dikterens lyse og harmoniske verden, vil spille en viktig rolle her. I 1913 skapte Blok diktet "The Artist", som reflekterte hans nye kunstkonsept. "En lett, hittil uhørt ringing" er begynnelsen på kreativ inspirasjon, stemmen til rommet, tiden og Musen. Men ordkunstneren opplever ikke lenger glede, fordi han er forpliktet til å "forstå, konsolidere og drepe" bildet som oppsto i fantasien hans. Poeten blir en samler av bilder, en som gjør ord til utstillinger av et poetisk panoptikon. Dette bitre arbeidet er håpløst:

Vingene er klippet, sangene er utenat.

Liker du å stå under vinduet?

Du liker sangene. Jeg er utslitt

Jeg venter på noe nytt – og savner det igjen.

Historien om jordisk, veldig ekte kjærlighet utvikler seg i Bloks verk til en romantisk-symbolsk mystisk-filosofisk myte. Den har egen tomt og egen tomt. Grunnlaget for handlingen er at det "jordiske" (den lyriske helten) og det himmelske (den vakre damen) står imot hverandre og samtidig streber etter enhet, et "møte", som vil markere transformasjonen av verden, fullstendig harmoni. Den lyriske handlingen kompliserer og dramatiserer handlingen. Fra dikt til dikt er det en endring i heltens humør: lyse håp viker for tvil, forventningen om kjærlighet - frykten for dens kollaps, tro på uforanderligheten til Jomfruens utseende - frykten for å miste den ("Men jeg" er redd du vil endre utseendet ditt"). Årene går, og Blok's Lady, som endrer utseendet hennes, blir utsatt for den merkelige påvirkningen fra den forferdelige virkeligheten, vil gå gjennom syklusene "City", "Snow Mask", "Faina", "Carmen", "Yamba". Men hver gang vil hun være vakker på sin egen måte, for hun vil alltid bære det høye lyset av Bloks ideal i seg selv.

Konklusjon

Sølvalderen begynte med russisk symbolikk ved århundreskiftet og ble umiddelbart oppfattet som dekadanse, det vil si forfall. Fra de aller første skritt begynte kampen mot dekadensen, overvinne dekadensen, benekte dekadensen. Symbolisme ble oppfattet på samme måte i Vesten. Nedgang – i forhold til hva? I forhold til den klassiske tradisjonen og kunstens samfunnsoppgaver. Diskusjonene var svært heftige og, med tanke på utviklingen av kunstneriske ideer, naturlig. Men senere fikk begrepet en negativ ideologisk betydning som et synonym for reaksjonær kunst (borgerlig ;råtnende osv.). Kunstnerisk argumentasjon har mistet sin mening, men den er helt nødvendig for å forstå selve prosessen.

Den synkretiske kulturen på begynnelsen av 1900-tallet, som var basert på litterær symbolikk, ble preget av nye trender i utviklingen av kunsten, manifestert i fremveksten av syntetiserte former for kunstnerisk kreativitet. Til tross for alle de kontroversielle teoretiske grunnlagene for symbolisme, var den nye kulturen han skapte fortsatt reformistisk i sine ambisjoner. Ønsket om å finne nye lover for en form som uttrykker en ny estetikk, forente symbolistene på jakt etter muligheter for syntese av poesi og annen kunst. Ved å bestemme egenskapene og mønstrene for samhandling mellom ulike typer kunst, ble musikken gitt den dominerende rollen. I forbindelse med opplevelsen av fransk symbolikk "tester" diktere lyrisk poesi med å bringe den til musikk i en rytmisk intonasjonsstruktur - i det som utgjør det musikalske elementet i talen. «Musikalitet» blir den viktigste estetiske kategorien i symbolismens poetikk, og musikken blir den rytmiske intonasjonen og det figurativt-tematiske grunnlaget for poetiske verk. Ofte kalles de ganske enkelt som musikalske verk - preludier, menuetter, sanger, sonater, symfonier

Liste over brukt litteratur

1.Akhmatova A.A. Op. i to bind / Forts. art., komp., anm. MM. Kralina. T. 2. - M.: Citadel, 1997.

