Welches Bild der Muse erscheint in Nekrasovs Texten? Die Originalität der Lösung des Themas Dichter und Poesie. Das Bild der Muse in den Texten von N. A. Nekrasov. Themen und Probleme

Einführung

Im Laufe des Vierteljahrhunderts ihrer Entwicklung (1892-1917) brachten die nichtrealistischen literarischen Bewegungen eine Reihe bedeutender Talente hervor, deren Werke die wesentlichen Merkmale des künstlerischen Bewusstseins der Zeit zum Ausdruck brachten und einen einzigartigen Beitrag zur russischen und weltweiten Poesie leisteten Prosa. Wie das gesamte spirituelle Leben Russlands während der Zeit der drei Revolutionen waren diese Bewegungen von einer angespannten, konfliktreichen Dynamik geprägt. Sie wurde durch den Widerspruch zwischen ästhetischem Individualismus und gesellschaftlichen Ansprüchen bestimmt. Gleichzeitig überwog der seit langem gehegte Gedanke des russischen Schriftstellers über soziale Harmonie und einen freien Menschen, egal welche utopischen Formen dieser Gedanke manchmal annahm.

Unter den russischen nichtrealistischen Bewegungen – Symbolismus, Akmeismus, Futurismus – war der Symbolismus die erste und bedeutendste in Bezug auf künstlerische Ergebnisse. Es entstand am Wendepunkt von der Zeitlosigkeit der 80er Jahre zum gesellschaftspolitischen Aufstieg der 90er Jahre. Im Jahr 1892 forderte D. Merezhkovsky in einem Vortrag „Über die Ursachen des Niedergangs und neue Tendenzen in der modernen russischen Literatur“ dazu auf, ihren Inhalt mit einer mystischen Idee zu bereichern und die Poetik mit Hilfe symbolischer Formen und des Impressionismus zu aktualisieren. Zur gleichen Zeit erschien Merezhkovskys Gedichtband „Symbole“; ihr gegenüber leitete er Goethes Worte über das Vergängliche als Symbol des Ewigen ein. 1894-1895 Es erschienen drei Ausgaben von Bryusovs sensationeller Sammlung „Russische Symbolisten“, die die Theorie neuer Texte und ihre Beispiele demonstrierten.

Das Bild der Muse in den Texten von A. Akhmatova

Im Jahr 1940 bemerkte A. Akhmatova im Gespräch mit L. Chukovskaya: „... Um zum Wesentlichen zu gelangen, muss man die Nester sich ständig wiederholender Bilder in den Gedichten des Dichters studieren – in ihnen liegt die Persönlichkeit des Autors und der Geist von.“ seine Poesie.“ In den Texten von A. Akhmatova taucht immer wieder das Bild der Muse auf – „Schwester“, „Doppelgängerin“, „Ausländerin“, „Henkerin“; „seltsam“, „schlank“, „dunkel“, „einen löchrigen Schal tragend“, „spöttisch“. Er offenbart uns die ethischen und ästhetischen Einstellungen des Dichters in verschiedenen Jahren: die Suche nach „seiner“ Stimme und die Fortsetzung der Tradition der jungen A. Akhmatova, anschließend das Bewusstsein für die Bedeutung des bürgerlichen Themas und, zusammenfassend die Ergebnisse seiner Arbeit, das Verständnis des Autors für die Tatsache, dass sein eigenes Bild und Schicksal in den Spiegeln der Kunst festgehalten werden. In der Poesie von A. Akhmatova ist das Motiv des Doppelgängers wichtig, verbunden mit dem Thema Kreativität und der Entstehung tragischen Pathos.

Die lyrische Heldin des Gedichts „Muse“ (1911) kontrastiert sich mit allen „Mädchen, Frauen, Witwen“, denen die Möglichkeit gegeben wird, gewöhnliches weibliches Glück zu erleben. Der Zustand der Unfreiheit („nicht diese Fesseln“) der Heldin entsteht aus der Notwendigkeit, eine Wahl zwischen Liebe und Kreativität zu treffen. Die Musenschwester nimmt ihren Ring („das erste Frühlingsgeschenk“, „Geschenk Gottes“) ab, der ein Symbol der gesegneten irdischen Liebe ist. Der himmlische Bote gibt dem Künstler schöpferische Kraft, nimmt ihm aber im Gegenzug die Möglichkeit, sich auf die Fülle des Lebens selbst zu konzentrieren, das zur Hauptquelle poetischer Fantasie wird.

Morgen werden mir die Spiegel lachend sagen:

„Dein Blick ist nicht klar, nicht hell ...“

Ich werde leise antworten: „Sie hat weggenommen

Gottes Geschenk."

Das Gedicht „Dreimal kam ich zur Folter …“ (1911) hieß im Entwurf des Autographs „Double“. Diejenige, die zur Folter kam, wird nicht Muse genannt, aber mit ihr wird in Achmatows frühen Gedichten das Motiv des Doppelgängers in Verbindung gebracht. Für die lyrische Heldin ist irdische Freude unmöglich, aber was noch schrecklicher ist, ist, dass ihre Liebe ihrer Geliebten den Tod bringt. Moralische Schuld entsteht in der Seele einer Dichterin ohne objektiven Grund; in dem Gedicht gibt es nur einen Hauch einer Vorahnung, dass eine Strafe für ein sündiges Handwerk folgen wird.

Oh, du hast nicht umsonst gelacht,

Meine unverzeihliche Lüge! .

Aus dem Frühwerk von A. Achmatowa hob sie besonders das Gedicht „Ich bin gekommen, um dich zu ersetzen, Schwester ...“ (1912) hervor und sagte, dass sie es selbst nicht vollständig verstanden habe, obwohl „es sich als prophetisch herausstellte“. Das Werk besteht aus zwei durch Anführungszeichen gekennzeichneten Monologen und einem kleinen „Nachwort“. Die Muse kommt zur Heldin, um ihr das irdische Glück zu nehmen, das allen außer dem Künstler zugänglich ist. Poesie ist mit dem Gefühl eines „hohen Feuers“ verbunden: Damit ein Gedicht entstehen kann, muss der Dichter die Liebe verlieren, leiden und brennen. A. Akhmatova schrieb über die Verbindung zwischen dem Persönlichen und dem Universellen in der Kreativität: „Es gibt eine Hoffnung weniger, / Es wird noch ein Lied geben.“ Für die Poesie ist Liebe nicht länger ein „Lagerfeuer“, das von einer Person bewacht wird, sondern ein „weißes Banner“, ein „Leuchtfeuer“, das für alle brennt und den Menschen den Weg weist. Der Künstler empfindet die Geburt eines Liedes als einen Bestattungsritus für sich und seine Gefühle. Die Musenschwester tritt an die Stelle der leidenden Frau, wird ihr Doppelgänger, lebt ihr Leben:

Meine Kleidung anziehen

Vergiss meine Sorgen

Lassen Sie den Wind mit Ihren Locken spielen.

Die Heldin überlässt der Muse klaglos ihr „Lagerfeuer“, weil sie versteht: Das Schlimmste für sie ist „Stille“. In der letzten Strophe verschmelzen die Bilder subtil miteinander; Es gibt nur einen Weg – das Schicksal des Künstlers, der auf persönliches Glück verzichtet, um anderen den Weg zu erhellen:

Und alles schien ihr wie eine Flamme

Nah... die Hand hält das Tamburin.

Und sie ist wie ein weißes Banner

Und sie ist wie das Licht eines Leuchtturms.

