„White Flock“ – ein Gefühl für das persönliche Leben als nationales, historisches Leben. „Weiße Herde“ – das Gefühl des Privatlebens als nationales, historisches Leben. Ich brauche meine Beine nicht mehr...

Mit dem Ausbruch des Ersten Weltkriegs schränkte Achmatowa ihr öffentliches Leben stark ein. Zu dieser Zeit litt sie an Tuberkulose, einer Krankheit, die sie lange Zeit nicht losließ. Die eingehende Lektüre der Klassiker (A. S. Puschkin, E. A. Baratynsky, Racine usw.) beeinflusst ihre poetische Art; der äußerst paradoxe Stil schneller psychologischer Skizzen weicht neoklassischen feierlichen Intonationen. Aufschlussreiche Kritiker erkennen in ihrer Sammlung „The White Flock“ (1917) ein wachsendes „Gefühl für das persönliche Leben als ein nationales, historisches Leben“. Indem sie in ihren frühen Gedichten eine Atmosphäre des „Geheimnisses“ und eine Aura des autobiografischen Kontexts erzeugt, führt Achmatowa den freien „Selbstausdruck“ als Stilprinzip in die hohe Poesie ein. Die scheinbare Fragmentierung, Desorganisation und Spontaneität der lyrischen Erfahrung wird immer deutlicher einem starken integrierenden Prinzip untergeordnet, was V. V. Mayakovsky Anlass zu der Feststellung gab: „Akhmatovas Gedichte sind monolithisch und halten dem Druck jeder Stimme stand, ohne zu brechen.“

Der dritte Band von Achmatowas Gedichten erschien im September 1917 im Hyperborey-Verlag mit einer Auflage von 2.000 Exemplaren. Sein Umfang ist deutlich größer als bei früheren Büchern – es gab 83 Gedichte in vier Abschnitten der Sammlung; Der fünfte Abschnitt war das Gedicht „Am Meer selbst“. 65 Gedichte des Buches wurden bereits veröffentlicht. Viele Kritiker bemerkten neue Züge in Achmatowas Poesie und die Stärkung von Puschkins Prinzipien darin. O. Mandelstam schrieb 1916 in einem Artikel: „Die Stimme der Entsagung wird in Achmatowas Gedichten immer stärker, und derzeit steht ihre Poesie kurz davor, eines der Symbole der Größe Russlands zu werden.“ Der Wendepunkt in Achmatowas Werk ist mit der Aufmerksamkeit für die Realität, für das Schicksal Russlands verbunden. Trotz der revolutionären Zeiten war die erste Auflage des Buches „The White Flock“ schnell ausverkauft. Die zweite erschien 1918 im Prometheus-Verlag. Vor 1923 erschienen zwei weitere Auflagen des Buches mit geringfügigen Änderungen und Ergänzungen.

Das Epigraph stammt aus dem Gedicht „Darling“ von I. Annensky.

Wenn man sich die Symbolik des Titels anschaut, sieht man, dass seine Grundbestandteile die Wörter „weiß“ und „herde“ sein werden. Schauen wir sie uns einzeln an.

Jeder weiß, dass Farben unser Denken und Fühlen beeinflussen. Sie werden zu Symbolen, dienen als Signale, die uns warnen, uns glücklich und traurig machen, unsere Mentalität prägen und unsere Sprache beeinflussen.

Weiß ist die Farbe der Unschuld und Reinheit. Weiße Farbe symbolisiert Reinheit der Gedanken, Aufrichtigkeit, Jugend, Unschuld und Unerfahrenheit. Eine weiße Weste verleiht dem Look Eleganz, während ein weißes Brautkleid Unschuld symbolisiert.

Ein Mensch, der sich zur Farbe Weiß hingezogen fühlt, strebt nach Perfektion, er ist ständig auf der Suche nach sich selbst. Weiße Farbe ist ein Symbol für eine kreative, fröhliche Natur.

In Russland ist Weiß die Lieblingsfarbe, es ist die Farbe des „Heiligen Geistes“. (Er steigt in Form einer weißen Taube auf die Erde herab.) Weiße Farbe ist in nationalen Kleidungsstücken und Ornamenten allgegenwärtig. Es ist auch marginal (das heißt, es symbolisiert den Übergang von einem Zustand in einen anderen: Tod und erneute Geburt für ein neues Leben). Dies wird durch das weiße Kleid der Braut, das weiße Leichentuch der Verstorbenen und weißen Schnee symbolisiert.

Aber weiße Farbe hat neben ihrer freudigen Seite auch ihre traurige Bedeutung. Weiß ist auch die Farbe des Todes. Nicht umsonst wird eine Jahreszeit wie der Winter in der Natur mit dem Tod in Verbindung gebracht. Der Boden ist wie ein Leichentuch mit weißem Schnee bedeckt. Der Frühling hingegen ist die Geburt eines neuen Lebens.

Das Symbol „Weiß“ spiegelt sich direkt in den Gedichten des Buches wider. Erstens ist Weiß die Farbe der Liebe für Achmatowa, die Verkörperung eines ruhigen Familienlebens im „Weißen Haus“. Als die Liebe obsolet wird, verlässt die Heldin das „weiße Haus und den ruhigen Garten“.

„Weiß“ als Personifikation von Inspiration und Kreativität spiegelt sich in den folgenden Zeilen wider:

Ich wollte ihr eine Taube schenken,

Derjenige, der weißer ist als alle anderen im Taubenschlag,

Aber der Vogel selbst flog

Für meinen schlanken Gast.

(„The Muse Gone Along the Road“, 1915, S. 77).

Die weiße Taube – ein Symbol der Inspiration – fliegt der Muse nach und widmet sich der Kreativität.

„Weiß“ ist auch die Farbe der Erinnerungen, der Erinnerung:

Wie ein weißer Stein in den Tiefen eines Brunnens,

Eine Erinnerung liegt in mir.

(„Wie ein weißer Stein in der Tiefe eines Brunnens“, 1916, S. 116).

Auch den Tag der Erlösung und des Paradieses bezeichnet Achmatowa in Weiß:

Das Tor hat sich in ein weißes Paradies aufgelöst,

Magdalena nahm ihren Sohn mit.

(„Wo, hoch, ist dein Zigeunerkind“, 1914, S. 100).

Das Bild eines Vogels (zum Beispiel einer Taube, einer Schwalbe, eines Kuckucks, eines Schwans oder eines Raben) ist zutiefst symbolisch. Und Achmatowa verwendet diese Symbolik. In ihrer Arbeit bedeutet „Vogel“ viele Dinge: Poesie, einen Geisteszustand, Gottes Bote. Ein Vogel ist immer die Verkörperung des freien Lebens; in Käfigen sehen wir eine erbärmliche Ähnlichkeit mit Vögeln, ohne sie am Himmel schweben zu sehen. Ebenso verhält es sich mit dem Schicksal eines Dichters: Die wahre innere Welt spiegelt sich in den Gedichten eines freien Schöpfers wider. Aber genau diese Freiheit fehlt im Leben immer.

Vögel leben selten allein, meist in Schwärmen, und ein Schwarm ist etwas Geeintes, Geeintes, Vielseitiges und Vielstimmiges.

Wenn wir uns die Symbolik des Titels von Achmatowas drittem Gedichtband ansehen, sehen wir, dass hier die zeitlichen und räumlichen Schichten durch nichts begrenzt sind. Es gibt einen Austritt aus dem Kreis, eine Trennung vom Ausgangspunkt und der beabsichtigten Linie.