2.Akhmatova A. Samlede verk: I 6 bind / Samlet, utarbeidet, tekst, kommentarer. og artikkel av N.V. Dronning. - M.: Ellis Luck, 1998-2002

.Beketova M. Alexander Blok, red. 2. L., "Academia", 1930, 236 s.

.Blok Alexander. Samlede verk i åtte bind. T. 3. M.-L., Goslitizdat, 1960-1963, 589 s.

.Vilenkin V.Ya. I det hundre og første speilet (Anna Akhmatova). - M.: Sov. forfatter, 1990. Utg. 2., supplert.

.Gumilev N.S. Samling op.: I 3 bind / Intro. art., komp., anm. PÅ. Bogomolov. T. 3. - M.: Khudozh. lit., 1991.

.Mayakovsky V. Complete works, vol. 1. M., GIHL, 1955, 670 s.

.Piast V. Minner om Blok. P., "Athenaeus", 1923, 297 s.

.Razmakhnina V.K. Sølvalderen. Essays for studier. Krasnoyarsk, 1993. - 190 s.

.Toporov V. Om ekkoene av vesteuropeisk poesi i Akhmatova // Slavisk poetikk. Essays til ære for Kiril Taranovsky. - Mouton (Haag-Paris), 1973. - S. 467-475.

Læring

Trenger du hjelp til å studere et emne?

Våre spesialister vil gi råd eller gi veiledningstjenester om emner som interesserer deg.
Send inn søknaden din angir emnet akkurat nå for å finne ut om muligheten for å få en konsultasjon.

Emne: "Muse i verkene til N. A. Nekrasov"

Mål:

1. vise originaliteten og den sosiale betingelsen til Nekrasovs muse, sammenligne den med bildet av musen i verkene til andre diktere;
2. utvikle ferdigheter i å analysere poetiske verk;
3. sammenligne, bevise, fullt ut og kompetent uttrykke dine tanker;
4. dyrke følelser av statsborgerskap og patriotisme.

I løpet av timene:

I. Lærerens innledende tale om epokens gjensidige avhengighet og dikterens verk. Læreren inviterer tiendeklassinger til å huske de karakteristiske trekkene fra tiden hvor N.A. Nekrasov kom inn i litteraturen:

Tiden der Nekrasovs litterære aktivitet begynte, bestemte nesten helt arten av arbeidet hans. Det frie personlige uttrykket - kunstens mening og hensikt - falt i bakgrunnen, og sosiale problemer kom først. Blant problemene som Russland var "rik" med på den tiden, var det mest presserende problemet, lenge forsinket, behovet for å frigjøre folket fra livegenskap. Her er moralske, sosiale og økonomiske aspekter flettet sammen; Hvert år ble knuten strammet tettere, byrden av uløste problemer ble tyngre – og bremset utviklingen av det plagede landet. Regjeringen våget ikke å gjennomføre demokratiske reformer, og de «nye menneskene» så meningen med livet deres i å få til disse reformene.

Kunst blir i denne situasjonen ikke et mål, men et middel. Den er mobilisert for å tjene samfunnet. Poetens verk krever sosial nytte, tilgjengelighet og enkelhet.

Det humane målet om å kjempe for de vanskeligstilte lar de «nye menneskene», demokratene, føle sin historiske skjebne. Ungdommen deres kom på en tid da livet var begrenset av register og dogmer. Derfor ble Nicholas I's død i seg selv en befrielse for dem og ga dem tillit til at endringen var rett rundt hjørnet. De var uendelig glade for selve muligheten til å gjøre noe for folket sitt: de følte behov for å arbeide for nasjonens beste som lykke. Deres kalt , og etter pine og refleksjon av 40-tallets meningsløse eksistens, følte de sittkreve.

Det viktigste og eneste blir for dem service , som tar en person fullstendig, og gir ingen tid til privat, vanlig menneskeliv.

Nekrasov valgte dette idealet. Han var en besatt og lidenskapelig mann. Han viet hele livet til å tjene den humanistiske ideen, tok på seg rollen som folks forsvarer - og dette ble hans "livslange rolle."