Das Bild der Muse in der Poesie von A. Achmatowa veränderte sich. In den Gedichten der zweiten Hälfte der 1910er Jahre wird eine „kaum hörbare“ Stimme zum charakteristischen Detail ihres Porträts; Gesang „langweilig“ und „traurig“, löchriges Taschentuch; „erschöpft“, gesenkter „in einem dunklen Kranz“-Kopf. Bemerkenswert ist N. Gumilevs Rezension des Gedichts „Schließlich gibt es irgendwo einfaches Leben und Licht...“: „... Aber die letzte Strophe ist großartig; nur [ist das nicht] ein Tippfehler? - „Die Stimme der Muse ist kaum hörbar…“ Natürlich hätte man sagen sollen „deutlich oder deutlich hörbar“. Oder noch besser: „bisher gehört“. Die Muse, die Dantes Inferno diktierte, streng, schweigsam und stark, wird später, erst Mitte der 1920er Jahre, in den Texten von A. Akhmatova auftauchen. Das Bild eines Doppelgängers, der seine Macht verliert und die lyrische Heldin zurücklässt („Warum tust du so, als ob…“, 1915; „Die Muse ging auf der Straße…“, 1915; „Alles wurde weggenommen: sowohl Kraft als auch Liebe...“ , 1916), gibt dem Dichter die Möglichkeit, fast „greifbares“ menschliches Leid zu vermitteln und zugleich eine Vorahnung noch schrecklicherer historischer Veränderungen. Der „rücksichtslose“ Wind der Zeit hat bereits begonnen, die Stimmen des Lebens abzuschneiden.

Und wir leben feierlich und schwierig

Und wir ehren die Rituale unserer bitteren Treffen,

Wenn der Wind rücksichtslos ist

Die gerade begonnene Rede wird unterbrochen...

(„Schließlich gibt es irgendwo einfaches Leben und Licht...“, 1915)

Die Fähigkeit, Schuld für nicht begangene Verbrechen zu empfinden, die Bereitschaft, für die Sünden anderer zu büßen, charakterisieren die lyrische Heldin von A. Akhmatova als eine „ganzzahlige“ Persönlichkeit, die bereit ist, eine tragische Rolle zu spielen. Nach dem Ersten Weltkrieg und der Revolution, dem Tod von N. Nedobrovo, A. Blok, N. Gumilyov, wird die Situation des Todes eines Liebhabers gesellschaftlich motiviert und im Werk des Dichters verbunden mit: dem Thema des Schicksal einer Generation; Die lyrische Heldin wird mehr als einmal Schuldgefühle für die Verbrechen ihrer Zeit empfinden („Ich rief meine Lieben zum Sterben auf…“, 1921; „Neujahrsballade“, 1922).

In dem Moment, in dem „Welten zusammenbrechen“, weist A. Achmatowa dem Künstler eine besondere Rolle zu. Er muss „überpersönliche Zusammenhänge der Existenz“ (Vyach. Ivanov) entdecken, das Chaos mit der Form besiegen – der Form seines Lebens und seiner Kreativität. A. Achmatowa, die glaubte, dass die Poesie im Leben der Menschen des 20. Jahrhunderts die Rolle eines „großen Trösters in einem Meer der Trauer“ spielen würde, glaubte an die Notwendigkeit der persönlichen Leistung des Dichters, an die „Idealität“ seiner Schicksal. Ihre ständige Sorge um die Biografie der Künstlerin wird heute als Konstruktion eines Mythos bezeichnet – über sich selbst, über Modigliani, über Mandelstam usw. Die Arbeit von A. Akhmatova stellt den Glauben an die moralische Unterstützung der Welt wieder her, die Künstlerin verpflichtet sich, die Geschichte zu rekonstruieren. Bestimmte Dinge und Orte, die mit hellen Ereignissen und unsterblichen Namen verbunden sind, verbinden die Zeit mit der Ewigkeit, in der sich die Vergangenheit im selben „Raum“ mit der Gegenwart und dem Kommenden befindet. In den 1920er Jahren wurde ihre Funktion im Leben und in der Poesie Achmatowas komplexer: Sie dienten nicht nur als Zeichen der Verbindung der Zeiten, sondern rechtfertigten und erfüllten die Welt mit Sinn. Dinge beginnen zu sprechen, wenn Worte die Grenzen des Schweigens erreichen, wenn die Tragödie durch das Grauen zerstört wird. Die „heilige Stadt Petrus“ wird zum „unfreiwilligen Denkmal“ für alle, die in ihrer Heimat unter Resolutionen, Kriegen und Repressionen gelitten haben, und Zarskoje Selo wird als „Kranz“ für tote Dichter wahrgenommen.

Forscher betrachten „Muse“ (1924) als ein bezeichnendes, bahnbrechendes Gedicht, das die Essenz der Entwicklung des Themas des Dichters und der Poesie im postrevolutionären Werk von A. Achmatowa offenbart. Der Zusammenhang zwischen Achmatowas Werk und der „Stimme“ Dantes wurde mehr als einmal erwähnt, doch unserer Meinung nach ist die Anspielung auf Puschkins „Prophet“ im Text nicht weniger wichtig. Auch A. Akhmatova versucht, die Kontinuität und Transtemporalität der Kultur hervorzuheben. Die Muse ist ein Wesen göttlichen Ursprungs, sie stammt aus der Ewigkeit, das solche irdischen Konventionen wie Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft nicht kennt; sie ist wie ein sechsflügeliger Seraph. Man kann kaum zustimmen, dass „in den ersten Zeilen der achtzeiligen „Muse“ von 1924 die Erscheinung eines „süßen Gastes mit einer Pfeife in der Hand“ noch idyllisch trügerisch ist“ und sich in den letzten „ein Abgrund öffnet“. “ (V. Vilenkin), denn das Hauptbild des Gedichts ist nicht „Gast“, sondern die lyrische Heldin, die auf die Muse wartet, die sich in der zweiten Strophe schnell „verwandelt“. Das Werk ist „handlungsbasiert“ und alle wichtigen Strukturkomponenten sowohl der kanonisch-biblischen als auch der Puschkin-Situation sind vorhanden: spirituelle Sehnsucht – das Erscheinen eines Boten – die Entdeckung der Wahrheit. Der Dichter erlebt einen Moment spiritueller Einsicht, Schock.

In der ersten Hälfte des Gedichts schien A. Akhmatova ihr Frühwerk zusammenzufassen, in dem sie die Muse ihre Schwester, Doppelgängerin, Rivalin nannte und sie als süßen, dunkelhäutigen Gast charakterisierte. Eine mysteriöse Kreatur kam, um die Heldin zu foltern, beraubte sie des Glücks des Liebens und Geliebtwerdens und gab ihr die Fähigkeit, etwas zu erschaffen. Die Muse nahm ihr die Freiheit, aber der Mangel an Freiheit, den sie hinterließ, erschien ihr am süßesten. Man kann sagen, dass zwischen der lyrischen Heldin und ihrem Doppelgänger eine „persönliche“ Beziehung entstanden ist. Solchen Gast erwartet der Dichter:

Wenn ich nachts darauf warte, dass sie kommt,

Das Leben scheint am seidenen Faden zu hängen.

Welche Ehre, welche Jugend, welche Freiheit

Vor einem lieben Gast mit einer Pfeife in der Hand.

Und eine Muse erscheint, nicht gleich, nicht süß, nicht wortreich. Sie offenbart dem Dichter nicht einmal die Wahrheit in Worten, wie sie es den Seraphim in A. Puschkins „Prophet“ („Auferstehung“, „sehen“, „hören“, „erfüllt werden“, „brennen“) tut, sondern mit einer Geste („Und dann trat sie ein. Sie warf die Decke zurück und schaute mich aufmerksam an“). Mz "za erscheint unter einem Schleier, wie Beatrice in Dantes Göttlicher Komödie. Schweigen bedeutet, dass sie die Muse der Tragödie ist, dass dort, wo sie herkam, alle vor Trauer schweigen, dass es keinen Kampf mehr zwischen ihr und der lyrischen Heldin geben kann. Die Muse ist jetzt - etwas Überpersönliches, sie wird die Worte „Ich kann nicht“ vom Künstler nicht akzeptieren, sondern eines verlangen – „Ich muss.“ Die Heldin erkennt sie, versteht alles ohne Böses („Ich erzähle sie: „Hast du Dante / Die Seiten der Hölle diktiert?“ Antworten: „Ich“).