Somit ist die „weiße Herde“ ein Bild, das eine Veränderung der räumlichen Zeit, der Einschätzungen und Ansichten anzeigt. Er (das Bild) erklärt aus der Vogelperspektive eine Position „über“ allen und allem.

Während des Schreibens der ersten beiden Bücher war der Autor in die Ereignisse der umgebenden Realität einbezogen und befand sich mit ihnen in derselben räumlichen Dimension. In „The White Flock“ erhebt sich Achmatowa über die Realität und versucht wie ein Vogel, mit ihrem Blick einen riesigen Raum und den größten Teil der Geschichte ihres Landes abzudecken; sie bricht aus den mächtigen Fesseln irdischer Erfahrungen aus.

„The White Flock“ ist eine Sammlung von Gedichten unterschiedlicher Ausrichtung: Dies sind Zivillyrik und Liebesgedichte; Es enthält auch das Thema des Dichters und der Poesie.

Das Buch beginnt mit einem Gedicht zu einem bürgerlichen Thema, in dem tragische Töne zu spüren sind (ähnlich dem Epigraph, aber in größerem Maßstab). („Wir dachten: Wir sind Bettler, wir haben nichts“, 1915)

In „The White Flock“ ist es Polyphonie, Polyphonie, die zum charakteristischen Erkennungsmerkmal des lyrischen Bewusstseins des Dichters wird. Achmatowas Suche war religiöser Natur. Damals kam es ihr so vor, als könne sie ihre Seele nur retten, indem sie das Schicksal vieler „Bettler“ teilte.

Im dritten Buch „White Flock“ verwendet Achmatowa die Bedeutungen der Wörter „weiß“, „Herde“ und „Vogel“ im traditionellen Sinne und fügt Bedeutungen hinzu, die für sie einzigartig sind.

„The White Flock“ ist ihre Poesie, ihre auf Papier gegossenen Gedichte, Gefühle, Stimmungen.

Der weiße Vogel ist ein Symbol für Gott und seine Boten.

Ein Vogel ist ein Indikator für den normalen Verlauf des Lebens auf der Erde.

„Weiße Herde“ ist ein Zeichen der Gemeinschaft, der Verbundenheit mit anderen.

Die „weiße Herde“ ist eine Höhe, ein Flug über die sterbliche Erde, ein Verlangen nach dem Göttlichen.

„WEISSE Herde“.