Nekrasov var, som Pushkin på sin tid, en innovatør innen poetisk innhold og form. Han utvidet grensene for poesi, og trodde at objektet kunne være det hvilken som helst gjenstand, hvilken som helst følelse eller sensasjon

Mens han forteller historien, trekker læreren elevenes oppmerksomhet til omrisset av forelesningen hans som vises på tavlen. Elevene skriver det ned i notatbøkene sine. I henhold til denne ordningen vil det være lett for dem å huske alt læreren sa:

(Fritt personlig uttrykk - kunstens mål og mening - er i bakgrunnen.

Den første er sosiale problemer).

Derfor: kunst er ikke et mål, men

Materiale for referanse:

Muse Calliope. Å henvende seg til henne i antikken var et ritual. I løpet av klassisismens periode, som imiterte gamle modeller i alt, skjer det samme. For romantikere er musen eterisk, hun er en skapning av en annen verden, «rent geni», «vakker jomfru». På midten av 1800-tallet mistet det å appellere til musen sin popularitet. Først i andre halvdel av 1800-tallet hadde Musen en spesiell plass. Dette er spesielt tydelig sett i verkene til N. A. Nekrasov.

III. Hva er nyskapende?Nekrasov i bildet av musen?

Vi svarer gradvis på dette spørsmålet, og lager en sammenligningstabell med studenter:

IV. Dikt som kan analyseres i klassen, med tanke på bildet av Muse of Nekrasov:

- "Å Muse, jeg er ved døren til kista...";

- "I går...";

- "Muse";

- "Jeg dør snart..."

- "Fienden fryder seg, gårsdagens venn tier i forvirring...";

- "En feiring av livet - ungdomsårene ...".

V. Læreren oppsummerer leksjonen.

VI. Hjemmelekser.

Analyse av et av diktene etter lærerens valg, samt diktet "I går ..." - utenat.

ERA

naturen til N.A.s kreativitet Nekrasova

kunst er et middel

betyr hva?

Demokratiske reformer

Utvikling av folket

Kjempe for vanskeligstilte

Nekrasov og demokratene følte sin historiske skjebne

motiv for tjenesten, derfor:

1. halvdel av 1800-tallet.

Hovedpersonen er en "lidende egoist", "en ekstra person".

2. halvdel av 1800-tallet.

Hovedpersonen er en handlingens mann. Livet hans avhenger ikke av historiske omstendigheter, men av seg selv, derfor er hovedmotivet for deres kreativitet motivet for ansvar.

innovasjon av form og innhold

1. Enhver gjenstand, enhver følelse kan være et kunstobjekt.

2. Du kan sette et likhetstegn mellom de velstående og de ydmykede.

3. Kunst kan underordnes sosial nødvendighet. (Dikt av N. A. Nekrasov, dedikert til Muravyov - bøddelen.)

Nekrasov, en representant for sivil lyrikk, hadde et vanskelig forhold til musen sin. I mange dikt viser hun seg for ham, lever ut sin egen skjebne, utmattet, kuttet med en pisk, en følgesvenn for alle fattige og bønder, synger om urettferdighet og en forferdelig skjebne.

Nekrasovs muse "lærte meg å føle lidelsen min, og velsignet meg med å kunngjøre den til verden ..."

Nekrasov brukte barndommen på å reise sammen med sin tyrannfar, som jobbet som politibetjent, og innkrevde gjeld fra bønder. Siden barndommen så Nikolai forferdelige bilder av sult, fattigdom og død. Det er derfor poesien hans er så langt fra «ren kunst», fordi han dedikerte lyren til «sitt folk». For dette ble han nådeløst kastet ut av sine samtidige, som, som rike og privilegerte mennesker, ikke forsto og ikke ønsket å se arbeidernes og bøndernes lidelser.

I mange dikt snakker han om musen sin - ikke en syngende og vakker, men en "trist følgesvenn til de triste fattige." Diktet, skrevet i 1852, sporer tydelig dikterens livsperioder. Vanskelig barndom, vanskelig ungdom, elendig tilværelse (faren fratok sønnen sin godtgjørelse fordi han fant sitt felt i litterært arbeid).

Sjanger, retning, størrelse

Sjanger av verket: sivilfilosofiske tekster. Forfatteren forteller om sin hensikt - å hjelpe vanlige mennesker, å fortelle historien deres.

Retning: realisme. Poeten snakker om det som egentlig skjer rundt ham: om sult, fattigdom, urettferdighet og mangelen på rettigheter til den personen hvis arbeid landet hviler på.