Zu Beginn der 1920er Jahre wurde klar, dass Achmatowas Heldin sich nicht außerhalb des historischen Koordinatensystems vorstellen konnte. Die Texte des Dichters sind fast immer situativ und autobiografisch, aber durch die moderne Geschichte und das persönliche Leben wird ein gewisser „höherer“ Plan sichtbar, der der Heldin einen „Ausweg“ aus dem Chaos des Geschehens zeigt. „Leere“ und Unbewusstheit stellt der Künstler „ewige“ Bilder und Sujets gegenüber. Allmählich werden christliche Motive und „fremde Stimmen“ aus der nahen und fernen Vergangenheit im Werk von A. Akhmatova noch lauter erklingen und es werden „starke Porträts“ entstehen. Der Dialog zwischen der lyrischen Heldin und der Muse weicht einem Appell an Dante, Shakespeare, Puschkin („Dante“, 1936; „Im vierzigsten Jahr“, 1940; „Puschkin“, 1943). Seit den 1920er Jahren hat A. Akhmatova sorgfältig und professionell ihr Leben und Werk studiert, die Texte übersetzt und kommentiert.

Seit Mitte der 1950er Jahre begann ein „fruchtbarer Herbst“ von Achmatows Texten. Der Dichter untersucht genau die Logik des Schicksals seiner Heldin, die ein halbes Jahrhundert lang historische Ereignisse als Fakten ihrer eigenen Biografie erlebte. Als kompetenter „Achmatow-Gelehrter“ schafft der Dichter eine künstlerische Version des Verständnisses seines Lebensweges und der Entwicklung der Kreativität. Das Bild der Muse zeugt einerseits von der Verbindung des Lebens und Schaffens des Autors mit den tragischen Ereignissen des 20. Jahrhunderts, es ist gewissermaßen dokumentarisch und politisch („Wem und wann habe ich gesagt …“ .“, 1958; „Meine Muse erwies sich als Mehl...“, 1960; „Als Tochter des blinden Ödipus...“, 1960). Die überirdische Natur des ewigen Begleiters der Dichter wird jedoch in jenen Werken betont, in denen sich A. Akhmatova auf das Studium der Psychologie der Kreativität und der Wahrnehmung des Lesers sowie auf das Verständnis der Ergebnisse des persönlichen und kollektiven (kulturellen) Gedächtnisses konzentriert. Die lyrische Heldin erhält einen Doppelgänger, der dem Leser ewig in Erinnerung bleibt; jetzt ist sie selbst „Stille“, ein Lied, oder vielleicht. Muse eines anderen Dichters („Fast in einem Album“, 1961; „Alles in Moskau ist von Poesie durchdrungen ...“, 1963; „Mitternachtsgedichte“, 1963-1965). Das Bild der Muse in den späten Texten von A. Akhmatova lässt uns also die allmähliche Verlagerung des Interesses des Autors vom Thema Geschichte hin zum Nachdenken über die Zeit als philosophische Kategorie und über das menschliche Gedächtnis als die einzige Möglichkeit, es zu überwinden, erkennen.

Das Bild der Muse in den Texten von A. Blok

Muse Akhmatova blockiert den Text

Nur wenige russische Dichter pflegten ihr Leben und ihr künstlerisches Ideal so sorgfältig wie Alexander Blok. Selbst ein anderer großer Dichter, Alexander Puschkin, kann sich darin vielleicht nicht mit ihm messen. Blok formte sein Ideal sehr früh, füllte es mit tiefem Inhalt und blieb ihm sehr lange treu. Und obwohl sich das ästhetische Erscheinungsbild dieses Ideals im Laufe der Jahre veränderte, blieb sein Wesen unverändert.

Der lyrische Held wird auch zu einem ständigen Bewunderer und Bewunderer der „Herrin des Universums“. Er flüchtet aus der realen Welt der Grausamkeit, Ungerechtigkeit und Gewalt in den überirdischen „Nachtigallgarten“, in die Welt der schönen Dame, die mystisch, unwirklich, voller Geheimnisse und Mysterien ist.

Der Gedichtzyklus beginnt mit der „Einleitung“, in der ein Reisender dargestellt wird, der unaufhaltsam zum Aufenthaltsort der Heldin marschiert. Interessant ist, dass der Dichter sie hier auch in einem russischen Holzturm platziert, der mit Schnitzereien, einem First und einer hohen Kuppel verziert ist. Es scheint mir, dass Blok sich hier auf eine folkloristische Quelle verlässt, auf das Lied: „Meine Freude lebt in einem hohen Turm …“ Erst der Dichter macht aus diesem Lied „Freude“ eine Märchenprinzessin, die er zu schreiben beginnt dieses Wort mit einem Großbuchstaben, und er selbst dringt durch die Flammen eines glühenden Feuers in die Tore eines unzugänglichen Turms ein.

Diese Dame ist sehr vage, ätherisch, es ist schwierig, ihr Gesicht, ihre Figur, ihre Kleidung und ihren Gang zu erkennen. Aber sie ist wunderschön. Nicht umsonst wird dem Wort Lady der entsprechende Beiname vorangestellt. Das Licht, das von ihr ausgeht, ist wunderschön, das Rascheln ihrer Schritte ist geheimnisvoll, die Geräusche ihres Erscheinens sind wunderbar, die Signale ihrer Annäherung sind vielversprechend, die Stimmen, die sie begleiten, sind musikalisch. Generell ist alles, was damit zusammenhängt, vom Geist der Musik erfüllt.

Dieses Bild ist kein Zufall. Schließlich war Blok zu dieser Zeit als Symbolist tätig. Er verwendet keine realistischen Bilder, sondern Symbole. In jedem Symbol steckt etwas von einem Objektbild, aber auch etwas von einem Erkennungszeichen, einem Zeichen, einem Hinweis auf die Bedeutung des Phänomens. Wenn Sie dies verstehen, können Sie im Bild der schönen Dame das Bild der ewigen Weiblichkeit sehen. Dieses Symbol ist fleischlos, aber es enthält nichts vom Naturalismus, von der Vulgarität, von der Erdigkeit; es enthält viel Geheimnisvolles und Erhabenes. Deshalb gibt es hier so viele Allegorien, Konventionen und Auslassungen. Betrachten wir, wie sich die Einstellung zu diesem Bild, dem Bild der schönen Dame, der lyrischen Heldin in Bloks Gedichten, verändert. Im „Paradies“ angekommen, erkennt er nicht den ganzen Charme der Dame, seine Gefühle für sie sind noch vage, die Flamme zukünftiger Leidenschaften erwacht erst in der Seele des jungen Romantikers. Er will das Bild der fantastischen Jungfrau verdeutlichen, „verzaubert“ sie:

Tage voller Glück

Ich schätze die Jahre – ruf nicht an...

Gehen bald die Lichter aus?

Verzauberte dunkle Liebe?

Doch schon bald kommt die „Erleuchtung“ von selbst. Der lyrische Held bewundert bereits die Schönheit der schönen Dame und vergöttert sie. Aber dieses Bild ist vage, weil es die Frucht der unaufhörlichen Fantasien des Helden ist. Er erschafft die „Jungfrau vom Regenbogentor“ nur für sich selbst, und in dem mythologisierten Bild sind oft irdische Züge sichtbar:

Dein Gesicht kommt mir so bekannt vor

Es ist, als hättest du mit mir gelebt...

...Ich sehe dein dünnes Profil.

Der junge Mann ist ihr mit seinem ganzen Wesen zugewandt, glücklich nur durch das bloße Bewusstsein, dass sie existiert, all dies gibt ihm eine übersinnliche Wahrnehmung der Welt. Die Beziehung zwischen der schönen Dame und dem Helden „Ich“ – einem irdischen Wesen, dessen Seele nach den Höhen des Himmels strebt, zu dem Einen, der „in der Reihe anderer Leuchten fließt“, ist komplex. Die Prinzessin ist für einen jungen Mann nicht nur ein Objekt der Verehrung und des Respekts, sie faszinierte ihn mit ihrer außergewöhnlichen Schönheit, ihrem überirdischen Charme, und er ist unsterblich in sie verliebt, so sehr, dass er zum Sklaven seiner eigenen Gefühle wird:

Ich bin von deinen Leidenschaften besiegt,

Schwach unter dem Joch.