Das dritte von Achmatowa veröffentlichte Buch war „The White Flock“.
„Im Jahr 1916, am Vorabend der Veröffentlichung von The White Flock, schrieb Osip Mandelstam in einer Rezension der Gedichtsammlung Almanac of the Muses: „In Akhmatovas letzten Gedichten gab es einen Wendepunkt hin zu hieratischer Bedeutung, religiöser Einfachheit und Feierlichkeit: Ich würde sagen, nach der Frau war die Frau an der Reihe. Denken Sie daran: „Eine bescheidene, schäbig gekleidete, aber majestätisch aussehende Frau.“ Die Stimme der Entsagung wird in Achmatowas Gedichten immer stärker, und derzeit steht ihre Poesie kurz davor, zu einem der Symbole der Größe Russlands zu werden.“44
„The White Flock“ wurde im September 1917 veröffentlicht. In allen wenigen Rezensionen zum dritten Buch des Dichters, die aufgrund der schwierigen Zeiten entstanden, wurde der stilistische Unterschied zwischen den ersten beiden festgestellt.
A. L. Slonimsky sah in den Gedichten, aus denen „Die weiße Herde“ bestand, eine „neue vertiefte Wahrnehmung der Welt“, die seiner Meinung nach mit der Vorherrschaft des spirituellen Prinzips über das „Sinnliche“ im dritten Buch verbunden war und, so der Kritiker, in „einer Art Puschkin-ähnlicher Sicht von außen“45.
Ein anderer prominenter Kritiker, K. V. Mochulsky, glaubt, dass der „scharfe Wendepunkt in Achmatows Schaffen“ mit der großen Aufmerksamkeit des Dichters für die Phänomene der russischen Realität von 1914 bis 1917 zusammenhängt: „Der Dichter lässt den Kreis intimer Erfahrungen weit hinter sich, die.“ Die Behaglichkeit des „dunkelblauen Zimmers“, ein Ball aus vielfarbiger Seide voller wechselhafter Stimmungen, exquisiter Emotionen und skurriler Melodien. Er wird strenger, härter und stärker. Er geht hinaus in den offenen Himmel – und aus dem salzigen Wind und der Steppenluft seine Stimme wächst und wird stärker. Bilder des Vaterlandes tauchen in seinem poetischen Repertoire auf, dumpfes Echo hallt vom Kriegslärm wider, das leise Flüstern des Gebets ist zu hören.“46. Die künstlerische Verallgemeinerung wird in diesem Buch auf typische Bedeutung gebracht.
Wenn man sich die Symbolik des Titels anschaut, sieht man, dass seine Grundbestandteile die Wörter „weiß“ und „herde“ sein werden. Schauen wir sie uns einzeln an.
Jeder weiß, dass Farben unser Denken und Fühlen beeinflussen. Sie werden zu Symbolen, dienen als Signale, die uns warnen, uns glücklich und traurig machen, unsere Mentalität prägen und unsere Sprache beeinflussen.
Weiß ist die Farbe der Unschuld und Reinheit. Weiße Farbe symbolisiert Reinheit der Gedanken, Aufrichtigkeit, Jugend, Unschuld und Unerfahrenheit. Eine weiße Weste verleiht dem Erscheinungsbild Raffinesse, ein weißes Kleid der Braut bedeutet Unschuld, weiße Flecken auf einer geografischen Karte - Unwissenheit und das Unbekannte. In der Werbung wird der Begriff der Sauberkeit oft in funkelnden schneeweißen Fliesen verkörpert. Ärzte tragen weiße Kittel. Ein Mensch, der sich zur Farbe Weiß hingezogen fühlt, strebt nach Perfektion, er ist ständig auf der Suche nach sich selbst. Weiße Farbe ist ein Symbol für eine kreative, fröhliche Natur.
In Russland ist Weiß die Lieblingsfarbe, es ist die Farbe des „Heiligen Geistes“. (Er steigt in Form einer weißen Taube auf die Erde herab.) Weiße Farbe ist in nationalen Kleidungsstücken und Ornamenten allgegenwärtig. Es ist auch marginal (das heißt, es symbolisiert den Übergang von einem Zustand in einen anderen: Tod und erneute Geburt für ein neues Leben). Dies wird durch das weiße Kleid der Braut, das weiße Leichentuch der Verstorbenen und weißen Schnee symbolisiert.
Aber weiße Farbe hat neben ihrer freudigen Seite auch ihre traurige Bedeutung. Weiß ist auch die Farbe des Todes. Nicht umsonst wird eine Jahreszeit wie der Winter in der Natur mit dem Tod in Verbindung gebracht. Der Boden ist wie ein Leichentuch mit weißem Schnee bedeckt. Der Frühling hingegen ist die Geburt eines neuen Lebens.
Das Symbol „Weiß“ spiegelt sich direkt in den Gedichten des Buches wider. Erstens ist Weiß die Farbe der Liebe für Achmatowa, die Verkörperung eines ruhigen Familienlebens im „Weißen Haus“. Als die Liebe obsolet wird, verlässt die Heldin das „weiße Haus und den ruhigen Garten“.
„Weiß“ als Personifikation von Inspiration und Kreativität spiegelt sich in den folgenden Zeilen wider:
Ich wollte ihr eine Taube schenken,
Derjenige, der weißer ist als alle anderen im Taubenschlag,
Aber der Vogel selbst flog
Für meinen schlanken Gast.
(„The Muse Gone Along the Road“, 1915, S. 77).
Die weiße Taube – ein Symbol der Inspiration – fliegt der Muse nach und widmet sich der Kreativität.
„Weiß“ ist auch die Farbe der Erinnerungen, der Erinnerung:
Wie ein weißer Stein in den Tiefen eines Brunnens,
Eine Erinnerung liegt in mir.
(„Wie ein weißer Stein in der Tiefe eines Brunnens“, 1916, S. 116).
Oder:
Und gehen Sie am Gedenktag auf den Friedhof
Ja, schauen Sie sich Gottes weißen Flieder an.
(„Es wäre besser, wenn ich fröhlich Lieder schreie“, 1914, S. 118).
Auch den Tag der Erlösung und des Paradieses bezeichnet Achmatowa in Weiß:
Das Tor hat sich in ein weißes Paradies aufgelöst,
Magdalena nahm ihren Sohn mit.
(„Wo, hoch, ist dein Zigeunerkind“, 1914, S. 100).
Das Bild eines Vogels (zum Beispiel einer Taube, einer Schwalbe, eines Kuckucks, eines Schwans oder eines Raben) ist zutiefst symbolisch. Und Achmatowa verwendet diese Symbolik. In ihrer Arbeit bedeutet „Vogel“ viele Dinge: Poesie, einen Geisteszustand, Gottes Bote. Ein Vogel ist immer die Verkörperung des freien Lebens; in Käfigen sehen wir eine erbärmliche Ähnlichkeit mit Vögeln, ohne sie am Himmel schweben zu sehen. Ebenso verhält es sich mit dem Schicksal eines Dichters: Die wahre innere Welt spiegelt sich in den Gedichten eines freien Schöpfers wider. Aber genau diese Freiheit fehlt im Leben immer.
Vögel leben selten allein, meist in Schwärmen, und ein Schwarm ist etwas Geeintes, Geeintes, Vielseitiges und Vielstimmiges. Wenn wir uns an die ersten beiden Bücher erinnern („Abend“, „Rosenkranz“), dann sind die Hauptsymbole: erstens ein Punkt (da „Abend“ die Personifikation des Anfangs oder umgekehrt des Endes ist, ein bestimmter Ausgangspunkt ), zweitens Linie (Rosenkranz in Form eines „Lineals“), drittens Kreis (Rosenkranzperlen) und viertens Spirale (Synthese aus Linie und Kreis). Das heißt, es handelt sich um Symbole für etwas, das entweder durch eine bestimmte Bewegungs-, Raum- oder Zeitbahn oder durch alles gleichzeitig begrenzt ist.
Wenn wir uns die Symbolik des Titels von Achmatowas drittem Gedichtband ansehen, sehen wir, dass hier die zeitlichen und räumlichen Schichten durch nichts begrenzt sind. Es gibt einen Austritt aus dem Kreis, eine Trennung vom Ausgangspunkt und der beabsichtigten Linie.
Somit ist die „weiße Herde“ ein Bild, das auf eine Veränderung des Raum-Zeit-Kontinuums, der Einschätzungen und Ansichten hinweist. Er (das Bild) erklärt aus der Vogelperspektive eine Position „über“ allen und allem.
Während des Schreibens der ersten beiden Bücher war der Autor in die Ereignisse der umgebenden Realität einbezogen und befand sich mit ihnen in derselben räumlichen Dimension. In „The White Flock“ erhebt sich Achmatowa über die Realität und versucht wie ein Vogel, mit ihrem Blick einen weiten Raum und den größten Teil der Geschichte ihres Landes zu erfassen; sie bricht aus den mächtigen Fesseln irdischer Erfahrungen aus.
Beginnen wir mit der Analyse der Symbolik des Buchtitels und der Suche nach intratextuellen Assoziationen mit dem Epigraph. Es ist dem Gedicht „Darling“ von I. Annensky entnommen:
Ich brenne und die Straße ist nachts hell.
Dieses Gedicht basiert auf einer Handlung, die von der kriminellen Befreiung von der Frucht außerehelicher Liebe erzählt.
Die Zeile, die zum Epigraph wurde, erhält im Kontext von „The White Flock“ eine andere, verallgemeinernde Bedeutung. Annensky zeigt die persönliche Tragödie eines Menschen, die Trauer einer bestimmten Frau; Für Achmatowa ist es das Drama eines riesigen Landes, in dem, wie es ihr scheint, „die Stimme des Menschen“ niemals erklingen wird und „nur der Wind der Steinzeit an die schwarzen Tore klopft“.
„The White Flock“ ist eine Sammlung von Gedichten unterschiedlicher Ausrichtung: Es handelt sich um Zivillyrik und Liebesgedichte; Es enthält auch das Thema des Dichters und der Poesie.
Das Buch beginnt mit einem Gedicht über ein ziviles Thema, in dem tragische Töne zu spüren sind (ebenso wie das Epigraph, aber in größerem Maßstab):
Wir dachten: Wir sind Bettler, wir haben nichts,
Und wie sie anfingen, einen nach dem anderen zu verlieren,
Was passierte also jeden Tag?
An einem Gedenktag, -
Wir fingen an, Lieder zu komponieren
Über die große Großzügigkeit Gottes
Ja, über unseren früheren Reichtum.
(„Wir dachten: Wir sind Bettler, wir haben nichts“, 1915, S. 73).
Ein wichtiges inhaltliches Moment von „The White Flock“ war, wie oben erwähnt, eine Veränderung im ästhetischen Bewusstsein des Dichters. In der Praxis beeinflusste es die Entwicklung des Charakters der lyrischen Heldin Achmatowa. Die individuelle Existenz verschmilzt im dritten Buch mit dem Leben der Menschen und steigt zu ihrem Bewusstsein auf. Ich bin nicht allein, wir sind es nicht – du und ich, aber wir sind alle, wir sind eine Herde. (Vergleiche: „Abend“ – „mein Gebet“; „Rosenkranz“ – „mein und dein Name“; „Weiße Herde“ – „unsere Stimmen“).
In „The White Flock“ ist es die Polyphonie, die Polyphonie, die zum charakteristischen Erkennungsmerkmal des lyrischen Bewusstseins des Dichters wird. Achmatowas Suche war religiöser Natur. Damals kam es ihr so vor, als könne sie ihre Seele nur retten, indem sie das Schicksal vieler „Bettler“ teilte.
Das Thema der Bettler tauchte in Achmatowas Gedichten in den letzten Jahren vor dem Ersten Weltkrieg auf. Die Stimmen von Bettlern erklangen in der Außenwelt, und die Heldin ihrer Gedichte selbst setzte sich vorübergehend die Maske einer Bettlerin auf.
Das Buch „The White Flock“ „eröffnet mit einem Choreinstieg, der den ruhigen Triumph der Neuheit der erworbenen Erfahrung demonstriert“47. „Jeder Tag ist ein Tag des Krieges, der immer neue Opfer fordert. Und Achmatowa empfand den Krieg als den größten nationalen Kummer. Und in Zeiten der Prüfung verwandelte sich der Chor der Bettler in einen Chor der Zeitgenossen des Dichters, aller Menschen, unabhängig davon.“ soziale Zugehörigkeit.“ Für Achmatowa in einem neuen Buch Das Wichtigste ist die geistige Einheit des Volkes angesichts eines schrecklichen Feindes. Von welchem Reichtum spricht der Dichter hier? Natürlich am allerwenigsten, wenn es um materielle Dinge geht. Armut ist die Kehrseite des spirituellen Reichtums.“48 Das „Wir“ des Chors drückt in „The White Flock“ eine Art populäre Sicht auf das Geschehen um ihn herum aus. Bei der Komposition des gesamten Buches fungiert der Chor als Aktivist Charakter.
Auch das erste Gedicht enthält ein Todesmotiv und das Thema Erinnerung.
Das Bild des Todes erscheint deutlicher und mit noch größerer Kraft in dem Gedicht „May Snow“, aus dem der dritte Abschnitt des Buches hervorgeht. Hier können Sie Schluchzergeräusche hören und die Stimmung der Traurigkeit spüren:
Ein durchsichtiger Schleier fällt
Auf frischem Rasen und schmilzt unmerklich dahin.
Grausamer, eisiger Frühling
Es tötet verstopfte Knospen ab.
Und der frühe Tod ist so ein schrecklicher Anblick,
Dass ich nicht auf Gottes Welt schauen kann.
Ich bin traurig, dass König David
Königlich verliehene Jahrtausende.
(„May Snow“, 1916, S. 95).
Die letzten Zeilen des Gedichts sowie das Epigraph dazu verweisen uns auf die Heilige Schrift. Das Bild von König David erscheint, berühmt für seine Lieder zur Ehre Gottes. Das Epigraph zum Gedicht „May Snow“ verweist auf folgende Zeilen aus dem Psalter: „Ich bin müde von meinen Seufzern: Jede Nacht wasche ich mein Bett, mit meinen Tränen mache ich mein Bett nass“ (Psalm. Psalm VI, 7). Hier begegnet uns das Wort „Nacht“ (wie im Epigraph des gesamten Buches).
Die Nacht ist die Tageszeit, in der er normalerweise sich selbst überlassen bleibt; wenn er allein ist, wird ihm Zeit gegeben, nachzudenken, über seine Probleme zu weinen und sich über seine Erfolge zu freuen. Die Nacht ist auch die Zeit heimlicher Gräueltaten.
Im Kontext von Achmatowas Buch nimmt Trauer, wie bereits gesagt, enorme Ausmaße an. Aber dieser Kummer ist heilig, da er von Gott als Strafe für Sünden vorgegeben ist. Und vielleicht ist die Nacht für Achmatowa der dunkle, schreckliche Weg, den sowohl das Land als auch die Heldin gehen müssen, nachdem sie einen Segen erhalten haben.
Wir sehen, dass die Stimmung der beiden Epigraphen den Grundton der Stimmung der Heldin und des Buches als Ganzes bestimmt: Traurigkeit, Trauer, Untergang und Vorherbestimmung.
Im Gedicht „May Snow“ stoßen wir auf eine der traditionellen Interpretationen der Bedeutung von Weiß – es ist die Farbe des Todes. Der Mai ist eine Zeit, in der die Natur voller Leben ist und ein plötzlich und vorzeitig fallender weißer „transparenter Schleier“ sie zum Tode verurteilt.
Wir finden Weiß als Symbol für Licht und Schönheit in Gedichten, die der Liebe und Erinnerungen an einen geliebten Menschen gewidmet sind:
Ich werde dein weißes Haus und deinen ruhigen Garten verlassen.
Lass das Leben verlassen und hell sein.
Ich werde dich in meinen Gedichten verherrlichen,
Wie eine Frau nicht verherrlichen konnte.
(„Ich werde dein weißes Haus und deinen ruhigen Garten verlassen“, 1913, S. 73).
Neben dem Liebesthema ist in diesem Gedicht auch das Thema des Dichters und der Poesie zu hören.
Aber manchmal gerät Liebe in Konflikt mit Kreativität. Für Akhmatova, Poesie, sind ihre Gedichte ein „weißer Vogel“, ein „fröhlicher Vogel“, eine „weiße Herde“. Alles für Ihre Liebsten:
Alles für dich: und tägliches Gebet,
Und die schmelzende Hitze der Schlaflosigkeit,
Und meine Gedichte sind eine weiße Herde,
Und meine Augen sind blaues Feuer.
(„Ich weiß nicht, ob du lebst oder tot bist“, 1915, S. 110).
Doch der Liebhaber teilt nicht die Interessen der Heldin. Er stellt sie vor die Wahl: entweder Liebe oder Kreativität:
Er war eifersüchtig, ängstlich und sanft,
Wie Gottes Sonne mich liebte,
Und damit sie nicht über die Vergangenheit singt,
Er hat meinen weißen Vogel getötet.