Diktmåler: jambisk.

Bilder og symboler

Nekrasovs muse er ikke en flyktig ung dame, men en ung bondekvinne. Vi kan finne en slik definisjon av det i diktet «I går, omtrent klokken seks...». Dette diktet dateres tilbake til 1848 og regnes for å være Nekrasovs første omtale av musen hans. «Der slo de en kvinne med en pisk, en ung bondekvinne», finner vi i dette diktet. Pisken er et symbol på autokrati i Russland; det viser seg at hun, Nekrasovs muse, er plaget av regimet som styrer i Russland.

Den musen som gråter, sørger og sårer,
Konstant tørst, spør ydmykt –

Det er nettopp dette bildet av musen fra diktet med samme navn som går som et ledemotiv gjennom hele Nekrasovs verk. I ansiktet hennes ser vi trekkene til hele Moder Russland, som lider av fattigdom og ydmykelse, av forferdelige arbeidsforhold og selve livet. Dette er det særegne ved bondepoetens muse.

Nekrasovs muse slutter å være legemliggjørelsen av høy kreativitet, hun er en helt synlig karakter, hun er all smerten til det russiske folket, hun er musen for hevn og tristhet, hun er den som lærte Nekrasov å føle lidelsen til bønder i tidlig barndom.

Temaer og problemstillinger

Problemene og temaene i verket er typiske for Nekrasovs verk: dette er sosiale og politiske spørsmål som den liberale intelligentsiaen stilte til myndighetene: hvorfor er livet så vanskelig for bøndene? Hvor lenge skal han tåle undertrykkelse og urettferdighet?

• Hovedtemaet er poetens hensikt. "Muse" er dedikert til det globale temaet for russisk forfatterskap - poet og poesi. Nekrasov deler med sine lesere vanskelighetene med å kommunisere med en muse, en veldig spesiell en, som plager dikteren, i stedet for å synge "søtstemme sanger."
• Problemet med slaveri og tyranni. Hvis vi identifiserer den stygge musen med det russiske folket, ser vi at hun, i likhet med folket, «tier under svøpen» (linje fra «I går, klokken seks»). Blind lydighet er et mysterium for det russiske folket. Hvorfor blir oppfordringer til hevn («hevn! og med en voldelig tunge//Kall Herrens torden over fiendenes hoder!») fortsatt erstattet av et bøyd hode, som aksepterer lovløshet og slaveri?

hovedide

Som vi sa tidligere, er Nekrasov langt fra "ren kunst" og anser seg ikke som en ekte poet; i mange dikt dedikert til musen ser det ut til at han "rettferdiggjør" seg selv for sin kreativitet, og snakker om synderen bak lidelsen.

Nekrasovs muse er "uvennlig og uelsket", hun er lei av alt Nikolai så i barndom og ungdom - fattige landsbyer og St. Petersburg-slummen. Disse maleriene frarøvet dikteren hans bekymringsløse ungdomstid, og kastet ham inn i alt russisk mørke. Musen lærte ham å hate og ta hevn for hele det russiske folket. Dette budskapet er meningen med arbeidet.

Et av hovedpunktene i diktet er linjen: "Tilgi fiendene dine!" Musen hvisker dette, men i virkeligheten hvisker alle mennesker. Hvorfor det?! Hvorfor underordner bøndene seg under en haug med godseiere og embetsmenn? Dette mysteriet vil plage Nekrasov til hans død. Og etter den etterlengtede avskaffelsen av livegenskap, vil dikteren skrive: "Folket er frigjort, men er folket lykkelige?" Det russiske folket er veldig sammensatt og mangefasettert, noen ganger forstår de ikke selv hva som vil være best for dem. Slik er Nekrasovs muse. Poetens hovedidé er å vise ikke bare smerte, men også den lyse moralske karakteren til mennesker som lider, men likevel tilgi lovbryterne for deres nylig felte tårer. Dette er skjønnheten og storheten til Rus.

Uttrykksmidler

Teksten er ekstremt rik på epitet med negative konnotasjoner - uvennlig, uelsket, trist, gråtende, sørgende, verkende, konstant tørst, ydmykt tigger, elendig, bøyd...

For å understreke tristheten i den nåværende situasjonen, bruker forfatteren repetisjonen av "den triste følgesvenn til de triste fattige."