Manchmal - ein Diener; manchmal - süß;

Und für immer - ein Sklave.

Die erhabene Liebe des lyrischen Helden ist Liebesbewunderung, durch die nur eine zaghafte Hoffnung auf zukünftiges Glück schimmert:

Ich glaube an die Sonne des Bundes,

Ich sehe Morgendämmerungen in der Ferne.

Ich warte auf das universelle Licht

Aus dem Frühlingsland.

Der lyrische Held ist selig und leidet in der Ekstase der Liebe. Die Gefühle sind so stark, dass sie ihn überwältigen und überwältigen, er ist bereit, sogar den Tod demütig hinzunehmen:

Für den kurzen Traum, den ich jetzt habe,

Und es gibt kein Morgen,

Bereit, sich dem Tod zu unterwerfen

Junger Dichter.

Das Leben eines Helden – eines Dichters seiner Muse – ist ein ewiger Impuls und Wunsch für die Weltseele. Und in diesem Impuls vollzieht sich sein spirituelles Wachstum und seine spirituelle Reinigung.

Aber gleichzeitig ist die Idee einer Begegnung mit dem Ideal nicht so strahlend. Es scheint, dass es die Welt und den Helden selbst verändern, die Macht der Zeit zerstören und das Reich Gottes auf Erden schaffen sollte. Doch mit der Zeit beginnt der lyrische Held zu befürchten, dass ihre Wiedervereinigung, also die Ankunft der schönen Dame im wirklichen Leben, in der Realität für ihn zu einer spirituellen Katastrophe werden könnte. Er befürchtet, dass sich die Jungfrau im Moment der Inkarnation in ein irdisches, sündiges Geschöpf verwandeln könnte und ihr „Abstieg“ in die Welt ein Sturz sein wird:

Ich habe ein Gefühl für dich. Die Jahre vergehen –

Alles in einer Form sehe ich Dich ...

Wie klar ist der Horizont: und der Glanz ist nah.

Aber ich habe Angst: Du wirst dein Aussehen verändern.

Und die gewünschte Transformation und die Welt und das „Ich“ des lyrischen Helden finden nicht statt. Nach ihrer Inkarnation erweist sich die schöne Dame als „anders“ – gesichtslos und nicht himmlisch. Vom Himmel herabgestiegen, aus der Welt der Träume und Fantasien, streicht der lyrische Held die Vergangenheit nicht durch; in seiner Seele singen noch immer die Melodien der „Vergangenheit“:

Wenn Verzweiflung und Wut vergehen,

Der Schlaf kommt. Und wir schlafen beide tief und fest

An verschiedenen Polen der Erde...

Und ich sehe dein Bild in Träumen, dein Schönes,

Wie wütend und leidenschaftlich er vor der Nacht war,

Wie er für mich war. Sehen:

Du bist immer noch derselbe, der einst blühte.

Das Ergebnis des Aufenthaltes des lyrischen Helden in der Welt der Schönen Dame ist sowohl ein tragischer Zweifel an der Realität des Ideals als auch die Treue zu den strahlenden jugendlichen Hoffnungen auf die zukünftige Fülle von Liebe und Glück, auf die zukünftige Erneuerung der Welt. Die Anwesenheit des Helden in der Welt der schönen Dame und sein Eintauchen in ihre Liebe zwangen den jungen Ritter, selbstsüchtige Bestrebungen aufzugeben, seine Isolation und Trennung von der Welt zu überwinden und ihm den Wunsch einzuflößen, Gutes zu tun und den Menschen Gutes zu bringen .

Das Thema Kunst in der Poesie der Ära des Symbolismus war eines der führenden. Dem frühen Blok ist dieses Thema nicht fremd:

Die Muse im Frühlingsgewand klopfte an die Tür des Dichters,

In die Dunkelheit der Nacht gehüllt, unklare Reden flüsternd ...

Dieses Gedicht aus dem Jahr 1898 enthält ein sehr interessantes Bild, das wie ein Spiegel den philosophischen Begriff der Symbolik widerspiegelt:

Lass den Körper zerstört werden – die Seele wird über die Wüste fliegen.

Die Seele und der Geist sind hier absolut und ewig, genau wie die Kunst ewig ist. Dieses Gedicht ist sehr charakteristisch für den jungen Blok: Der Dichter ist überzeugt, dass Kunst absolut ist und nur sie in der Lage ist, die Welt zu verbessern. Im Laufe der Jahre wird sich Alexander Bloks Sicht auf die Kunst ernsthaft ändern, und die Russische Revolution von 1905, die „schreckliche Welt“, die in die helle und harmonische Welt des Dichters einbrach, wird dabei eine wichtige Rolle spielen. 1913 schuf Blok das Gedicht „Der Künstler“, das seinen neuen Kunstbegriff widerspiegelte. „Ein leichter, bisher ungehörter Klang“ ist der Beginn kreativer Inspiration, die Stimme von Raum, Zeit und der Muse. Aber der Wortkünstler erlebt keine Freude mehr, weil er gezwungen ist, das in seiner Fantasie entstandene Bild „zu verstehen, zu festigen und zu töten“. Der Dichter wird zum Bildersammler, der Worte in Exponate eines poetischen Panoptikums verwandelt. Diese bittere Arbeit ist aussichtslos:

Die Flügel sind gestutzt, die Lieder sind auswendig gelernt.

Stehen Sie gerne unter dem Fenster?

Dir gefallen die Lieder. Ich bin erschöpft

Ich warte auf etwas Neues – und schon wieder vermisse ich es.

Die Geschichte der irdischen, ganz realen Liebe entwickelt sich in Bloks Werk zu einem romantisch-symbolischen mystisch-philosophischen Mythos. Es hat ein eigenes Grundstück und ein eigenes Grundstück. Die Grundlage der Handlung ist, dass das „Irdische“ (der lyrische Held) und das Himmlische (die Schöne Dame) einander gegenüberstehen und gleichzeitig nach Einheit, einem „Treffen“ streben, das die Transformation der Welt markieren wird. völlige Harmonie. Die lyrische Handlung verkompliziert und dramatisiert die Handlung. Von Gedicht zu Gedicht ändert sich die Stimmung des Helden: Helle Hoffnungen weichen Zweifeln, die Erwartung der Liebe – die Angst vor ihrem Zusammenbruch, der Glaube an die Unveränderlichkeit der Erscheinung der Jungfrau – die Angst, sie zu verlieren („Aber ich' „Ich fürchte, du wirst dein Aussehen verändern“). Jahre vergehen, und Bloks Lady, die ihr Aussehen verändert und dem seltsamen Einfluss der schrecklichen Realität ausgesetzt ist, durchläuft die Zyklen „Stadt“, „Schneemaske“, „Faina“, „Carmen“, „Yamba“. Aber jedes Mal wird sie auf ihre eigene Weise schön sein, denn sie wird immer den Glanz von Bloks Ideal in sich tragen.

Abschluss

Das Silberne Zeitalter begann mit der russischen Symbolik um die Jahrhundertwende und wurde sofort als Dekadenz, also Niedergang, wahrgenommen. Von den ersten Schritten an begann der Kampf gegen die Dekadenz, die Überwindung der Dekadenz, die Leugnung der Dekadenz. Symbolismus wurde im Westen ähnlich wahrgenommen. Niedergang – in Bezug auf was? In Bezug auf die klassische Tradition und gesellschaftliche Aufgaben der Kunst. Die Diskussionen waren sehr hitzig und im Hinblick auf die Entwicklung künstlerischer Ideen natürlich. Doch später erlangte der Begriff als Synonym für reaktionäre (bürgerliche) Kunst eine negativ ideologische Bedeutung ;verfallen usw.). Künstlerische Argumentation hat ihre Bedeutung verloren, ist aber für das Verständnis des Prozesses selbst unbedingt notwendig.