Als er bei Sonnenuntergang das kleine Zimmer betrat, sagte er:
„Lieb mich, lache, schreibe Gedichte!“
Und ich habe den lustigen Vogel begraben
Hinter dem runden Brunnen in der Nähe der alten Erle.
(„Er war eifersüchtig, ängstlich und zärtlich“, 1914, S. 75).
Dieses Gedicht klingt nach dem Motiv des Verbots durch Erlaubnis. Nachdem Achmatowa den „fröhlichen Vogel“ begraben hat, verbirgt sie höchstwahrscheinlich für einige Zeit in den Tiefen ihrer Seele den Durst, Gedichte zu schaffen und zu schreiben.
Sie stellt den Helden auf die Probe (gibt ihm die Freiheit von den Fesseln der Leidenschaft). Er geht, kommt aber wieder zurück:
Ich habe meinen Anteil gewählt
An den Freund meines Herzens:
Ich lasse dich frei
Zu seiner Verkündigung.
Ja, die graue Taube ist zurückgekehrt,
Schlägt mit den Flügeln gegen das Glas.
Wie der Glanz eines wundersamen Gewandes
Im oberen Raum wurde es hell.
(„Ich habe meinen Anteil selbst gewählt“, 1915, S. 107).
Der Dichter kleidet seine Geliebte in das Gefieder einer Felsentaube, eines gewöhnlichen Vogels – Achmatowa idealisiert ihre Geliebte nicht, er ist ein gewöhnlicher Mensch.
Im Alltag zeigt die Anwesenheit von Vögeln in der Natur, dass nichts den normalen Ablauf stört. Die Vögel singen – das bedeutet, dass alles in Ordnung ist und es keine Probleme gibt. Wenn sie schweigen, bedeutet das, dass etwas entweder bereits passiert ist oder bald passieren wird: ein Unglück, eine Tragödie. In diesem Fall sind Vögel ein Indikator für Normalität
Fluss des Lebens. Für Achmatowa klingt es so:
Es riecht nach Brennen. Vier Wochen
Der trockene Torf in den Sümpfen brennt.
Nicht einmal die Vögel haben heute gesungen
Und die Espe zittert nicht mehr.
(„Juli 1914“, 1914, S. 96).
Zeit ihres Lebens war A. S. Puschkin Achmatowas Lehrer für Kürze, Einfachheit und Authentizität des poetischen Wortes. Er war es, der ihr das Bild der Muse vorschlug, die die Verkörperung von Achmatowas Bewusstsein sein würde. Das Bild der Muse zieht sich durch all ihre Arbeiten – eine Freundin, Schwester, Lehrerin und Trösterin. In Achmatowas Gedichten ist die Muse realistisch; sie nimmt oft eine menschliche Gestalt an – „ein schlanker Gast“, „dunkel“.
Das Bild des Vogels hängt vom Seelenzustand der Dichterin, von ihren Wünschen und Bestrebungen ab. Aber manchmal ist es nicht immer die gerechte Realität, Zwietracht mit einem geliebten Menschen, die ihre Spuren hinterlässt. Zum Beispiel:
Rede ich mit dir?
Im scharfen Schrei der Greifvögel,
Schaue ich dir nicht in die Augen?
Von weißen, matten Seiten.
(„Ich sehe, ich sehe den Mondbogen“, 1914, S. 101).
Oder:
So verwundeter Kranich
Andere rufen: Kurly, Kurly!
Wenn die Felder im Frühling sind
Sowohl locker als auch warm...
(„The So Wounded Crane“, 1915, S. 103).
Oder:
Darum ist es dunkel im Zimmer,
Deshalb meine Freunde
Wie der Abend, traurige Vögel,
Sie singen über Liebe, die es nie gab.
(„Ich wurde weder spät noch früh geboren“, 1913, S. 117).
Achmatowas Vogel ist auch ein Indikator für die Stimmung der Heldin, den Zustand ihrer Seele.
Achmatowa weicht in diesem Buch nicht von der traditionellen Interpretation des Bildes eines weißen Vogels als Gottesbote, eines Engels mit weißen Flügeln, ab:
Die Strahlen der Morgendämmerung brennen bis Mitternacht.
Wie gut ist es in meinem engen Gefängnis!
Über das Zärtlichste, über das Immer Wunderbare
Gottes Vögel sprechen zu mir.
(„Die Immortelle ist trocken und rosa. Wolken“, 1916, S. 94).
Oder:
Wir erinnern uns nicht, wo wir geheiratet haben,
Aber diese Kirche glänzte
Mit diesem hektischen Strahlen,
Was nur Engel können
Bringen Sie weiße Flügel mit.
(„Lass uns zusammen sein, Liebling, zusammen“, 1915, S. 105).
Oder:
Der Himmel sät einen feinen Regen
Auf dem blühenden Flieder.
Vor dem Fenster wehen Flügel
Weißer, weißer Geistertag.
(„Der Himmel sät einen schönen Regen“, 1916, S. 113).
Für Achmatowa ist Gott das höchste Wesen, eine unbewegliche Hypostase, der alles unterworfen ist. Und im letzten Gedicht des Buches verkündet sie, hoch über der Erde schwebend, Folgendes:
O. Es gibt einzigartige Wörter,
Wer auch immer gesagt hat, dass sie zu viel ausgegeben haben.
Nur Blau ist unerschöpflich
Himmlisch und die Barmherzigkeit Gottes.
(„Oh, es gibt einzigartige Wörter.“ 1916, S. 120).
Dies ist ein Gedicht philosophischer Natur. Nachdem Achmatowa zu Beginn des Buches zu einer der Stimmen des Chores geworden war, vereint sie sich am Ende ihrer lyrischen Heldin mit dem gesamten Universum.