Hyppige inversjoner av "plutselig gråt hun" skaper dynamikk, en følelse av en uopphørlig lidende muse. For samme formål bruker forfatteren utelatelsen av emnet "spilt gal med vuggen min", "lærte meg å føle min lidelse."

Det er mange graderinger i diktet: «beregninger av smålig og skitten forfengelighet<. .. >forbannelser, klager, maktesløse trusler.» De skaper en spent atmosfære av diktet.

Nekrasovs veier utfyller og farger tankene hans med følelser, og selv om han selv beskjedent nektet diktertittelen, ser vi at verkene hans er preget av sjarmen til elegant litteratur.

Temaet for poeten og poesien er evig i litteraturen. I verk om dikterens og poesiens rolle og betydning uttrykker forfatteren sine synspunkter, tro og kreative mål.

På midten av 1800-tallet i russisk poesi ble det originale bildet av poeten skapt av N. Nekrasov. Allerede i sine tidlige tekster snakker han om seg selv som en poet av en ny type. Ifølge ham var han aldri en "frihetens kjære" og "en venn av latskap." I diktene sine legemliggjorde han den ulmende «hjertesorgen». Nekrasov var streng med seg selv og musen sin. Om diktene sine sier han:

Men jeg er ikke smigret over det i folks minne
Noen av dem overlevde...
Det er ingen fri poesi i deg,
Mitt harde, klønete vers!

Poeten hevder at diktene hans består av "levende blod", "hevnlystne følelser" og kjærlighet.

Den kjærligheten som forherliger det gode,
Hva kjennetegner en skurk og en tosk
Og gir en tornekrone
En forsvarsløs sanger.

Nekrasov skriver om å komponere poesi som hardt arbeid. Han har ikke sublime, poetiske intonasjoner, som for eksempel Pushkin. I livet måtte Nekrasov jobbe hardt og smertefullt for å tjene penger, og hans egne dikt hjalp ham å rømme fra den obligatoriske verneplikten i det minste for en stund. Etterlatt uten familiehjelp var Nekrasov en "litterær arbeider" fra ungdommen. For å overleve i St. Petersburg måtte han skrive anmeldelser, kupletter, feuilletons og mye mer. Slikt arbeid utmattet dikteren, tok fra hans styrke og helse. Nekrasovs dikt er "alvorlige dikt"; de inneholder kraften til kjærlighet og hat til de rike som undertrykker folket.

Ved Gogols død skrev Nekrasov diktet "Velsignet er den milde dikteren ...". I den er helte-poeten en "mengdeanklager" som følger en "tornet vei", blir misforstått og forbannet.

På et nytt stadium i historien, i andre halvdel av 1800-tallet, skrev Nekrasov diktet "Profet". Hans dikter-profet ofrer seg for menneskers skyld, deres lykkelige og rettferdige liv i fremtiden. Diktet er skrevet i form av en dialog mellom en profet og en mann fra mengden. Profeten Nekrasov er klar til å ofre:

Det er mulig å leve for deg selv bare i verden,
Men døden er mulig for andre.

Profeten er overbevist om at man kan tjene det gode hvis man ofrer seg selv, som Kristus. Poeten ble sendt for å minne folk om Gud. Nekrasov kaller Gud selv "Gud av sinne og tristhet."

I diktet "Poeten og borgeren" vises et rent Nekrasovisk bilde av "kjærlighetshat", som verken Pushkin eller Lermontov hadde:

Jeg sverger at jeg ærlig talt hatet det!
Jeg sverger, jeg elsket virkelig!

I motsetning til sine store forgjengere, har ikke Nekrasov noe motiv for harme eller motstand mot hele verden. Poeten hans er ikke en titan eller et overjordisk vesen utvalgt av Gud. Poeten Nekrasova uttaler "fiendtlige fornektelsesord" i navnet til kjærlighet til mennesker. Nekrasov forsvarte retten til sivil poesi til å avsløre uroen i det offentlige liv:

Som lever uten tristhet og sinne,
Han elsker ikke hjemlandet sitt...

Nekrasovs innovasjon ligger i det faktum at han tenkte om poetens og poesiens rolle. Hvis Pushkins dikt "En samtale mellom en bokhandler og en poet" handler om kreativ frihet, så handler Nekrasovs om dikterens plikt overfor samfunnet og dets innbyggere.