Die synkretistische Kultur des frühen 20. Jahrhunderts, die auf literarischer Symbolik basierte, war von neuen Trends in der Entwicklung der Künste geprägt, die sich in der Entstehung synthetisierter Formen künstlerischen Schaffens manifestierten. Trotz aller umstrittenen theoretischen Grundlagen des Symbolismus war die von ihm geschaffene neue Kultur in ihren Bestrebungen immer noch reformistisch. Der Wunsch, neue Gesetze für eine Form zu finden, die eine neue Ästhetik zum Ausdruck bringt, einte die Symbolisten auf der Suche nach Möglichkeiten für die Synthese von Poesie und anderen Künsten. Bei der Bestimmung der Eigenschaften und Muster der Interaktion zwischen verschiedenen Arten von Künsten wurde der Musik die dominierende Rolle zugeschrieben. In Anknüpfung an die Erfahrung des französischen Symbolismus „testen“ Dichter die Lyrik, indem sie sie in einer rhythmisch-intonatorischen Struktur in die Musik bringen – in dem, was das musikalische Element der Sprache ausmacht. „Musikalität“ wird zur wichtigsten ästhetischen Kategorie in der Poetik des Symbolismus, und Musik wird zur rhythmisch-intonatorischen und figurativ-thematischen Grundlage poetischer Werke. Oft werden sie einfach als Musikwerke bezeichnet – Präludien, Menuette, Lieder, Sonaten, Sinfonien

Liste der verwendeten Literatur

1.Achmatowa A.A. Op. in zwei Bänden / Forts. Art., Komp., Anmerkung. MM. Kralina. T. 2. - M.: Zitadelle, 1997.

2.Achmatowa A. Gesammelte Werke: In 6 Bänden / Zusammengestellt, vorbereitet, Text, Kommentar. und Artikel von N.V. Königin. - M.: Ellis Luck, 1998-2002

.Beketova M. Alexander Blok, Hrsg. 2. L., „Academia“, 1930, 236 S.

.Blok Alexander. Gesammelte Werke in acht Bänden. T. 3. M.-L., Goslitizdat, 1960-1963, 589 S.

.Vilenkin V.Ya. Im einhundertersten Spiegel (Anna Achmatowa). - M.: Sov. Schriftsteller, 1990. Ed. 2., ergänzt.

.Gumilev N.S. Sammlung op.: In 3 Bänden / Intro. Art., Komp., Anmerkung. AUF DER. Bogomolow. T. 3. - M.: Khudozh. lit., 1991.

.Mayakovsky V. Sämtliche Werke, Bd. 1. M., GIHL, 1955, 670 S.

.Piast V. Erinnerungen an Blok. P., „Athenaeus“, 1923, 297 S.

.Razmakhnina V.K. Silbernes Zeitalter. Aufsätze zum Lernen. Krasnojarsk, 1993. - 190 S.

.Toporov V. Über die Echos der westeuropäischen Poesie in Achmatowa // Slawische Poetik. Essays zu Ehren von Kiril Taranovsky. - Mouton (Den Haag-Paris), 1973. - S. 467-475.

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Thema: „Muse in den Werken von N. A. Nekrasov“

Ziele:

1. zeigen Sie die Originalität und soziale Bedingtheit von Nekrasovs Muse, indem Sie sie mit dem Bild der Muse in den Werken anderer Dichter vergleichen;
2. Fähigkeiten zur Analyse poetischer Werke entwickeln;
3. vergleichen, beweisen, Ihre Gedanken vollständig und kompetent zum Ausdruck bringen;
4. kultivieren Gefühle der Staatsbürgerschaft und des Patriotismus.

Während des Unterrichts:

I. Die Einführungsrede des Lehrers über die Interdependenz der Epoche und des Werkes des Dichters. Der Lehrer lädt die Zehntklässler ein, sich an die charakteristischen Merkmale der Zeit zu erinnern, in der N.A. Nekrasov trat in die Literatur ein:

Die Ära, in der Nekrasovs literarische Tätigkeit begann, bestimmte fast vollständig die Art seiner Arbeit. Der freie persönliche Ausdruck – Sinn und Zweck der Kunst – geriet in den Hintergrund, soziale Probleme rückten in den Hintergrund. Unter den Problemen, mit denen Russland damals „reich“ war, war die Notwendigkeit, das Volk aus der Leibeigenschaft zu befreien, das drängendste und längst überfällige Problem. Moralische, soziale und wirtschaftliche Aspekte sind hier miteinander verflochten; Mit jedem Jahr wurde der Knoten fester, die Last der ungelösten Probleme wurde schwerer – und bremste die Entwicklung des gebeutelten Landes. Die Regierung wagte es nicht, demokratische Reformen durchzuführen, und die „neuen Menschen“ sahen den Sinn ihres Lebens darin, diese Reformen durchzuführen.

Kunst wird in dieser Situation nicht zum Ziel, sondern zum Mittel. Es wird mobilisiert, um der Gesellschaft zu dienen. Die Arbeit des Dichters erfordert sozialen Nutzen, Zugänglichkeit und Einfachheit.

Das humane Ziel, für die Benachteiligten zu kämpfen, lässt die „neuen Menschen“, die Demokraten, ihre historische Bestimmung spüren. Ihre Jugend fiel in eine Zeit, in der das Leben durch Standesregeln und Dogmen eingeschränkt war. Daher war der Tod von Nikolaus I. für sie eine Befreiung und gab ihnen die Zuversicht, dass der Wandel unmittelbar bevorstand. Sie waren unendlich glücklich über die Gelegenheit, etwas für ihr Volk zu tun: Sie empfanden das Bedürfnis, für das Wohl der Nation zu arbeiten, als Glück. Ihre angerufen , und nach der Qual und dem Nachdenken über die bedeutungslose Existenz der 40er Jahre spürten sie ihreNachfrage.

Das Wichtigste und Einzige wird für sie Service , die einen Menschen völlig in Anspruch nimmt und keine Zeit für das private, gewöhnliche menschliche Leben lässt.

Nekrasov wählte dieses Ideal. Er war ein besessener und leidenschaftlicher Mann. Er widmete sein ganzes Leben dem Dienst an der humanistischen Idee, übernahm die Rolle des Volksverteidigers – und dies wurde zu seiner „lebenslangen Rolle“.

Nekrasov war, wie seinerzeit Puschkin, ein Erneuerer auf dem Gebiet des poetischen Inhalts und der poetischen Form. Er erweiterte die Grenzen der Poesie und glaubte, dass ihr Gegenstand sein könnte irgendein Gegenstand, irgendein Gefühl oder Empfindung

Während er die Geschichte erzählt, lenkt der Lehrer die Aufmerksamkeit der Schüler auf den an der Tafel dargestellten Grundriss seiner Vorlesung. Die Schüler schreiben es in ihre Hefte. Nach diesem Schema wird es ihnen leicht fallen, sich an alles zu erinnern, was der Lehrer gesagt hat:

(Der freie persönliche Ausdruck – Ziel und Sinn der Kunst – steht im Hintergrund.)

Das erste sind soziale Probleme.

Deshalb: Kunst ist kein Ziel, sondern

Material als Referenz:

Muse Calliope. In der Antike war es ein Ritual, sie anzusprechen. In der Zeit des Klassizismus, der in allem antike Vorbilder nachahmte, passiert das Gleiche. Für Romantiker ist die Muse ätherisch, sie ist ein Geschöpf aus einer anderen Welt, „reines Genie“, „schöne Jungfrau“. Mitte des 19. Jahrhunderts verlor der Appell an die Muse an Popularität. Erst in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts nahm die Muse einen besonderen Stellenwert ein. Dies zeigt sich besonders deutlich in den Werken von N. A. Nekrasov.

III. Was ist innovativ?Nekrasov im Bild der Muse?

Wir beantworten diese Frage schrittweise und erstellen mit Studierenden eine Vergleichstabelle:

IV. Gedichte, die im Unterricht unter Berücksichtigung des Bildes der Muse von Nekrasov analysiert werden können:

- „Oh Muse, ich bin an der Sargtür ...“;

- "Gestern...";

- „Muse“;

- „Ich werde bald sterben...“

- „Der Feind freut sich, der Freund von gestern schweigt vor Fassungslosigkeit ...“;

- „Eine Feier des Lebens – der Jahre der Jugend ...“.