So verwendet Achmatowa im dritten Buch „Die weiße Herde“ die Bedeutungen der Wörter „weiß“, „Herde“ und „Vogel“ im traditionellen Sinne und fügt Bedeutungen hinzu, die für sie einzigartig sind.
„The White Flock“ ist ihre Poesie, ihre auf Papier ausgegossenen Gedichte, Gefühle, Stimmungen.
Der weiße Vogel ist ein Symbol für Gott und seine Boten.
Ein Vogel ist ein Indikator für den normalen Verlauf des Lebens auf der Erde.
„Weiße Herde“ ist ein Zeichen der Gemeinschaft, der Verbundenheit mit anderen.
Die „weiße Herde“ ist eine Höhe, ein Flug über die sterbliche Erde, ein Verlangen nach dem Göttlichen.

Poetische Originalität

A.A. Akhmatova (am Beispiel der beiden Kollektionen „Rosary“ und „White Flock“.

Einführung. 3

1. Merkmale des Stils und der Zusammensetzung der frühen Sammlungen von Achmatowa. 5

2. Folkloretraditionen in den frühen Sammlungen von Anna Achmatowa. 12

Abschluss. 21

Liste der verwendeten Literatur... 23

Einführung

„Anna Akhmatovas Poesie wirkt scharf und zerbrechlich, weil ihre Wahrnehmungen so sind<... >". Mit diesen Worten von M. Kuzmin aus dem Vorwort zum Gedichtband „Abend“ begannen bis heute unaufhörliche Versuche der Literaturkritik, die „Geheimnisse des Handwerks“ von Anna Achmatowa zu verstehen. Zwei Bücher ihrer Gedichte „Der Abend“ (1912) und „Der Rosenkranz“ wurden nacheinander veröffentlicht. (1914) und wenig später der dritte – „Die weiße Herde“ (1917) sorgte nicht nur für Gesprächsstoff über das Erscheinen besonderer, „ „weibliche“ Poesie zu Beginn des Jahrhunderts, machte aber auch das Jahrzehnt selbst zu Achmatowas Zeit. Eine reiche Auswahl an Zeitungs- und Zeitschriftenrezensionen und mehrere ernsthafte Forschungsarbeiten des nächsten Jahrzehnts: Dies ist ein Zeichen für großes Interesse am Werk von Anna Achmatowa , die der Zeit der offiziellen Verunglimpfung oder Unterdrückung ihrer Werke vorausging.

Mit dem Beginn des „Tauwetters“ Ende der 50er und Anfang der 60er Jahre, nach der „zweiten Geburt“ der Dichterin Anna Achmatowa, traten ihre frühen Texte stillschweigend in den Hintergrund und befanden sich im Schatten ihrer späteren Meisterwerke, vor allem „Gedichte“. ohne einen Helden.“ Vielleicht spielte bei dieser Wendung auch Achmatowas Einschätzung ihrer eigenen frühen Texte eine Rolle, die sie in diesen Jahren geäußert hatte: „Diese armen Gedichte des leersten Mädchens ...“. Diese Worte von Anna Andreevna sollten jedoch nicht als bestimmend für die Einstellung zu ihren ersten Büchern angesehen werden. Damit wolle sie dem „Dauervermauerungswillen“ der Kritiker vorbeugen<ее>in den 10er Jahren.“ Als äußerst strenge und anspruchsvolle Richterin sich selbst gegenüber versuchte Achmatowa, die tiefgreifenden Veränderungen in ihrer Weltanschauung und poetischen Art hervorzuheben, die in den folgenden „schrecklichen Jahren“ stattfanden – „Ich, wie ein Fluss, / Die harte Ära wendete sich.“ " .

Mittlerweile kann man nicht umhin zu bemerken, dass viele der künstlerischen Errungenschaften Anna Achmatowas in den 30er und frühen 60er Jahren eine natürliche Weiterentwicklung ihrer frühen kreativen Bemühungen waren, weshalb das Studium der frühen Texte Achmatowas für ein tieferes Verständnis ihrer späteren Werke sehr relevant ist. Nur wenn man die einzigartige Originalität aller in den 1910er Jahren geschaffenen Werke erkennt, kann man die erstaunliche Integrität und Tiefe des Erbes des Künstlers richtig interpretieren und in den ersten Schritten die Ursprünge eines reifen Meisters erkennen.

Ziel dieser Arbeit ist es, zwei der frühen Sammlungen („Rosary“ und „White Flock“) zu betrachten und ihre poetische Originalität zu erforschen.

Im Zusammenhang mit diesem Ziel können folgende Aufgaben formuliert werden:

Betrachten Sie die Stilmerkmale von Achmatowas frühen Texten.

Studieren Sie die Originalität der Komposition des Gedichts, verfolgen Sie die Veränderung im Charakter der lyrischen Heldin, die Erweiterung der Themen;

Heben Sie folkloristische Motive in Achmatowas frühen lyrischen Werken hervor.