Diktet "The Poet and the Citizen" snakker om poesiens forfall, om en tid da diktere er rådvill og ikke vet hva de skal skrive om. En borger som kommer til den triste poeten krever poesi fra ham for "forretning og nytte":

Du er kanskje ikke en poet
Men du må være borger.

Du kan velge veien til en "ufarlig" poet, eller du kan gi fordel for landet. Innbyggeren sier at det er "pengegrubbere og tyver" eller "inaktive vismenn" og forskjellige uansvarlige pratere rundt omkring. Akkurat nå kan anklagende vers gi mange fordeler og bli en ekte "gjerning". Poeten kommer med unnskyldninger og siterer Pushkins linjer: "Vi ble født for inspirasjon, / for søte lyder og bønner." Men borgeren svarer ham:

Nei, du er ikke Pushkin. Men inntil videre
Solen er ikke synlig fra noe sted,
Det er synd å ligge med talentet ditt...
Sønnen kan ikke se rolig ut
På min kjære mors sorg...

I den siste delen av diktet snakker Nekrasov om talentet sitt, om musen. Disse linjene høres ut som en tilståelse. Dramaet til dikteren, som «står ved kistedøren», ligger ikke i den nærmer seg døden, men i det faktum at musen har forlatt ham, har han mistet inspirasjonen. Nekrasov forestiller seg livet sitt som en tragisk "romanse" med Muse. Musen forlot dikteren fordi han ikke ble en helt i kampen mot tyranni, han er "sønnen til et sykt århundre" og er uverdig for henne. Poeten viste seg å være en svak person og levde ikke opp til talentet som ble gitt ham.

Bildet av den lidende musen vises i diktet "I går, omtrent klokken seks ...":

I går, rundt klokken seks,
Jeg dro til Sennaya;
Der slo de en kvinne med en pisk,
En ung bondekvinne.
Ikke en lyd fra brystet hennes
Bare pisken plystret mens den spilte...
Og jeg sa til musen: «Se!
Din kjære søster!..."

Nekrasovs muse er ikke en eldgammel skapning, men en enkel jente som blir utsatt for skammelig offentlig straff. Hun bærer ham stolt og ber om hevn.

Nekrasovs selvkritikk mot seg selv er ikke alltid berettiget. Hans sivile tekster var virkelig et våpen, oppfordret til kamp og brakte forvirring i rekkene til frihetens fiender.

Ved å fortsette tradisjonene til A. S. Pushkin, dedikerte N. A. Nekrasov sitt arbeid til folket. Han skrev selv om seg selv: "Jeg dedikerte lyren til mitt folk." Men i motsetning til Pushkin og andre poeter fra denne perioden, har Nekrasov sin egen, spesielle Muse. Hun er ikke som de sofistikerte samfunnsdamene som inspirerte datidens diktere. Hun dukker opp foran oss i bildet av en enkel bondepike, en kvinne.

I 1848, helt i begynnelsen av sin kreative karriere, skrev Nekrasov et fantastisk dikt "I går, klokken seks ...", som han dedikerte til en bondepike som offentlig ble utsatt for grusom og skammelig straff. Dette er de fattiges muse, ydmyket, men stolt og vakker.

Nekrasov kunne selvfølgelig ikke publisere dette diktet om en ung bondekvinne som ble straffet på Senatsplassen i St. Petersburg, men som stoisk motsto den nådeløse represalien og ble kalt musen av poeten. Skrevet med blyant på et stykke papir, lå det på bordet i 25 år før Nekrasov skrev det inn i vennens album. Og den ble utgitt 10 år senere, etter dikterens død. Men det var bildet av denne jenta som fulgte Nekrasov gjennom hele arbeidet og ble hans virkelige muse.
Hele strukturen i diktet er blottet for patos. Den første linjen "i går klokken seks" understreker handlingens modernitet. Begivenheten har nettopp skjedd, og dikteren er imponert over den. Den andre linjen "Jeg dro til Sennaya" indikerer handlingsstedet, og verbet "gikk" understreker at den lyriske helten ikke dro dit med vilje, men endte opp der ved et uhell.
Selve henrettelsen kunne imidlertid ikke ha skjedd på Senatsplassen i 1848, siden slike ting vanligvis ble utført på Trinity- eller Horse Squares, hvor det ble bygget et spesielt stillas for dem. Men henrettelser, også av kvinner, ble faktisk utført i St. Petersburg, men ikke med pisk. Og med pisk. Hvorfor valgte Nekrasov akkurat dette torturinstrumentet?