V. Der Lehrer fasst die Lektion zusammen.

VI. Hausaufgaben.

Analyse eines Gedichts nach Wahl des Lehrers sowie des Gedichts „Gestern...“ – auswendig.

EPOCHE

die Natur der Kreativität von N.A Nekrasova

Kunst ist ein Mittel

Mittel wofür?

Demokratische Reformen

Entwicklung des Volkes

Für die Benachteiligten kämpfen

Nekrasov und die Demokraten spürten ihr historisches Schicksal

Motiv des Dienstes, also:

1. Hälfte des 19. Jahrhunderts.

Die Hauptfigur ist ein „leidender Egoist“, „eine zusätzliche Person“.

2. Hälfte des 19. Jahrhunderts.

Die Hauptfigur ist ein Mann der Tat. Sein Leben hängt nicht von historischen Umständen ab, sondern von ihm selbst, daher ist das Hauptmotiv ihrer Kreativität das Motiv der Verantwortung.

Innovation von Form und Inhalt

1. Jedes Objekt, jedes Gefühl kann Gegenstand der Kunst sein.

2. Sie können ein Gleichheitszeichen zwischen den Wohlhabenden und den Gedemütigten setzen.

3. Kunst kann der gesellschaftlichen Notwendigkeit untergeordnet werden. (Gedicht von N. A. Nekrasov, gewidmet Muravyov – dem Henker.)

Nekrasov, ein Vertreter der bürgerlichen Lyrik, hatte ein schwieriges Verhältnis zu seiner Muse. In vielen Gedichten erscheint sie ihm, ihr eigenes Schicksal lebend, erschöpft, von der Peitsche getroffen, eine Gefährtin aller Armen und Bauern, die von Ungerechtigkeit und einem schrecklichen Schicksal singt.

Nekrasovs Muse „lehrte mich, mein Leiden zu fühlen, und segnete mich, es der Welt zu verkünden ...“

Nekrasov verbrachte seine Kindheit damit, mit seinem tyrannischen Vater zu reisen, der als Polizist arbeitete und Schulden von Bauern eintrieb. Seit seiner Kindheit sah Nikolai schreckliche Bilder von Hunger, Armut und Tod. Deshalb ist seine Poesie so weit von „reiner Kunst“ entfernt, weil er die Leier „seinem Volk“ gewidmet hat. Dafür wurde er von seinen Zeitgenossen gnadenlos gegeißelt, die als wohlhabende und privilegierte Menschen das Leid der Arbeiter und Bauern nicht verstanden und nicht sehen wollten.

In vielen Gedichten spricht er von seiner Muse – keine singende und schöne, sondern eine „traurige Gefährtin der traurigen Armen“. Das 1852 verfasste Gedicht zeichnet die Lebensabschnitte des Dichters deutlich nach. Eine schwierige Kindheit, eine schwierige Jugend, ein elendes Dasein (der Vater entzog seinem Sohn sein Taschengeld, weil er sein Fachgebiet in der literarischen Arbeit fand).

Genre, Richtung, Größe

Genre des Werkes: zivilphilosophische Texte. Der Autor spricht über sein Ziel – gewöhnlichen Menschen zu helfen und ihre Geschichte zu erzählen.

Richtung: Realismus. Der Dichter spricht über das, was wirklich um ihn herum passiert: über Hunger, Armut, Ungerechtigkeit und die Rechtlosigkeit des Menschen, auf dessen Arbeit das Land beruht.

Versmaß des Gedichts: jambisch.

Bilder und Symbole

Nekrasovs Muse ist keine vergängliche junge Dame, sondern eine junge Bäuerin. Eine solche Definition finden wir im Gedicht „Gestern, gegen sechs Uhr …“. Dieses Gedicht stammt aus dem Jahr 1848 und gilt als Nekrasovs erste Erwähnung seiner Muse. „Dort schlugen sie eine Frau mit der Peitsche, eine junge Bäuerin“, heißt es in diesem Gedicht. Die Peitsche ist ein Symbol der Autokratie in Russland; es stellt sich heraus, dass sie, Nekrasovs Muse, vom in Russland herrschenden Regime gequält wird.

Diese Muse weint, trauert und verletzt,
Ständig durstig, demütig bittend –

Genau dieses Bild der Muse aus dem gleichnamigen Gedicht zieht sich wie ein Leitmotiv durch das gesamte Werk Nekrasovs. In ihrem Gesicht sehen wir die Züge von ganz Mutter Russland, das unter Armut und Demütigung, unter schrecklichen Arbeitsbedingungen und dem Leben selbst leidet. Das ist die Besonderheit der Muse des Bauerndichters.

Nekrasovs Muse ist nicht mehr die Verkörperung hoher Kreativität, sie ist eine völlig sichtbare Figur, sie ist der ganze Schmerz des russischen Volkes, sie ist die Muse der Rache und der Traurigkeit, sie ist diejenige, die Nekrasov gelehrt hat, das Leiden des russischen Volkes zu spüren Bauern in der frühen Kindheit.

Themen und Probleme

Die Probleme und Themen der Arbeit sind typisch für Nekrasovs Arbeit: Dies sind soziale und politische Fragen, die die liberale Intelligenz an die Behörden richtete: Warum ist das Leben für die Bauernschaft so schwierig? Wie lange sollte er Unterdrückung und Ungerechtigkeit ertragen?

• Das Hauptthema ist die Absicht des Dichters. „Muse“ widmet sich dem globalen Thema der russischen Schrift – Dichter und Poesie. Nekrasov teilt mit seinen Lesern die Schwierigkeiten, mit einer ganz besonderen Muse zu kommunizieren, die den Dichter quält, anstatt „Lieder mit süßer Stimme“ zu singen.
• Das Problem der Sklaverei und Tyrannei. Wenn wir die hässliche Muse mit dem russischen Volk identifizieren, sehen wir, dass sie wie das Volk „unter der Geißel schweigt“ (Zeile aus „Gestern um sechs Uhr“). Blinder Gehorsam ist ein Mysterium des russischen Volkes. Warum werden Rufe nach Rache („Rache! und mit gewalttätiger Zunge // Rufe den Donner des Herrn über die Häupter der Feinde!“) immer noch durch ein gesenktes Haupt ersetzt, das Gesetzlosigkeit und Versklavung akzeptiert?

Hauptidee

Wie wir bereits sagten, ist Nekrasov weit von „reiner Kunst“ entfernt und betrachtet sich selbst nicht als echten Dichter; in vielen Gedichten, die der Muse gewidmet sind, scheint er sich für seine Kreativität zu „rechtfertigen“, indem er über den Schuldigen seines Leidens spricht.

Nekrasovs Muse ist „unfreundlich und ungeliebt“, sie hat genug von allem, was Nikolai in seiner Kindheit und Jugend gesehen hat – arme Dörfer und Slums in St. Petersburg. Diese Gemälde raubten dem Dichter seine unbeschwerte Jugend und stürzten ihn in die russische Dunkelheit. Die Muse lehrte ihn, das gesamte russische Volk zu hassen und sich dafür zu rächen. Diese Botschaft ist der Sinn der Arbeit.

Einer der Kernpunkte des Gedichts ist die Zeile: „Vergib deinen Feinden!“ Die Muse flüstert dies, aber in Wirklichkeit flüstern alle Menschen. Warum so?! Warum unterwerfen sich die Bauern einer Gruppe von Grundbesitzern und Beamten? Dieses Geheimnis wird Nekrasov bis zu seinem Tod quälen. Und nach der lang erwarteten Abschaffung der Leibeigenschaft wird der Dichter schreiben: „Das Volk ist befreit, aber ist das Volk glücklich?“ Das russische Volk ist sehr komplex und vielschichtig, manchmal versteht es selbst nicht, was für es das Beste ist. Das ist Nekrasovs Muse. Die Hauptidee des Dichters besteht darin, nicht nur den Schmerz, sondern auch den strahlenden moralischen Charakter von Menschen zu zeigen, die leiden, ihren Tätern aber dennoch die kürzlich vergossenen Tränen verzeihen. Das ist die Schönheit und Größe Russlands.