Der Beginn des 20. Jahrhunderts war durch das Auftauchen zweier weiblicher Namen in der russischen Literatur gekennzeichnet, neben denen das Wort „Dichterin“ unangemessen erscheint, da Anna Achmatowa und Marina Zwetajewa Dichterinnen im höchsten Sinne des Wortes sind. Sie haben bewiesen, dass „Frauenpoesie“ nicht nur „Gedichte für ein Album“ ist, sondern auch ein prophetisches, großes Wort, das die ganze Welt umfassen kann. In Achmatowas Gedichten wurde eine Frau größer, reiner und weiser. Ihre Gedichte lehrten Frauen, der Liebe würdig, gleich in der Liebe, großzügig und aufopferungsvoll zu sein. Sie lehren Männer, nicht auf „Liebesgeschwätz“ zu hören, sondern auf ebenso heiße wie stolze Worte.

Achmatowas Poesie fasziniert mich durch ihre Gefühlstiefe und zugleich durch ihren Inhalt. Dieses Phänomen in der russischen Poesie erfordert besondere Aufmerksamkeit. Das Studium der frühen poetischen Werke Achmatowas ist relevant, da in dieser Zeit ihr einzigartiger poetischer Stil entstand. Da diese Gedichte außerdem von einem jungen Mädchen geschrieben wurden (Akhmatova war zum Zeitpunkt des Verfassens dieser Sammlungen 22 bis 25 Jahre alt), bin ich außerdem daran interessiert, die Denkweise und die Besonderheiten der Gefühle einer Frau aus einem anderen Jahrhundert zu verstehen.

1. Merkmale des Stils und der Zusammensetzung der frühen Sammlungen von Achmatowa

Das Hauptmerkmal der frühen Sammlungen Achmatowas ist ihre lyrische Ausrichtung. Ihr Hauptthema ist die Liebe, ihre Heldin ist eine lyrische Heldin, deren Leben sich auf ihre Gefühle konzentriert. Dies unterscheidet Achmatovas frühe Sammlungen von ihren späteren Texten und lässt sie im Vergleich zu den Gedichten etwas „schattiert“ werden. Dennoch sind Achmatowas frühe Sammlungen erfüllt vom Charme und der Kraft des ersten Gefühls, vom Schmerz der Enttäuschung und von der Qual, über die Dualität der menschlichen Natur nachzudenken.

In der Sammlung „Rosary“ (1914) ist die lyrische Heldin eine zurückhaltende, sanfte, stolze Frau – dieser Unterschied zur Heldin der Sammlung „Evening“, ungestüm, leidenschaftlich, ist besonders auffällig. Für ein reifes Mädchen ist Liebe ein dichtes Netzwerk, das keine Ruhe gibt. Der Gemütszustand der Heldin wird durch ausdrucksstarke farbige künstlerische Details vermittelt: „Goldstaub“, „farbloses Eis“.

In den Gedichten dieser Zeit klingt der Protest der Heldin („Ah! Du bist es wieder“):

Du fragst, was ich dir angetan habe

Liebe und Schicksal haben es mir für immer anvertraut.

Ich habe dich betrogen!

Ihr Charakter offenbart Größe und Autorität. Die lyrische Heldin erklärt ihre Auserwähltheit. In Akhmatovas Gedichten tauchen für sie neue Motive auf – Autorität und sogar weltliche Weisheit, die es einem ermöglicht, einen Heuchler zu fangen:

...Und vergebens die Worte der Unterwürfigkeit

Du redest von der ersten Liebe.

Woher weiß ich, dass diese hartnäckig sind

Deine unzufriedenen Blicke!

In dieser Sammlung klingt jedoch Lermontovs „Beleidigung“: „Ich bitte nicht um deine Liebe...“ – „Ich werde mich vor dir nicht demütigen...“ (Lermontov). Akhmatovas lyrische Heldin wird erwachsen – jetzt gibt sie sich selbst die Schuld an der Tragödie der Liebe und sucht nach dem Grund für die Trennung. Jetzt denkt Achmatowa, dass „die Herzen vor Glück und Ruhm hoffnungslos heruntergekommen sind“. In den Gedichten gibt es keine Klage, aber ein Staunen: Wie kann mir das passieren? Laut Akhmatova ist Liebe ein Fegefeuer und zeigt daher die subtilsten Gefühlsnuancen.

Die Gedichte dieser Zeit stehen der Kreativität des Volksliedes nahe und sind aphoristisch: „Wie viele Wünsche hat der Geliebte immer? // Wer sich entliebt hat, hat keine Wünsche …“; „Und der, der jetzt tanzt // wird bestimmt in der Hölle sein“; „Verlassen! Ein erfundenes Wort // Bin ich eine Blume oder ein Buchstabe?“.

Die Sammlung „The White Flock“ (1917) entstand in einer schwierigen Zeit – sowohl für die Dichterin als auch für Russland. Achmatowa selbst sagt über ihn: „Leser und Kritiker sind diesem Buch gegenüber unfair.“ Achmatowas Heldin wird erwachsen, wird erwachsen, erwirbt neue Werte im Leben: „Lass mich der Welt geben // Das, was unvergänglicher ist als die Liebe.“ Sie ist bereits weiser, schätzt die neu gewonnene Freiheit des Gefühls und der Kreativität. Nun bricht die lyrische Heldin aus der Welt der innigen, verschlossenen Liebe in die wahre, große Liebe aus. Die innere Welt einer liebenden Frau dehnt sich auf eine globale, universelle Ebene aus, und daher umfasst die Welt von Akhmatovas Gedichten die Liebe zu den Menschen, zum Heimatland, zum Mutterland. Patriotische Motive werden immer deutlicher:

Sieg über das Schweigen.

Immer noch in mir, wie ein Lied oder Trauer,

Der letzte Winter vor dem Krieg.

Weißer als die Gewölbe der Smolny-Kathedrale,

Geheimnisvoller als der üppige Sommergarten,

Sie war. Das wussten wir nicht so schnell

Lasst uns in großer Trauer zurückblicken.

Akhmatovas visuelle Meisterschaft in diesen Gedichten wird durch den dramatischen Vergleich unvergleichlicher Konzepte (wie ein Lied oder Trauer), den Vergleich der Jahreszeit mit dem unendlich geliebten St. Petersburg unterstrichen, da das Leitmotiv die Idee des ist Unwiderruflichkeit der Vergangenheit, Sehnsucht nach der Vergangenheit. Die Gedichte dieser Zeit sind vom Psychologismus geprägt. Die Dichterin drückt ihre Gefühle durch ein spezifisches psychologisches Detail aus: „Das Schweigen der Liebe schmerzt unerträglich für die Seele ...“ Der Schmerz des Verlustes hat nicht nachgelassen, aber jetzt ist er wie ein Lied. Für Achmatowa ist die Liebe die „fünfte Jahreszeit“.

Und im Gedicht „Die Muse verließ die Straße ...“ ist das Todesmotiv deutlich zu hören:

Ich habe sie lange gefragt

Warte mit mir auf den Winter,

Aber sie sagte: „Schließlich ist hier ein Grab,

Wie kann man noch atmen? "

Die lyrischen Werke von Anna Achmatowa zeichnen sich trotz ihrer scheinbaren Klarheit und Einfachheit oft durch die Komplexität und Unsicherheit der Komposition aus. In Akhmatovas Texten gibt es mehrere kommunikative Pläne – dies ist eine nicht adressierte lyrische Beschreibung und ein Dialog sowie ein Appell an eine abwesende, unbenannte Figur im Werk und ein Appell der lyrischen Heldin an sich selbst.V. V. Vinogradov stellte fest, dass A. Akhmatova häufiger zwei Pläne verwendet: Der eine ist „ein emotional-situativer Hintergrund oder eine Abfolge äußerer sensorisch wahrgenommener Phänomene“, der andere ist „ein Ausdruck von Emotionen in Form direkter Appelle an die.“ Gesprächspartner." Dies macht sich beispielsweise in einem N. Gumilev gewidmeten Gedicht bemerkbar:

Ich kam von der Schule nach Hause.