Diktets handling utspiller seg ikke så mye i den konkrete hverdagen som på det symbolske planet. Sennaya-plassen ble ikke valgt ved en tilfeldighet - det var det mest demokratiske stedet i hovedstaden. Og pisken ble et symbol på skammelig og ydmykende straff. Bondemusen blir et symbol på ydmyket og slavebundet Russland.

Poeten valgte bildet av en bondekvinne for sin Muse heller ikke ved en tilfeldighet. Nekrasov er en nasjonal poet, han elsket Russland av hele sin sjel, og Russland har alltid vært assosiert med en kvinne, med en mor. I tillegg har kvinners stilling i Russland, spesielt bondekvinners, alltid vært rettighetsløs. Nekrasov verdsatte høyt en kvinnes tålmodighet og stolthet. Ydmyket og misbrukt gråter ikke bondemusen, ber ikke om nåde. Hun opplever stoisk smerte og skam. Men det er nettopp denne stoiske tålmodigheten som høres ut som en formidabel tiltale mot et samfunn der grusom og skammelig behandling av kvinner var normen.

Bildet av en bondekvinne ydmyket, men ikke ødelagt av lidelse, bekymret dikteren gjennom hele hans verk. Bildet av en bondekvinne presenteres i slike dikt som "Peddlers", "Frost, Red Nose". I hvert av disse diktene presenteres leseren for en sterk kvinnelig karakter, i stand til å overleve enhver motgang i livet og komme seg ut av den mest ydmykende situasjonen med hevet hode.

De mest levende refleksjonene om den russiske kvinnen gjenspeiles i bildet av Matryona Timofeevna i diktet "Hvem lever godt i Rus?" Nekrasov så i en kvinne ikke bare en undertrykt og maktesløs skapning. Å ikke bryte under åket til mannen sin, svigermor og hele den vanskelige skjebnen til bondekvinnen var, etter Nekrasovs mening, en virkelig bragd. Det er ingen tilfeldighet at han skrev følgende linjer om Matryona: "Det er kvinner i russiske landsbyer." Matryona legemliggjør alle de beste karakteregenskapene til en russisk kvinne. Han skaper bildet av en «statslig slavisk kvinne», en bondekvinne fra den sentrale russiske stripen, utstyrt med behersket og streng skjønnhet, fylt med selvtillit. Historien om skjebnen til Matryona Timofeevna er en historie ikke bare om hennes lodd. Stemmen til Matryona er stemmen til hele folket, alle bondekvinnene i Russland. Derfor synger hun oftere i diktet enn hun forteller, og hun synger sanger som ikke ble oppfunnet spesielt for henne av Nekrasov, men hentet av ham fra folklore.

Men ikke bare enkle bondekvinner kunne bli Nekrasovs muser. I diktene "Prinsesse Trubetskaya" og "Prinsesse Volkonskaya" fortsetter poeten sine tanker om karakteren til en russisk kvinne. Men nå glorifiseres kvinner i den adelige kretsen her, og det blir klart at ikke bare bondekvinner er i stand til høye gjerninger. Enhver russisk kvinne er klar til å gjøre hva som helst for den hun elsker, hun er i stand til sin egen lykke og velvære. Heltinnene i begge diktene går på hardt arbeid for å hente sine Decembrist-menn. Karakterene deres modnes og vokser seg sterkere under møter og kollisjoner med forskjellige mennesker under deres lange reise. Den psykologiske duellen mellom prinsesse Trubetskoy og Irkutsk-guvernøren er full av intens dramatikk. På veien vokser prinsesse Volkonskayas selvbevissthet.

Etter å ha reflektert over skjebnen til russiske kvinner, gjorde Nekrasov sin Muse til en kvinne som var sterk i ånden, i stand til å tåle mange vanskeligheter i skjebnen hennes, som aldri ville knekke eller knele foran undertrykkerne hennes.