Ausdrucksmittel

Der Text ist äußerst reich an Beinamen mit negativer Konnotation – unfreundlich, ungeliebt, traurig, weinend, trauernd, schmerzend, ständig durstig, demütig bettelnd, elend, gebeugt …

Um die Traurigkeit der aktuellen Situation hervorzuheben, verwendet der Autor die Wiederholung des Wortes „der traurige Begleiter der traurigen Armen“.

Häufige Umkehrungen von „plötzlich weinte sie“ erzeugen Dynamik, das Gefühl einer unaufhörlich leidenden Muse. Aus dem gleichen Grund nutzt der Autor das Weglassen des Themas „spielte wie verrückt mit meiner Wiege“, „lehrte mich, mein Leiden zu fühlen“.

Es gibt viele Abstufungen im Gedicht: „Berechnungen kleinlicher und schmutziger Eitelkeit.“<. .. >Flüche, Beschwerden, machtlose Drohungen.“ Sie schaffen eine angespannte Atmosphäre des Gedichts.

Nekrasovs Wege ergänzen und färben seine Gedanken mit Emotionen, und obwohl er selbst den Titel eines Dichters bescheiden ablehnte, sehen wir, dass seine Werke vom Charme eleganter Literatur geprägt sind.

Das Thema des Dichters und der Poesie ist in der Literatur ewig. In Werken über die Rolle und Bedeutung des Dichters und der Poesie bringt der Autor seine Ansichten, Überzeugungen und kreativen Ziele zum Ausdruck.

In der Mitte des 19. Jahrhunderts wurde in der russischen Poesie das Originalbild des Dichters von N. Nekrasov geschaffen. Bereits in seinen frühen Texten spricht er von sich selbst als einem Dichter neuen Typs. Ihm zufolge war er nie ein „Liebling der Freiheit“ und „ein Freund der Faulheit“. In seinen Gedichten verkörperte er den schwelenden „Herzschmerz“. Nekrasov war streng mit sich selbst und seiner Muse. Über seine Gedichte sagt er:

Aber ich fühle mich nicht geschmeichelt, dass ich im Gedächtnis der Menschen bleibe
Jeder von ihnen hat überlebt...
Es gibt keine freie Poesie in dir,
Mein harter, ungeschickter Vers!

Der Dichter behauptet, dass seine Gedichte aus „lebendigem Blut“, „rachsüchtigen Gefühlen“ und Liebe bestehen.

Diese Liebe, die das Gute verherrlicht,
Was zeichnet einen Bösewicht und einen Narren aus?
Und gibt eine Dornenkrone
Ein wehrloser Sänger.

Nekrasov schreibt über das Verfassen von Gedichten als harte Arbeit. Er hat keine erhabenen, poetischen Intonationen wie zum Beispiel Puschkin. Im Leben musste Nekrasov hart und mühsam arbeiten, um Geld zu verdienen, und seine eigenen Gedichte halfen ihm, zumindest für einige Zeit der Wehrpflicht zu entgehen. Nekrasov blieb ohne familiäre Hilfe und war seit seiner Jugend ein „literarischer Arbeiter“. Um in St. Petersburg zu überleben, musste er Rezensionen, Couplets, Feuilletons und vieles mehr schreiben. Eine solche Arbeit erschöpfte den Dichter, nahm ihm Kraft und Gesundheit. Nekrasovs Gedichte sind „strenge Gedichte“; sie enthalten die Kraft der Liebe und des Hasses gegenüber den Reichen, die das Volk unterdrücken.

Anlässlich von Gogols Tod schrieb Nekrasov das Gedicht „Gesegnet sei der sanfte Dichter ...“. Darin ist der Heldendichter ein „Volksankläger“, der einen „dornigen Weg“ beschreitet, missverstanden und verflucht wird.

In einer neuen Phase der Geschichte, in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, schrieb Nekrasov das Gedicht „Prophet“. Sein Dichter-Prophet opfert sich für die Menschen und ihr glückliches und gerechtes Leben in der Zukunft. Das Gedicht ist in Form eines Dialogs zwischen einem Propheten und einem Mann aus der Menge geschrieben. Prophet Nekrasov ist bereit zu opfern:

Nur in der Welt kann man für sich selbst leben,
Aber für andere ist der Tod möglich.

Der Prophet ist zuversichtlich, dass man dem Guten dienen kann, wenn man sich wie Christus opfert. Der Dichter wurde geschickt, um die Menschen an Gott zu erinnern. Nekrasov nennt Gott selbst „den Gott des Zorns und der Traurigkeit“.

In dem Gedicht „Der Dichter und der Bürger“ taucht ein rein nekrasovisches Bild von „Hassliebe“ auf, das weder Puschkin noch Lermontow hatten:

Ich schwöre, ich habe es ehrlich gesagt gehasst!
Ich schwöre, ich habe es wirklich geliebt!

Im Gegensatz zu seinen großen Vorgängern hat Nekrasov kein Motiv für Groll oder Widerstand gegen die ganze Welt. Sein Dichter ist kein Titan oder ein von Gott auserwähltes jenseitiges Wesen. Die Dichterin Nekrasova spricht im Namen der Liebe zu den Menschen „feindliche Worte der Verleugnung“. Nekrasov verteidigte das Recht der bürgerlichen Poesie, die Unruhen im öffentlichen Leben aufzudecken:

Wer lebt ohne Traurigkeit und Wut,
Er liebt seine Heimat nicht...

Nekrasovs Innovation liegt darin, dass er die Rolle des Dichters und der Poesie neu überdacht hat. Wenn es in Puschkins Gedicht „Ein Gespräch zwischen einem Buchhändler und einem Dichter“ um kreative Freiheit geht, dann geht es in Nekrasovs Gedicht um die Pflicht des Dichters gegenüber der Gesellschaft und ihren Bürgern.

Das Gedicht „Der Dichter und der Bürger“ handelt vom Niedergang der Poesie, von einer Zeit, in der Dichter ratlos sind und nicht wissen, worüber sie schreiben sollen. Ein Bürger, der zum traurigen Dichter kommt, verlangt von ihm Poesie für „Geschäft und Nutzen“:

Du bist vielleicht kein Dichter
Aber man muss Bürger sein.

Sie können den Weg eines „harmlosen“ Dichters wählen oder dem Land Nutzen bringen. Der Bürger sagt, dass es „Geldräuber und Diebe“ oder „inaktive Weise“ und verschiedene unverantwortliche Redner gebe. Gerade jetzt können anklagende Verse viele Vorteile bringen und zu einer echten „Tat“ werden. Der Dichter entschuldigt sich und zitiert Puschkins Zeilen: „Wir wurden zur Inspiration geboren, / für süße Klänge und Gebete.“ Doch der Bürger antwortet ihm:

Nein, Sie sind nicht Puschkin. Aber für den Moment
Die Sonne ist von nirgendwo sichtbar,
Es ist eine Schande, mit deinem Talent zu schlafen ...
Der Sohn kann nicht ruhig schauen
Zur Trauer meiner lieben Mutter...

Im letzten Teil des Gedichts spricht Nekrasov über sein Talent, über die Muse. Diese Zeilen klingen wie ein Geständnis. Das Drama des Dichters, der „an der Sargtür steht“, liegt nicht im nahenden Tod, sondern darin, dass die Muse ihn verlassen hat, er die Inspiration verloren hat. Nekrasov stellt sich sein Leben als eine tragische „Romanze“ mit Muse vor. Die Muse hat den Dichter verlassen, weil er im Kampf gegen die Tyrannei kein Held geworden ist, er ist „der Sohn eines kranken Jahrhunderts“ und ihrer unwürdig. Der Dichter erwies sich als schwacher Mensch und wurde dem ihm gegebenen Talent nicht gerecht.