Diese Linden hat man wohl nicht vergessen

Unser Treffen, mein fröhlicher Junge.

Nur, ein arroganter Schwan geworden,

Der graue Schwan hat sich verändert.

Und für mein Leben ein unvergänglicher Strahl

Diese Gedichte offenbaren auch eine stille Traurigkeit über die Vergangenheit, deren Vergehen hier durch die plötzliche Verwandlung eines geliebten Menschen (Schwan – Schwan) gekennzeichnet ist, mit einer traurigen Anspielung auf ein bekanntes Märchen, nur mit einem anderen Ende.

Anna Achmatowa

Meine Gedichte sind eine weiße Herde ...

Vorwort

Das Dauerhafteste auf Erden ist Traurigkeit.

A. Achmatowa

Das kreative Schicksal von Anna Akhmatova war so, dass nur fünf ihrer poetischen Bücher – „Evening“ (1912), „Rosary“ (1914), „White Flock“ (1917), „Plantain“ (1921) und „Anno Domini“ ( in zwei Auflagen von 1921 und 1922-1923) von ihr selbst zusammengestellt. In den nächsten zwei Jahren erschienen Achmatowas Gedichte gelegentlich in Zeitschriften, doch 1925, nach der nächsten Ideologischen Konferenz, auf der sie nach den Worten von Anna Andrejewna selbst zum „zivilen Tod“ verurteilt wurde, wurde die Veröffentlichung eingestellt. Nur fünfzehn Jahre später, im Jahr 1940, erreichte fast wie durch ein Wunder ein Band ausgewählter Werke die Leser, und es war nicht mehr Achmatowa, die ihn auswählte, sondern der Verfasser. Zwar gelang es Anna Andreevna dennoch, in dieser Veröffentlichung in Form eines der Abschnitte Fragmente aus dem handgeschriebenen „Reed“, ihrem sechsten Buch, das sie Ende der 30er Jahre eigenhändig zusammengestellt hatte, aufzunehmen. Und doch brachte die Sammlung von 1940 mit dem unpersönlichen Titel „Aus sechs Büchern“ wie alle anderen lebenslangen Ausgaben, einschließlich der berühmten „The Running of Time“ (1965), im Allgemeinen nicht den Willen des Autors zum Ausdruck. Der Legende nach war Stalin selbst der Initiator dieses Wunders. Als er sah, dass seine Tochter Swetlana Achmatowas Gedichte in ein Notizbuch schrieb, fragte er angeblich einen der Leute in seinem Gefolge: Warum wird Achmatowa nicht veröffentlicht? Tatsächlich gab es im letzten Vorkriegsjahr einen gewissen Wendepunkt zum Besseren in Achmatowas Schaffensleben: Neben der Sammlung „Aus sechs Büchern“ erschienen auch mehrere Veröffentlichungen in der Zeitschrift Leningrad. Anna Andrejewna glaubte an diese Legende, sie glaubte sogar, dass sie auch ihre Erlösung, die Tatsache, dass sie im Herbst 1941 mit einem Militärflugzeug aus der belagerten Stadt gebracht wurde, Stalin zu verdanken hatte. Tatsächlich wurde die Entscheidung, Achmatowa und Soschtschenko zu evakuieren, von Alexander Fadeev und offenbar auf beharrlichen Wunsch von Alexei Tolstoi unterzeichnet: Der rote Graf war ein hartgesottener Zyniker, aber er kannte und liebte Anna Andreevna und Nikolai Gumilyov seit seiner Jugend und nie Ich habe es vergessen... Tolstoi trug offenbar 1943 zur Veröffentlichung von Achmatowas Taschkent-Sammlung bei, was für ihn jedoch überhaupt nicht schwierig war, da dies nach der Veröffentlichung ihres Gedichts „Mut“ in der Prawda geschah. . Die Tatsache, dass es sich um die Autorin von „Peter dem Großen“ handelte, auch wenn Achmatowa nicht allzu sehr, aber leicht verteidigt wurde, wird durch die folgende Tatsache bestätigt: Nach seinem Tod im Jahr 1944 konnte ihr niemand helfen, weder Nikolai Tichonow noch noch Konstantin Fedin, noch Alexei Surkov, trotz all seiner bedeutenden literarischen Ränge ...

Diese Ausgabe enthält die Texte der ersten fünf Bücher von Anna Achmatowa, in der Ausgabe und in der Reihenfolge, in der sie erstmals erschienen sind.

Die ersten vier Sammlungen – „Abend“, „Rosenkranz“, „Weiße Herde“ und „Wegerich“ – erscheinen nach der Erstausgabe „Anno Domini“ – nach der zweiten, vollständigeren Berliner Ausgabe, gedruckt im Oktober 1922. jedoch veröffentlicht mit dem Vermerk: 1923. Alle weiteren Texte folgen in chronologischer Reihenfolge, ohne die subtilen Zusammenhänge und Kopplungen zu berücksichtigen, in denen sie in den „Samisdat“-Plänen der Autorin bestehen: Bis zu ihrem Tod schrieb Anna Achmatowa weiterhin Gedichte und verfasste sie in Zyklen und Bücher, immer noch in der Hoffnung, dass er seinen Leser nicht nur mit den Hauptgedichten erreichen kann, die stets im zähen Schlamm der sowjetischen Zensur stecken blieben, sondern auch mit Gedichtbänden. Wie viele Dichter des Silbernen Zeitalters war sie davon überzeugt, dass es einen „teuflischen Unterschied“ zwischen lyrischen Theaterstücken, die nur durch den Zeitpunkt ihrer Entstehung vereint waren, und dem Gedichtband eines Autors gab.

Anna Akhmatovas erste Sammlung „Evening“ wurde Anfang März 1912 in St. Petersburg im Acmeist-Verlag „Poets Workshop“ veröffentlicht. Für die Veröffentlichung von 300 Exemplaren dieses dünnen Buches zahlte Anna Achmatowas Ehemann, der auch Verlagsleiter ist, der Dichter und Kritiker Nikolai Stepanowitsch Gumilev, einhundert Rubel aus eigener Tasche. Dem Lesererfolg von „Evening“ gingen die „Triumphe“ der jungen Achmatowa auf der winzigen Bühne des literarischen Kabaretts „Stray Dog“ voraus, dessen Eröffnung von den Gründern auf das Jahr 1911 festgelegt wurde. Der Künstler Yuri Annenkov, Autor mehrerer Porträts der jungen Achmatowa, erinnert sich in seinen letzten Jahren an das Erscheinen seines Modells und ihre Auftritte auf der Bühne des „Intimate Theatre“ (der offizielle Name von „Stray Dog“: „Art Society“) des Intimen Theaters“), schrieb: „Anna Achmatowa, schüchterne und elegant sorglose Schönheit, mit ihrem „lockigen Pony“, der ihre Stirn bedeckt, und mit einer seltenen Anmut halber Bewegungen und halber Gesten las sie, fast summend frühe Gedichte. Ich kann mich an niemanden erinnern, der so geschickt und so musikalisch subtil vorgelesen hätte ...“