Das Bild der leidenden Muse wird im Gedicht „Gestern, gegen sechs Uhr …“ gezeigt:

Gestern, gegen sechs Uhr,
Ich ging nach Sennaja;
Dort schlugen sie eine Frau mit einer Peitsche,
Eine junge Bäuerin.
Kein Laut aus ihrer Brust
Nur die Peitsche pfiff, während sie spielte ...
Und ich sagte zur Muse: „Schau!
Deine liebe Schwester!…“

Nekrasovs Muse ist kein uraltes Wesen, sondern ein einfaches Mädchen, das einer schändlichen öffentlichen Bestrafung ausgesetzt ist. Sie trägt ihn stolz und ruft nach Rache.

Nekrasovs Selbstkritik an sich selbst ist nicht immer berechtigt. Seine bürgerlichen Texte waren tatsächlich eine Waffe, riefen zum Kampf auf und brachten Verwirrung in die Reihen der Feinde der Freiheit.

In Fortsetzung der Traditionen von A. S. Puschkin widmete N. A. Nekrasov sein Werk dem Volk. Er selbst schrieb über sich selbst: „Die Leier habe ich meinem Volk gewidmet.“ Aber im Gegensatz zu Puschkin und anderen Dichtern dieser Zeit hat Nekrasov seine eigene, besondere Muse. Sie ist nicht wie die kultivierten Damen der Gesellschaft, die die Dichter jener Zeit inspirierten. Sie erscheint vor uns im Bild eines einfachen Bauernmädchens, einer Frau.

Im Jahr 1848, ganz am Anfang seiner kreativen Karriere, schrieb Nekrasov ein wunderbares Gedicht „Gestern um sechs Uhr …“, das er einem Bauernmädchen widmete, das öffentlich grausamen und schändlichen Strafen ausgesetzt war. Dies ist die Muse der Armen, gedemütigt, aber stolz und schön.

Natürlich konnte Nekrasov dieses Gedicht über eine junge Bäuerin, die auf dem Senatsplatz in St. Petersburg bestraft wurde, aber stoisch der gnadenlosen Repressalien standhielt und vom Dichter als Muse bezeichnet wurde, nicht veröffentlichen. Mit Bleistift auf ein Blatt Papier geschrieben, lag es 25 Jahre lang auf dem Tisch, bevor Nekrasov es in das Album seines Freundes schrieb. Und es wurde zehn Jahre später, nach dem Tod des Dichters, veröffentlicht. Aber es war das Bild dieses Mädchens, das Nekrasov während seines gesamten Schaffens begleitete und zu seiner wahren Muse wurde.
Die gesamte Struktur des Gedichts ist frei von jeglichem Pathos. Die erste Zeile „gestern um sechs“ betont die Modernität der Handlung. Das Ereignis ist gerade passiert und der Dichter ist davon beeindruckt. Die zweite Zeile „Ich ging nach Sennaya“ gibt den Ort der Handlung an, und das Verb „ging“ betont, dass der lyrische Held nicht absichtlich dorthin gegangen ist, sondern zufällig dort gelandet ist.
Die Hinrichtung selbst konnte jedoch 1848 nicht auf dem Senate Square stattgefunden haben, da solche Dinge normalerweise auf dem Trinity Square oder dem Horse Square vollstreckt wurden, wo ein spezielles Gerüst für sie errichtet wurde. Aber Hinrichtungen, auch von Frauen, wurden in St. Petersburg tatsächlich durchgeführt, allerdings nicht mit der Peitsche. Und mit einer Peitsche. Warum hat sich Nekrasov für dieses Folterinstrument entschieden?

Die Handlung des Gedichts entfaltet sich weniger im konkreten Alltag als vielmehr auf der symbolischen Ebene. Der Sennaja-Platz wurde nicht zufällig ausgewählt – es war der demokratischste Ort in der Hauptstadt. Und die Peitsche wurde zum Symbol beschämender und demütigender Bestrafung. Die Bauernmuse wird zum Symbol des gedemütigten und versklavten Russlands.

Auch das Bild einer Bäuerin wählte der Dichter nicht zufällig für seine Muse. Nekrasov ist ein Nationaldichter, er liebte Russland von ganzem Herzen, und Russland wurde immer mit einer Frau, mit einer Mutter in Verbindung gebracht. Darüber hinaus war die Stellung der Frauen in Russland, insbesondere der Bäuerinnen, schon immer rechtlos. Nekrasov schätzte die Geduld und den Stolz einer Frau sehr. Die gedemütigte und misshandelte Bauernmuse weint nicht, bittet nicht um Gnade. Sie erlebt stoisch Schmerz und Scham. Doch gerade diese stoische Geduld klingt wie eine gewaltige Anklage gegen eine Gesellschaft, in der grausamer und schändlicher Umgang mit Frauen die Norm war.

Das Bild einer gedemütigten, aber nicht vom Leid gebrochenen Bäuerin beschäftigte den Dichter während seines gesamten Schaffens. Das Bild einer Bäuerin wird in Gedichten wie „Hausierer“ und „Frost, rote Nase“ dargestellt. In jedem dieser Gedichte wird dem Leser eine starke weibliche Figur präsentiert, die in der Lage ist, alle Widrigkeiten des Lebens zu überstehen und mit erhobenem Kopf aus der demütigendsten Situation hervorzugehen.

Die lebhaftesten Reflexionen über die russische Frau spiegeln sich im Bild von Matrjona Timofejewna im Gedicht „Wer lebt gut in Russland?“ wider. Nekrasov sah in einer Frau nicht nur ein unterdrücktes und machtloses Wesen. Nicht unter dem Joch ihres Mannes, ihrer Schwiegermutter und dem ganzen schwierigen Schicksal der Bäuerin zu brechen, war nach Meinung von Nekrasov eine echte Leistung. Es ist kein Zufall, dass er über Matrjona folgende Zeilen schrieb: „In russischen Dörfern gibt es Frauen.“ Matryona verkörpert die besten Charaktereigenschaften einer russischen Frau. Er schafft das Bild einer „stattlichen slawischen Frau“, einer Bäuerin aus dem zentralrussischen Streifen, ausgestattet mit zurückhaltender und strenger Schönheit, erfüllt von Selbstwertgefühl. Die Geschichte über das Schicksal von Matrjona Timofejewna ist nicht nur eine Geschichte über ihr Schicksal. Die Stimme von Matryona ist die Stimme des gesamten Volkes, aller Bäuerinnen Russlands. Daher singt sie in dem Gedicht häufiger als sie erzählt, und sie singt Lieder, die Nekrasov nicht speziell für sie erfunden hat, sondern die er der Folklore entnommen hat.

Aber nicht nur einfache Bäuerinnen konnten zu Nekrasovs Musen werden. In den Gedichten „Prinzessin Trubetskaya“ und „Prinzessin Volkonskaya“ setzt der Dichter seine Gedanken über den Charakter einer russischen Frau fort. Doch nun werden hier Frauen aus dem Adelskreis verherrlicht, und es wird deutlich, dass nicht nur Bäuerinnen zu großen Taten fähig sind. Jede russische Frau ist bereit, für die Person, die sie liebt, alles zu tun, sie ist zu ihrem eigenen Glück und Wohlbefinden fähig. Die Heldinnen beider Gedichte leisten harte Arbeit, um ihre dekabristischen Ehemänner abzuholen. Ihre Charaktere reifen und werden durch Begegnungen und Zusammenstöße mit verschiedenen Menschen auf ihrer langen Reise stärker. Das psychologische Duell zwischen Prinzessin Trubetskoy und dem Gouverneur von Irkutsk ist voller intensiver Dramatik. Unterwegs wächst das Selbstbewusstsein von Prinzessin Volkonskaya.

Indem er über das Schicksal russischer Frauen nachdachte, machte Nekrasov seine Muse zu einer Frau mit starkem Geist, die in der Lage war, viele Härten ihres Schicksals zu ertragen, die niemals brechen oder vor ihren Unterdrückern niederknien würde.