Genau zwei Jahre nach der Veröffentlichung der ersten Ausgabe, nämlich im März 1914, erschien „Der Rosenkranz“ in den Regalen der Buchhandlungen in St. Petersburg, Achmatowa musste dieses Buch nicht mehr auf eigene Kosten veröffentlichen... Es ging durch viele Nachdrucke, darunter mehrere „Piraten“. Eine dieser Sammlungen stammt aus dem Jahr 1919. Anna Andreevna schätzte diese Veröffentlichung sehr. Hunger, Kälte, Verwüstung, aber die Menschen brauchen immer noch Poesie. Ihre Gedichte! Wie sich herausstellte, hatte Gumilev Recht, als er nach der Lektüre der Korrektur des „Rosenkranzes“ sagte: „Vielleicht muss er in jedem kleinen Laden verkauft werden.“ Marina Tsvetaeva begrüßte Akhmatovas erste Sammlung recht gelassen, da ihr eigenes erstes Buch zwei Jahre zuvor veröffentlicht wurde, nur dass sie über die Übereinstimmung der Titel überrascht war: ihrs war „Evening Album“ und Annas war „Evening“, aber „The Rosary“. “ erfreute sie. Sie verliebte sich! Und in der Poesie und in Abwesenheit in Achmatowa, obwohl ich in ihr eine starke Rivalin spürte:

Du wirst für mich die Sonne von oben blockieren,
Alle Sterne sind in deiner Handvoll.

Gleichzeitig nannte Zwetajewa Achmatowa nach „Der Rosenkranz“ „Anna von ganz Russland“, und ihr gehören zwei weitere poetische Merkmale an: „Muse des Weinens“, „Muse von Zarskoje Selo“. Und was am meisten überrascht, ist, dass Marina Iwanowna vermutete, dass das Schicksal für sie, so unterschiedlich, ein einziges Reisedokument geschrieben hatte:

Und allein in der Leere des Gefängnisses
Der Weg ist uns gegeben.

„Der Rosenkranz“ ist Anna Achmatovas berühmtestes Buch. Sie war es, die ihr Ruhm einbrachte, nicht nur Ruhm in einem engen Kreis von Liebhabern schöner Literatur, sondern echten Ruhm. Inzwischen liebte Achmatowa selbst „Die weiße Herde“ und „Der Wegerich“ seit ihren frühen Büchern viel mehr als „Der Rosenkranz“... Und obwohl die Person, der „Die weiße Herde“ und „Der Wegerich“ gewidmet sind, Boris Wassiljewitsch Anrep erwies sich, wie sich viele, viele Jahre später herausstellte, dieser großen irdischen Liebe als unwürdig und das Gedicht über das Schicksal von Anna von ganz Russland blieb ohne den Haupthelden, na und? Kriege und Zaren vergingen, aber die Gedichte über die hoffnungslose Liebe der bezauberndsten Frau des „silbernen Petersburgs“ zum „schneidigen Jaroslawl“, der seine heimischen Wälder gegen das Samtgrün englischer Rasen eintauschte, gingen nicht vorüber, verloren nicht ihre Gültigkeit makellose Frische... 1945, am Vorabend einer weiteren Katastrophe, als Anna Achmatowa im August des folgenden Jahres 1946 durch den bekannten Beschluss des Zentralkomitees über die Zeitschrift „Zvezda“ erneut zum „bürgerlichen Tod“ verurteilt wurde. und „Leningrad“; nachdem sie Michail Bulgakows Roman „Der Meister und Margarita“ im Manuskript gelesen hatte, schrieb sie die folgenden visionären Gedichte:

Die Zeugen Christi haben den Tod gekostet,
Und geschwätzige alte Frauen und Soldaten,
Und der Staatsanwalt von Rom – alle haben bestanden
Wo einst der Bogen stand,
Wo das Meer schlug, wo die Klippe schwarz wurde, -
Sie wurden in Wein getrunken und mit heißem Staub eingeatmet
Und mit dem Duft heiliger Rosen.

Gold rostet und Stahl verfällt,
Marmor bröckelt – alles ist bereit für den Tod.
Das Dauerhafteste auf Erden ist Traurigkeit
Und haltbarer ist das königliche Wort.

In der Situation von 1945, als die Behörden nach mehreren Frühlingsmonaten des nationalen Siegestages begannen, „die Schrauben wieder festzuziehen“, war es gefährlich, solche Gedichte nicht nur laut vorzulesen, sondern sie auch in Schreibtischschubladen aufzubewahren Anna Andrejewna, die nie etwas vergaß, vergaß genauer gesagt, sie verbarg sie so tief im Keller ihrer Erinnerung, dass sie sie ein ganzes Jahrzehnt lang nicht finden konnte, aber nach dem 20. Kongress erinnerte sie sich sofort an sie ... Das war nicht der Fall denn ihre Freunde nannten sie keine Seherin, sie sah vieles voraus, im Voraus, und spürte das Herannahen des Unglücks schon lange vor seinem Eintreffen, kein einziges, kein einziger Schicksalsschlag überraschte sie; Sie lebte ständig „am Rande des Todes“ und war immer auf das Schlimmste vorbereitet. Aber ihre Hauptbücher hatten Glück; sie schafften es auf wundersame Weise, am Vorabend der nächsten scharfen Wende – sei es in ihrem eigenen Leben oder im Schicksal des Landes – aus der Druckerpresse hervorzukommen.

„Abend“ erschien am Vorabend der Geburt seines ersten und einzigen Sohnes.

„Rosenkranz“ – am Vorabend des Ersten Weltkriegs.

„Die weiße Herde“ – am Vorabend der Revolution, und zwar buchstäblich am Vorabend: Mitte September 1917.

„Wegerich“ (April 1921) – am Vorabend großer Trauer: Im Sommer 1921 erfuhr Achmatowa vom Selbstmord ihres geliebten älteren Bruders Andrei; im August starben zuerst Blok und dann Gumilyov. Michail Zenkewitsch, der Anna Andrejewna in jenem tragischen Winter in einem seltsamen, gefrorenen Haus fand, war erstaunt über die Veränderung, die ihr widerfahren war. Die Anna, von der er sich 1918 trennte, als er Petrograd verließ, die in „Abend“, „Rosenkranz“, „Weiße Herde“ und „Wegerich“ lebte und die Liebe sang, war nicht mehr da; Das Buch, das sie nach dem schrecklichen August 1921 schrieb – „Anno Domini“ – war ein Buch der Trauer. (In der Erstausgabe - Petersburg: „Petropolis“, 1921 – ist das Jahr des Endes des alten Lebens und des Beginns des neuen Lebens bereits im Titel der Sammlung in römischen Ziffern angegeben: „Anno Domini MCMXXI“ („ Aus der Geburt Christi 1921.“) Nachdem sie einem Freund aus seiner poetischen Jugend mehrere neue Gedichte vorgelesen hatte und bemerkte, dass Zenkevich erstaunt war, erklärte sie: „In den letzten Monaten lebte ich unter Toten. Kolya starb, mein Bruder starb und ... . Blok. Ich weiß nicht, wie ich das alles überleben konnte.“

Das Dauerhafteste auf Erden ist Traurigkeit.

A. Achmatowa

Diese Ausgabe enthält die Texte der ersten fünf Bücher von Anna Achmatowa, in der Ausgabe und in der Reihenfolge, in der sie erstmals erschienen sind.

Du wirst für mich die Sonne von oben blockieren,

Alle Sterne sind in deiner Handvoll.

Und allein in der Leere des Gefängnisses

Der Weg ist uns gegeben.